«Ο Robert Indiana γεννήθηκε στην πατρίδα του ίδιου ονόματος το 1928», ξεκίνησε μια σύντομη βιογραφική περιγραφή χειρόγραφη από τον καλλιτέχνη για τον κατάλογο της πρώτης του ατομικής έκθεσης στη Stable Gallery το 1962: «Σπούδασε στο Σικάγο και το Εδιμβούργο και επέστρεψε από μια υποτροφία που ταξιδεύει για να ζωγραφίσει (sic) χρώμα στην προκυμαία της Νέας Υόρκης. Εδώ, στο πρώτο του show, ο ίδιος ανακεφαλαιώνει τα σημαντικότερα γεγονότα σε μια αμερικανική ζωή. "
Ενώ ο καλλιτέχνης θα συνδεθεί άρρηκτα με τον σχεδιασμό του L O VE και το κίνημα της ποπ τέχνης, το ευρύτερο σώμα της Ινδιάνας που εμπλουτίζεται με αριθμούς, λέξεις και σύμβολα, ενσωματώνει αυτοβιογραφικές, λογοτεχνικές και ιστορικές αναφορές για να κάνει σκληρές ακρίβειες στο αμερικανικό όνειρο .
Γεννήθηκε ο Robert Clark στο Νέο Κάστρο της Ιντιάνα το 1928. Ο ζωγράφος, γλύπτης και ποιητής που θα υιοθετούσε το όνομα Ιντιάνα - αυτό που αποκαλούσε το "nom de brush" - έσπασε στις 19 Μαΐου 2018 στην ηλικία των 89 ετών. Θα γίνει, ως συγγραφέας και μελετητής Barbaralee Diamonstein-Spielvogel, πρώτα σημείωσε, "ο άνθρωπος που εφευρέθηκε η αγάπη ".
L O VE σε όλες τις επαναλήψεις - μεταφρασμένες από τον καλλιτέχνη σε ισπανικά και εβραϊκά για γλυπτά. ζωγραφισμένο σε μια μη δακτυλογραφημένη λέξη τεσσάρων γραμμάτων μετά από μια πτώση με την Ellsworth Kelly. ή επαναπροσδιορίστηκε το 2008 ως H O PE σε μια εκτύπωση που έγινε ως έρανος για την πρώτη προεδρική εκστρατεία του Μπαράκ Ομπάμα - είναι συχνά στενογραφία για την καλλιτεχνική παραγωγή της Ινδιάνας. Η Virginia Mecklenburg, επικεφαλής επιμελητής του Αμερικανικού Μουσείου Τέχνης Smithsonian σημειώνει ότι ενώ η Ιντιάνα συνδέθηκε με καλλιτέχνες Pop όπως ο James Rosenquist, ο Roy Lichtenstein και ο Andy Warhol, ήταν διαφορετικός. "Επικεντρώνονταν στις αντιλήψεις μας για τα προϊόντα της καταναλωτικής μας κοινωνίας. Το L O VE δεν αφορούσε την καταναλωτική κουλτούρα αλλά τα συναισθήματα μέσω των οποίων ζούμε τη ζωή μας ».
Ότι ο Ινδός ποτέ δεν προστατεύεται από πνευματικά δικαιώματα, ο ευρέως μιμημένος σχεδιασμός του L O VE ήταν κάτι σαν μάστιγα για τον καλλιτέχνη, ο οποίος συγκέντρωσε μια μεγάλη συλλογή χτυπήματος. Όμως, οι πιο προσωπικές αποκαλύψεις στο έργο δεν είναι τόσο εύκολα πλαγιογραφημένες όσο οι γραφικές γραμμές του: Σε διάφορες συνεντεύξεις, η Ιντιάνα επισημαίνει στο L O VE ότι εμπνέεται από πνευματικές και όχι ερωτικές καταβολές, αλλά, όπως ένα μεγάλο μέρος της δουλειάς του, η ζωγραφική του 1966 είναι κορεσμένη σε χρώμα και αυτοβιογραφία.
