Ακούστε προσεκτικά για μια μακρινή βουτιά: πριν από 100 χρόνια, στις 29 Μαΐου 1913, το σοκ των νέων εξερράγη σε ένα θέατρο του Παρισιού, όταν οι Ballets Russell του Diaghilev εκτέλεσαν τον Τρύγο της Άνοιξης του Stravinsky . Το θρυμματισμένο ακροατήριο στο Theatre des Champs-Elysees ξέσπασε στη λαϊκή χορευτική και δυσάρεστη μουσική που τους αντιμετώπισε. Αντί για τη χάρη και την παράδοση τέτοιων μπαλέτων, όπως η Λίμνη των Κύκνων του Τσαϊκόφσκι , η ξεχωριστή χορογραφία της άνοιξης και η ρωσική παγανιστική ρύθμιση ξεκίνησαν μια χορωδία boos που μετατράπηκε σε φιλονικίες: Ποιο ήταν όλο αυτό το πόδι; Πού ήταν το πανάκι της παράδοσης; Προς έκπληξη και αδιαφορία του ακροατηρίου, ο "Μοντερνισμός" είχε μόλις φτάσει με ένα γιγαντιαίο συντριβή του κύμπελ.
Ο Serge Diaghilev και ο Igor Stravinsky σκόπευαν να χρησιμοποιήσουν αυτήν την παράσταση ως διακήρυξη του μοντερνισμού - ένα θέαμα που στοχεύει να ξεσπάσει μέσα από τα παραδοσιακά όρια στην τέχνη, τη μουσική και το χορό, για να παρουσιάσει κάτι εντελώς νέο και καινοτόμο. Η ιδέα του χορού-ως-θεάματος είναι κάτι που με ενέπνευσε, καθώς διοργάνωσα μια Έκθεση Πορτραίτων στο χορό στην Αμερική, που θα ξεκινήσει στις 4 Οκτωβρίου. Χωρίς να υποκινούνται οι ταραχές, το θέαμα έπαιξε καθοριστικό ρόλο στο χορό από τις Follies του Ziegfeld μέχρι το Beyonce's σκηνικά; τα ακροατήρια είναι πάντα τρυπημένα από φτερά, πούλιες και όμορφη κίνηση. Ως συνθέτες-στιχουργοί Kander και Ebb έγραψαν στο θεματικό τραγούδι "Razzle Dazzle" του Σικάγου , "δώστε τους μια πράξη με πολλά λάμψη σε αυτό / και η αντίδραση θα είναι παθιασμένη".
Ο Igor Stravinsky από τον Alvin Langdon Coburn. Ασημένια εκτύπωση ζελατίνης, 1921 (Φωτογραφία της Εθνικής Πινακοθήκης) Μου αρέσει να είναι εκθαμβωμένη. Και ως αστείρευτος πολιτιστικός εξερευνητής, βρίσκομαι πάντα στο δρόμο για τον παράγοντα "wow" - αυτό το μαγικό πράγμα που κάνει τα μάτια σας να σκάσουν. Στις τέχνες του θεάματος, μπορεί να είναι μια στιγμή που σταματούν να δείχνουν στη σκηνή ή στην οθόνη, το μαγευτικό άλμα ενός χορευτή στο όζον ή μια συναρπαστική φωνή που σας αφήνει να αναπνεύσει. Αυτές είναι κρυσταλλικές στιγμές που σηματοδοτούν την ψυχή σας για πάντα.
Τον τελευταίο καιρό έχω περάσει μερικές εκπληκτικές παραστάσεις - μια συναυλία της Ορχήστρας της Φιλαδέλφειας κάτω από τον ηλεκτρισμένο νέο ηθοποιό τους, τον Yannick Nézet-Séguin, και μια παράσταση του Kennedy Center Gala της My Fair Lady στην οποία σε έκαναν οι Jonathan Pryce και Laura Michelle Kelly πιστεύουν ότι δημιουργούν για πρώτη φορά τους ρόλους του καθηγητή Higgins και Eliza.
