Η δουλειά της Diane Arbus συμπεριλήφθηκε σε λίγες εκθέσεις μουσείων πριν πεθάνει, με το χέρι της, στην ηλικία των 48 ετών το 1971. Παρόλα αυτά, είχε ήδη κερδίσει τη φήμη της με μια σειρά από αξέχαστες εικόνες - έναν «εβραϊκό γίγαντα» πάνω από τους κρυμμένους γονείς του, ένα ηλικιωμένο ζευγάρι που κάθεται γυμνό σε μια καμπίνα γυμνιστών-στρατοπέδων, ένα γκριμάκι που κρατάει μια χειροβομβίδα παιχνιδιών - που φαίνεται να αντικατοπτρίζει τους βαθύτερους φόβους μας και τις περισσότερες ιδιωτικές ευχές.
Η πρώτη μεγάλη αναδρομή του έργου της Arbus πραγματοποιήθηκε το 1972, ένα χρόνο μετά το θάνατό της, στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης (MOMA) στη Νέα Υόρκη, όπου έζησε για το μεγαλύτερο μέρος της ζωής της. Η επίδειξη έφτιαξε τεράστια πλήθη και επαίνους για την ανθρωπότητα και την επίσημη ομορφιά της δουλειάς της. Ορισμένοι, όμως, βρήκαν τις εικόνες της ενοχλητικές, ακόμη και απωθητικές: ο κριτικός Susan Sontag, για παράδειγμα, κάλεσε τα πορτραίτα της "ανάμεικτων τεράτων και περιπτώσεων στα σύνορα. . . . αντι-ανθρωπιστής. "Το έργο του Arbus, έγραψε ο Sontag, " δείχνει ανθρώπους που είναι αξιολύπητοι, δυσαρεστημένοι, αλλά και απωθητικοί, αλλά δεν προκαλούν συμπονετικά συναισθήματα ".
Σήμερα, η Arbus, που κάποτε είπε ότι οι φωτογραφίες της επιχείρησαν να συλλάβουν "το διάστημα μεταξύ του ποιος είναι κάποιος και ποιοι πιστεύουν ότι είναι", έχει γίνει ένας από τους πιο γνωστούς φωτογράφους της Αμερικής και ένας από τους πιο αμφιλεγόμενους. Αλλά τα επιτεύγματά της ως καλλιτέχνης έχουν κάπως επισκιασθεί από την αυτοκτονία της και από την ανησυχητική παράξενη φύση που φεύγει από τις εικόνες της. Διάσημος ως «φωτογράφος των φρικιαστών», θεωρήθηκε ως κάτι από ένα freak τον εαυτό της.
Τώρα μια νέα γενιά θεατών και κριτικών συζητά το νόημα και τη σημασία των συναρπαστικών, ανησυχητικών εικόνων του Arbus, χάρη στην "Diane Arbus Revelations", μια έκθεση περίπου 200 από τις φωτογραφίες της στο θέαμα στο Μουσείο Τέχνης του Λος Άντζελες της Τέχνης μέχρι το Μάιο 31. Η πρώτη αναδρομική παρουσία του Arbus από το MOMAshow του 1972, "Αποκάλυψη", την τοποθετεί στο κέντρο της αμερικανικής φωτογραφίας του 20ου αιώνα.
"Η εκτόξευση του Arbus στο ρόλο μιας τραγικής φιγούρας που ταυτίζεται με τους φρικιασμούς είναι να καταστήσει τραγικό το επίτευγμά της", λέει η Σάντρα Σ. Φίλιπς, ανώτερος επιμελητής φωτογραφίας στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης του Σαν Φρανσίσκο (SFMOMA), από όπου ξεκίνησε η παράσταση. "Ήταν ένας σπουδαίος ανθρωπιστής φωτογράφος που βρισκόταν στην πρώτη γραμμή όσων έχουν αναγνωριστεί ως ένα νέο είδος φωτογραφικής τέχνης."
Η έκθεση έχει ήδη προκαλέσει ισχυρές κριτικές αντιδράσεις. Ο κριτικός τέχνης του Σαν Φρανσίσκο Kenneth Baker εξήρε το έργο της Arbus για τη νοημοσύνη και τη συμπόνια του και ο Arthur Lubow, γράφοντας στο περιοδικό New York Times, την ονόμασε "έναν από τους ισχυρότερους Αμερικανούς καλλιτέχνες του 20ού αιώνα". ως ενοχλητική και νοσηρή. «Ο Άρμπους είναι ένας από εκείνους τους βλαπτικούς μποέμιους», έγραψε ο Jed Perl της νέας δημοκρατίας, «που γιορτάζει τις εκκεντρικότητες των άλλων ανθρώπων και όλο και μεγαλώνουν τη δική τους ναρκιστικά απαισιόδοξη άποψη για τον κόσμο».