Robert Indiana και φοιτητής στο Σχολείο Ζωγραφικής και Γλυπτικής του Skowhegan, 1969 (Σχολείο Ζωγραφικής και Γλυπτικής Skowhegan, 1946-2013 Αρχεία Αμερικανικής Αρ) 
Φωτογραφία του Robert Indiana με το Decade Autoportrait 1969 (72 ίντσες), όχι πριν από το 1972. (Mary Swift) 
Πορτρέτο του Robert Indiana στο στούντιό του, c. 1980s (Mary Swift, φωτογράφος, βιβλία Mary Swift, περίπου 1970-2005, Αρχεία αμερικανικής τέχνης) 
Alan Groh και Robert Indiana (δεξιά) εγκαθιστώντας μια παράσταση στο Stable Gallery, το 1964 (Nancy Astor, φωτογράφος Σταφύλια, 1916-1999, χύμα, 1953-1970, Αρχεία αμερικανικής τέχνης) Το σχέδιο L O VE του Robert Indiana εκπροσωπείται σε συλλογές σε όλο το Smithsonian Institution μαζί με άλλα έργα της τέχνης του. Αυτά αποτελούν παραδείγματα και προσφέρουν εικόνα για το πλήρες εύρος της καριέρας του καλλιτέχνη.
Οι προφορικές ιστορίες στα Αρχεία της Αμερικανικής Τέχνης του Smithsonian περιλαμβάνουν πολλές συνεντεύξεις με καλλιτέχνες που συζητούν τη φιλία τους με την Ιντιάνα και το έργο της, αλλά μεταξύ των πιο εμπεριστατωμένων είναι η συνέντευξη του 1963 με τον ίδιο τον καλλιτέχνη, που πραγματοποιήθηκε από τον Richard Brown Baker, συλλέκτη σύγχρονης τέχνης.
Σε αυτό, η Ιντιάνα μιλάει εκτενώς για την αναποφάσιστη παιδική του ηλικία και την έγκαιρη εκπαίδευσή της - επιδεινώθηκε από την τάση της μητέρας της προς το wanderlust που είδε την οικογένεια να μετακομίζει σε 21 σπίτια από τη στιγμή που ήταν 17 - το ενδιαφέρον της για την ποίηση και τη λογοτεχνία και το χρόνο που ζούσε στο Coenties Slip στο χαμηλότερο Μανχάταν μεταξύ μιας κοινότητας καλλιτεχνών που συμπεριέλαβαν την Ellsworth Kelly, την Agnes Martin, τον Lenore Tawney και τον Jack Youngerman.
Μια Χριστουγεννιάτικη Κάρτα που βρέθηκε στα χαρτιά Η Dorothy Miller, που ήταν επιμελητής στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης, παρέχει μια προεπισκόπηση του L O VE στο αρχικό του στάδιο. Όπως ο επιμελητής αρχείων των χειρογράφων Mary Savig περιγράφει στο βιβλίο της χειροποίητες κάρτες διακοπών από καλλιτέχνες του 20ου αιώνα:
Μια από τις πρώτες επαναλήψεις του πιο δημοφιλούς θέματος του Robert Indiana, το μοτίβο της ΑΓΑΠΗΣ, ήταν μια κάρτα που πωλείται από το MoMA το 1965. Για την κάρτα του 1964, η Ιντιάνα είχε κάνει τα μολύβια της λέξης LOVE, ένας αποδέκτης της κάρτας του ήταν ο MoMA επιμελητής Dorothy Miller. Το επόμενο έτος, ο MoMA ανέθεσε στην Ιντιάνα μια πιο πολύχρωμη λήψη του αρχικού σχεδίου για τη γραμμή των καρτών διακοπών.