Αλλά και με μια μεγάλη έκθεση που μόλις άνοιξε στην Εθνική Πινακοθήκη: "Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: Όταν η τέχνη χορεύεται με τη μουσική." Ο Baz Luhrmann μπορεί να έχει χρησιμοποιήσει πολλή γοητεία και Glitz στη νέα του 3-D έκδοση του The Great Gatsby, αλλά η Γκαλερί έχει δημιουργήσει τον λαμπερό κόσμο του Diaghilev σε μια πλούσια απεικόνιση του πραγματικού πράγματος - της τέχνης, της μουσικής, του χορού και του κοστουμιού που εξέφρασαν την "αναζήτηση για το νέο" πριν από έναν αιώνα . Όπως εξηγεί ο συντηρητής της έκθεσης Sarah Kennel, ο Diaghilev «ποτέ δεν ήθελε να στηριχτεί στις δάφνες του. Ήταν πάντα καινοτόμος και επανασχεδιασμός. "
Michel Fokine από την Clara Sipprell. Ασημένια εκτύπωση ζελατίνης, 1923, κληροδότημα του Phyllis Fenner (Εθνική Πινακοθήκη) Μια συνεργασία μεταξύ της Εθνικής Πινακοθήκης και του Μουσείου Βικτώριας και Άλμπερτ, η έκθεση άνοιξε για πρώτη φορά στο Λονδίνο το 2010. Η έκθεση της Έκθεσης είναι ένα υβρίδιο της εκπομπής αυτής, ενσωματώνοντας 80 έργα από τη συλλογή V & A και προσθέτοντας περίπου 50 νέα αντικείμενα. Το "Diaghilev" προβάλλει τις εκπληκτικές καλλιτεχνικές συνεργασίες που σφυρηλατήθηκαν από τον ρωσικό impresario και προβάλλουν συνθέτες όπως ο Stravinsky, ο Prokofiev και ο Satie και καλλιτέχνες όπως ο Bakst, ο Picasso και ο Matisse. Δύο σημαντικοί χορογράφοι του Diaghilev-Michel Fokine, οι οποίοι συνεργάστηκαν μαζί του τα πρώτα χρόνια, και ο George Balanchine, ο οποίος συνεργάστηκε με τους Ballets Russes στο τέλος της ζωής του Diaghilev, θα μεταναστεύσει στις ΗΠΑ. Ο Fokine δημιούργησε ένα σχολείο μπαλέτου στη Νέα Υόρκη και η Balanchine θα είχε ένα εικονικό αντίκτυπο στον αμερικανικό χορό, τόσο στο Broadway όσο και στο μπαλέτο.
Κοστούμι Pablo Picasso για τον Κινέζο ντίσκο από την παρέλαση, γ. 1917 (© Μουσείο Βικτώρια και Άλμπερτ, Λονδίνο) Χρονολογικά, τα πέντε μεγάλα τμήματα της έκθεσης αναφέρουν την ιστορία της καριέρας του Diaghilev: "Οι πρώτες εποχές", "Vaslav Nijinsky-χορεύτρια και χορογράφος", "η Ρωσική Avant Garde", "η διεθνής avant-garde" Νεοκλασικισμός και Σουρεαλισμός ". Υπάρχει επίσης μια συναρπαστική οπτικοακουστική συνιστώσα που περιλαμβάνει σπάνια λήμματα των Ballets Russes και Nijinsky, ο Rudolf Nureyev εμφανίζεται στο απόγευμα ενός Faun και ο Mikhail Baryshnikov χορεύει τον άσωτο γιο.
Πριν από τριάντα χρόνια, αυτή η θαυμάσια έκθεση θα είχε αποκαλυφθεί ως «blockbuster». Στο σύγχρονο μουσικό λεξικό, η λέξη αυτή δεν ευνοεί: οι blockbusters έπεσαν στα σκαλοπάτια της κρίσιμης harbouphing σε κάποιο σημείο και ο σημερινός μουσικός κόσμος συχνά τάσσεται υπέρ μιας αναγωγικής εξάρτησης γκρίζους τοίχους και γκρίζα χαλιά και όχι πιο φανταχτερές προσεγγίσεις. Ως κάποιος που ξεκίνησε στην εποχή των υπερβολικών εμποδίων, θεωρώ ότι η έλλειψη θαυμάζω σήμερα ένα ανησυχητικό σχόλιο για το πόσο μακριά τα μουσεία έχουν αποστασιοποιηθεί από ένα κοινό που πεινάει για έμπνευση.