Οι απόψεις θα γίνουν ακόμα πιο βαθιά σχισμένες καθώς η παράσταση μετακινείται στη χώρα-δίπλα στο Μουσείο Καλών Τεχνών στο Χιούστον (27 Ιουνίου - 29 Αυγούστου) και στη συνέχεια στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης στη Νέα Υόρκη (1 Μαρτίου - 29 Μαΐου, 2005). Πρόσθετοι χώροι περιλαμβάνουν το Μουσείο Folkwang στο Έσσεν της Γερμανίας, το Victoria and AlbertMuseum στο Λονδίνο και το WalkerArtCenter στη Μινεάπολη.
Ο Jeff Rosenheim, ο συγγενής επιμελητής της φωτογραφίας του Μητροπολίτη, πιστεύει ότι οι εικόνες του Arbus παραμένουν προκλητικές επειδή δημιουργούν ανησυχητικές ερωτήσεις σχετικά με τη σχέση μεταξύ φωτογράφου, θέματος και ακροατηρίου. "Η δουλειά της σας εμπλέκει και την ηθική του ίδιου του οράματος", λέει. "Η άδειά μας να έχουμε αυτή την εμπειρία προβολής ενός άλλου προσώπου αλλάζει και αμφισβητείται, υποστηρίζεται και εμπλουτίζεται. Πιστεύω ακράδαντα ότι αυτή είναι η πιο σημαντική έκθεση φωτογραφίας ενός καλλιτέχνη που θα κάνει το μουσείο μας ".
Μέχρι πρόσφατα, το μυστήριο περιείχε πολλές από τις λεπτομέρειες της ζωής και της εργασίας του Arbus. Για δεκαετίες, το κτήμα της αρνήθηκε να συνεργαστεί με κάθε προσπάθεια να γράψει μια βιογραφία του Arbus και επέτρεψε στο κοινό να δει μόνο ένα μικρό μέρος της δουλειάς της. Όλα αυτά άλλαξαν με τη νέα έκθεση, η οποία αναπτύχθηκε με τη συνεργασία του κτήματος και του διαχειριστή του, Doon Arbus, της μεγαλύτερης από τις δύο κόρες του Arbus. Η έκθεση περιλαμβάνει όχι μόνο τις πιο διάσημες εικόνες του Arbus, αλλά και τις πρώιμες φωτογραφίες και την ώριμη δουλειά που ποτέ δεν παρουσίασε ποτέ. Επιπλέον, οι επιδείξεις των βιβλίων της, των φωτογραφικών μηχανών, των επιστολών και των φορητών σημειωματάριων μεταδίδουν μια ισχυρή αίσθηση της προσωπικότητας του φωτογράφου - ιδιότροπη, αυστηρή και απεριόριστα περίεργη.
"Αυτή είναι μια νέα άποψη για την Arbus, με τα δικά της λόγια", λέει η ανεξάρτητη επιμελήτρια Elisabeth Sussman, η οποία διοργάνωσε την αναδρομική έκθεση με την Phillips της SFMOMA. "Ήταν εξαιρετικά έξυπνος και ευφυής και απίστευτα αντιληπτός, και οι φωτογραφίες είναι μόνο ένα μέρος αυτού".
Ο κατάλογος της έκθεσης, Diane Arbus Revelations (Random House), προσφέρει όχι μόνο την πληρέστερη επιλογή των εικόνων Arbus που έχουν τοποθετηθεί ποτέ μεταξύ των καλυμμάτων αλλά και μια συναρπαστική 104 εικονογραφημένη χρονολόγηση της ζωής του Arbus, γεμάτη με αποσπάσματα από τα γράμματα και άλλα γραπτά της. Η χρονολογία, που συνθέτει η Sussman και η Doon Arbus, είναι στην πραγματικότητα η πρώτη εγκεκριμένη βιογραφία του φωτογράφου και η πρώτη που μπορεί να αντλήσει τα χαρτιά της.
Η Arbus γεννήθηκε το 1923. Η μητέρα της, Gertrude, επέλεξε το όνομα της κόρης της, λέγοντάς της "Dee-Ann." Το ταλέντο ήταν άφθονο στην οικογένεια Nemerov, μια πλούσια φυλή της Νέας Υόρκης που διέτρεχε το Russek, ένα μοντέρνο πολυκατάστημα Fifth Avenue. Ο μεγαλύτερος αδελφός της Diane ήταν ο Howard Nemerov, ένας ποιητής που κέρδισε το βραβείο Pulitzer και ονομάστηκε το 1988. Η νεότερη αδελφή του, Renée Sparkia, έγινε γλύπτης και σχεδιαστής. Μετά τη συνταξιοδότησή τους από τον Russek, ο πατέρας τους, ο Ντέιβερ Νέμεροφ, ξεκίνησε μια δεύτερη επιτυχημένη καριέρα ως ζωγράφος.