Η ευχετήρια κάρτα Robert Indiana έστειλε στην Dorothy C. Miller, 1964 (αρχεία της Dorothy C. Miller, 1853-2013, χύμα 1920-1996, Αρχεία αμερικανικής τέχνης) Το 1964, τον ίδιο χρόνο ο Robert Indiana έστειλε την κάρτα του LO VE, συνεργαζόταν σε μια ταινία, Eat, με τον Andy Warhol, όπου μέσα από τη μαγεία της ταινίας, η Indiana τρώει ένα μανιτάρι για 35 λεπτά. Για την Έκθεση του Παγκόσμιου Ιστού της Νέας Υόρκης, ήταν ένας από τους δέκα καλλιτέχνες που ανέθεσε ο Phillip Johnson να δημιουργήσει ένα έργο τέχνης για την καμπύλη πρόσοψη του Pavilion State της Νέας Υόρκης. Η δημιουργία της Ινδιάνας, ύψους 20 ποδιών, με πέντε μαύρους κύκλους, διατεταγμένους σαν το πρόσωπο ενός πεντάπτου πεθαμένου με γράμματα που φωτίστηκαν για να εξηγηθεί το EAT, στρώθηκε ανάμεσα σε έργα των Ellsworth Kelly και Robert Rauchenberg. Οι λέξεις EAT, DIE, HUG και ERR θα ήταν έτοιμες να επανέλθουν επανειλημμένα στην Ιντιάνα - το Mecklenburg τους αποκαλεί «εικονικές εντολές» - με το EAT, την τελευταία λέξη που του είπε η μητέρα του πριν πεθάνει, είναι μια από τις πιο βαθιά αυτοβιογραφικές .
Σε ένα χιουμοριστικό πάρει τη λέξη, οι επιμελητές τέχνης της Φιλαδέλφειας, Joan Kron και Audrey Sabol, τροποποίησαν το σχεδιασμό της παγκόσμιας έκθεσης της Ινδιάνας σε μια καρφίτσα που κατασκευάστηκε από την Tiffany για την Genuine Electric Company - μία από τις πολλές επιχειρηματικές επιχειρήσεις που ανήκουν στις γυναίκες. Αφού έγραψαν τα έργα τους στους New York Times, έλαβαν πολλές έρευνες για το καρφί, μερικά από τα οποία βρίσκονται στα αρχεία του Kron στο Αρχείο. Μεταξύ αυτών είναι μια σημείωση από την κ. Daniel D. Krakauer από το Great Neck, Long Island, που ρωτά από πού μπορεί να πάρει μία από τις καρφίτσες EAT για να φορέσει στο έκπληκτο 50ο έτος της ηλικίας του συζύγου της: «Δεν μπορώ να σκεφτώ έναν καλύτερο τρόπο αναγγέλλοντας ότι «το δείπνο είναι σε λειτουργία» παρά από το «φωτισμό». . . "" Η επιστολή παίρνει μια πονηρή ειρωνεία. οι αξιωματούχοι της Παγκόσμιας Έκθεσης έπρεπε να παραγγείλουν το σήμα της Ινδιάνας μετά από μία μόνο ημέρα, επειδή τα πλήθη συρρέουν στο περίπτερο που το λάμβαναν για ένα χώρο εστίασης. Όπως έγραψε η Ιντιάνα, «Πολλοί άνθρωποι είχαν αντιδράσει, την πρώτη ημέρα, στην επιτακτική ανάγκη».
Το 1974, μετά την είσοδο του Smithsonian στη συλλογή έργων τέχνης του χρηματοδότη και φιλανθρωπού Joseph Hirshhorn, και άνοιξε το Μουσείο Hirshhorn και το Γλυπτό Κήπο ως εθνικό μουσείο σύγχρονης τέχνης, οι Smithsonian Associates ανέθεσαν τέσσερις αφίσες για την ημέρα έναρξης, συμπεριλαμβανομένου ενός από τον Robert Indiana μπλε αστέρι με ματιά και ένα τολμηρό γραφικό σχέδιο.