Κούκλα Henri Matisse για έναν πενθούντα από το τραγούδι του νυχτολούλουδου, το 1920 μαλλί τσόχα και βελούδο συνολικά (V & A, Λονδίνο) Όμως η έκθεση Diaghilev με χαμογέλασε τη στιγμή που μπήκα στην αγκαλιά του: από το γλυκό Boris Godunov κοστούμι Chaliapin φορούσε το 1908 στην γιγαντιαία κουρτίνα σκηνής από το Blue Train (1924) , το show Diaghilev αποτελεί υπενθύμιση των εκθέσεων που μπορεί να είναι.
Ο Mark Leithauser είναι ο αρχιτέκτονας του σχεδιασμού και ανώτερος επιμελητής της Εθνικής Πινακοθήκης, και εδώ, δημιούργησε ένα τεράστιο κόσμο wow. Υπεύθυνος για το σχεδιασμό πολλών από τα ορόσημα αυτού του μουσείου, μου μίλησε για το πώς η έννοια του "blockbuster" δεν είναι πραγματικά θέμα μεγέθους: πρόκειται για ένα φαινόμενο. Το πρώτο blockbuster, "King Tut", είχε μόνο 52 αντικείμενα. Όταν άνοιξε στην Πινακοθήκη το 1976, οι άνθρωποι παρέμειναν στη γραμμή για ώρες. Ο σκηνοθέτης J. Carter Brown δήλωσε ότι η παράσταση ήταν δημοφιλής λόγω της "καθαρής οπτικής ποιότητας" και της "εκπληκτικής ηλικίας" των αντικειμένων, μαζί με την αφηρημένη αίσθηση ότι βρίσκεστε σε κυνήγι θησαυρού. Από την άλλη πλευρά, το "θησαυροφυλάκιο της Βρετανίας" το 1985 είχε πάνω από χίλιες αντικείμενα και βοήθησε να συνδεθεί "bigness" με τη δημοφιλή ιδέα του blockbuster.
Η Leithauser πιστεύει ακράδαντα ότι μια έκθεση πρέπει να έχει ρίζες στην αφήγηση. Στα "Θησαυροί Σπίτια", η ιστορία ήταν περίπου 500 χρόνια συλλογής στη Βρετανία, αλλά ήταν επίσης περίπου 500 χρόνια αρχιτεκτονικής μεταμόρφωσης στο βρετανικό εξοχικό σπίτι - ένας μετασχηματισμός που προκαλείται από τις αρχιτεκτονικές σκηνές και το περιβάλλον που δημιουργήθηκε στην έκθεση.
Serge Diaghilev (© Βικτώρια και Albert Museum, Λονδίνο) Για την εκπομπή Diaghilev, ο Leithauser δήλωσε ότι ο σχεδιασμός έπρεπε να είναι τόσο θεατρικός όσο η ιστορία - η εγκατάσταση έπρεπε να δημιουργήσει μια θεατρική εμπειρία που κάλυπτε τον κόσμο του Diaghilev. Η αλήθεια, σύμφωνα με τον Leithauser, είναι ότι οι εκθέσεις "πρέπει να είναι αυτό που είναι".
Η ικανότητα του σχεδιαστή να ρυθμίσει τη σκηνή τόσο λαμπρά επιτρέπει στους επισκέπτες να κατανοήσουν τις καλλιτεχνικές συνεργασίες του Diaghilev τόσο διανοητικά όσο και σπλαχνικά. Ο Leithauser είναι ένας θεατής που εκτιμά το θέαμα: μπράβο για να ξεγελάσει!