Την εποχή του ανοίγματος του μουσείου υπήρχαν μόνο δύο πρώιμες ζωγραφιές των Ιντιάνα - The Eateria, 1962 και Beware-Danger American Dream # 4, 1963 - στη συλλογή Hirshhorn. Και οι δύο, λέει ο Evelyn Hankins, ο ανώτερος επιμελητής του Hirshhorn, "είναι εικονικά παραδείγματα του τρόπου χρήσης του Robert Indiana για την χρησιμοποίηση της αμερικανικής γλώσσας, όπως οδικά σήματα, για να δημιουργήσει εντυπωσιακά έργα τέχνης στον πυρήνα της pop art".
Η αφίσα για το άνοιγμα της Ιντιάνα, λέει ο Evelyn Hankins του Hirshhorn, "είναι πολύ αντιπροσωπευτικός για το γιατί ο Robert Indiana είναι καθοριστικός για τον κόσμο της τέχνης των ποπ - τη χρήση γραφικών γραφικών, τα οποία μερικές φορές γιορτάζουν και μερικές φορές κάνουν δύσκολες ερωτήσεις για τη σκοτεινότερη πλευρά του αμερικανικού ονείρου. "(Hirshhorn) Η αφίσα της αρχικής ημέρας της Ιντιάνα, λέει ότι ο Hankins "με το γραφικό τολμηρό αστέρι του και την περιορισμένη παλέτα χρωμάτων" όχι μόνο ταιριάζει καλά στη συλλογή και στο έργο του καλλιτέχνη, αλλά ήταν "πολύ αντιπροσωπευτικός ως προς το γιατί ο Robert Indiana είναι καθοριστικός για τον κόσμο της τέχνης του Pop, τη χρήση γραφικών με σκληρή άκρη, τα οποία μερικές φορές γιορτάζουν και μερικές φορές κάνουν δύσκολες ερωτήσεις σχετικά με τη σκοτεινή πλευρά του αμερικανικού ονείρου. "Σε αυτή την περίπτωση, ειδικά, εορταστικές.
Η κριτική της τέχνης Λούσι Λίππαρντ χαρακτήρισε την Ιντιάνα «ρομαντική από έξω», σημειώνοντας ότι «η συμβολή του καλλιτέχνη ήταν ο γάμος της ποίησης και της γεωμετρικής σαφήνειας μέσω της ενσωμάτωσης της αμερικανικής λογοτεχνίας και της ιστορίας σε μια μη αντικειμενική τέχνη».
Οι ρομαντικές του τάσεις είναι εμφανείς στα κιονοστοιχια γλυπτά του που προέρχονται από ξυλεία και αντικείμενα που βρέθηκαν, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που στεγάζονται στις συλλογές του Αμερικανικού Μουσείου Τέχνης Smithsonian. Σύμφωνα με τη βιρτζίνια Mecklenburg του μουσείου, που επιμελήθηκε την έκθεση σόλο του καλλιτέχνη του 1984 "Wood Works: Constructions by Robert Indiana", τα κομμάτια αυτά είναι ενδεικτικά της ευφυΐας και της διαδικασίας εργασίας του. "Ήθελε να κάνει τις έννοιες totemic. Έβλεπε τα γλυπτά του ως τοτέμ, όπως και η στήλη που χρησίμευε ως ανιχνευτές κατά μήκος των ρωμαϊκών δρόμων στην αρχαιότητα. Τα γλυπτά της Ιντιάνα αντιπροσωπεύουν την παρουσία, τη δύναμη, την ατομικότητα, καθώς και τις λέξεις, τα σημεία, τα σύμβολα, τους τρόπους για να σηματοδοτήσουν συγκίνηση, τόπους. Υπήρχε πρόθεση - αυτά τα πράγματα ήταν στο μυαλό του. "
Πέντε Ρόμα Ιντιάνα. (Smithsonian American Art Museum, δώρο του καλλιτέχνη) Την εποχή της έκθεσης του 1984, η Ιντιάνα προσέλκυσε τη ζωγραφική του Το Σχήμα 5 και το μουσείο αγόρασε το γλυπτό του Πέντε . Και οι δύο είναι riffs για τη ζωγραφική του Charles Demuth Έβλεπα το Σχήμα 5 στο Χρυσό - που έγινε ως απόκριση στο ποίημα του William Carlos Williams "Το Μεγάλο Σχήμα", που γράφτηκε μετά από μια συνάντηση με ένα πυροσβεστικό όχημα που χτύπησε σε μια βροχερή βραδιά του Μανχάταν - και είναι ακρογωνιαίοι λίθοι των εκμεταλλεύσεων του μουσείου Ιντιάνα.
Μεταξύ της βροχής και των φώτων είδα το σχήμα 5 σε χρυσό σε κόκκινο πυροσβέστη που κινείται. . . .
"Ο Bob ήθελε την ιδέα του γλυπτού και της ζωγραφικής να είναι μαζί", εξηγεί ο Mecklenburg. "Ο Demuth επηρεάστηκε από την βιωματική ταχύτητα, το φως του ήχου του Ουίλιαμς, τον ήχο του φορτηγού πυρκαγιάς - ο Bob βρήκε έναν άλλο τρόπο να εκφράσει αυτό που ήταν της στιγμής".
Ερωτηθείς για το πώς ήταν να δουλεύεις με την Ιντιάνα στην έκθεση, το Mecklenburg λέει ότι η Ιντιάνα ήταν ντροπαλή αλλά της επέτρεψε να έχει πρόσβαση στα προσωπικά της περιοδικά, σελίδες των οποίων αναπαράγονται στον κατάλογο της επίδειξης. "Ήταν καταπληκτικό. . . ήταν φίλος ", λέει. "Είχε μια βαθιά αίσθηση της αμερικανικής ιστορίας, ονομάζοντας τον εαυτό του για το κράτος όπου μεγάλωσε - δεν ήταν ο Robert Massachusetts! Ήταν ένας ισχυρισμός της Μέσης Αμερικής, και αυτό λέει κάτι για αυτό που αποτίμησε. "
Όπως είπε στον Diamonstein, "όταν ήμουν παιδί, η μητέρα μου οδήγησε τον πατέρα μου να δουλέψει στην Ινδιανάπολη και θα έβλεπα, σχεδόν κάθε μέρα της νέας μου ζωής, ένα τεράστιο σημάδι Phillips 66. Έτσι είναι το κόκκινο και πράσινο του σημείου αυτού εναντίον του μπλε Hoosier ουρανού. Το μπλε στην Αγάπη είναι κεραμωμένο. Επομένως η Αγάπη Μου είναι ένα φόρο τιμής στον πατέρα μου ».
Στο τέλος της συνέντευξης προφορικής ιστορίας του Robert Indiana, ο Richard Brown Baker πρότεινε ότι ο καλλιτέχνης δεν ήταν "εντελώς αποκαλυπτικός", αλλά ο Mecklenburg ισχυρίζεται ότι η Ιντιάνα παρέχει μεγάλη πρόσβαση στον θεατή που θέλει να κάνει μια βαθιά ανάγνωση του έργου του. Η Ιντιάνα, λέει, "ήταν ένας άνθρωπος που έκανε το σημάδι του στον κόσμο μέσα από την τέχνη του".
Στην πραγματικότητα, η Ιντιάνα, που είδε τον εαυτό του ως ζωγράφος σημάτων, κάποτε ισχυρίστηκε, "ζωγραφίζω την αμερικανική σκηνή."
Όπως έθεσε ξεκάθαρα στη δήλωση των καλλιτεχνών για την Stable Gallery: "Η τέχνη μου είναι μια πειθαρχημένη υψηλή βουτιά - υψηλή κούρσα, ταυτόχρονη και πολυχρωμική, μια εξύψωση της λεκτικής-οπτικής. . . τον διάλογό μου. "