Τα καλλιτεχνικά και λογοτεχνικά δώρα της Diane ήταν εμφανή νωρίς. Ο πατέρας της την ενθάρρυνε να γίνει ζωγράφος και σπούδασε τέχνη στο γυμνάσιο. Στην ηλικία των 14 ετών ερωτεύτηκε τον Allan Arbus, τον 19χρονο ανιψιό ενός από τους συνεργάτες του πατέρα της. Οι γονείς της απέρριψαν την αγάπη της, αλλά ο ρομαντισμός άνθισε κρυφά. Σύντομα, η Diane έχασε το ενδιαφέρον της για τη ζωγραφική και τη μετάβαση στο κολέγιο, λέγοντας ότι μόνο η φιλοδοξία της ήταν να γίνει σύζυγος του Allan. "Μισούσα τη ζωγραφική και εγκατέλειψα αμέσως μετά το γυμνάσιο γιατί μου είπαν συνεχώς πόσο υπέροχο ήμουν", είπε πολλά χρόνια αργότερα. "Είχα την αίσθηση ότι αν ήμουν τόσο καταπληκτική σε αυτό, δεν άξιζε να κάνει."
Η Diane και η Allan παντρεύτηκαν μόλις έφευγαν 18 ετών, το 1941, με την αποτροπιαστική αποδοχή της οικογένειάς της. Το ζευγάρι ακολούθησε κοινό ενδιαφέρον για τη φωτογραφία, μετατρέποντας το μπάνιο του διαμερίσματός του στο Μανχάταν σε ένα σκοτεινό δωμάτιο μερικής απασχόλησης. Ο Ντέιβερ Νεμέροφ τους έδωσε τη δουλειά να γυρίσουν φωτογραφίες μόδας για τις διαφημίσεις του Russek.
Κατά τη διάρκεια του Β Παγκοσμίου Πολέμου, ο Allan υπηρέτησε ως στρατιωτικός φωτογράφος Μία από τις πιό πρόωρες φωτογραφίες στην εκπομπή "Αποκάλυψη" είναι ένα αυτοπροσωπογραφία του 1945 που έκανε η Diane για τον Allan ενώ βρισκόταν στον στρατό. Αν και έγκυος με τη Doon, που θα γεννηθεί αργότερα εκείνη την χρονιά, στην εικόνα είναι ακόμα λεπτή και πολύ όμορφη, με σκοτεινά μάτια και ένα θορυβώδες, αλλόκοτο αέρα.
Μετά τον πόλεμο, η καριέρα των Arbuses ως εμπορικοί φωτογράφοι απογειώθηκε και σύντομα δούλευαν για κορυφαία γυναικεία περιοδικά και διαφημιστικά πρακτορεία. Συνήθως ο Allan πυροβόλησε τις φωτογραφίες ενώ η Diane ήρθε με έξυπνες ιδέες και στηρίγματα. Η Diane φρόντισε επίσης για τη Doon και τη δεύτερη κόρη της Amy, που γεννήθηκε το 1954. Η Doon, τώρα 59 ετών, έγινε συγγραφέας, εργάστηκε σε πολλά περιοδικά με τη μητέρα της και αργότερα δημοσίευσε δύο βιβλία με τον φωτογράφο Richard Avedon. βήματα και έγινε φωτογράφος.)
Μια φωτογραφία που ο Allan και η Diane έκαναν για το περιοδικό Vogue ενός πατέρα και ενός γιου που διαβάζουν εφημερίδα, συμπεριλήφθηκε στο δημοφιλές «Η Οικογένεια του Ανθρώπου» του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης το 1955. Ωστόσο, και οι δύο ένιωθαν απογοητευμένοι από τους περιορισμούς και τα άγχη της μόδας εργασία. Η Diane ήθελε να είναι καλλιτέχνης, όχι μόνο στιλιστής, ενώ ο Allan ονειρευόταν να γίνει ηθοποιός. Η αυξανόμενη δυσαρέσκειά τους έβαλε πίεση στον γάμο τους. Το ίδιο συνέβη και με τα καταθλιπτικά επεισόδια που υπέφερε η Diane, παρόμοια με την απελπισία που είχε παραλύσει περιοδικά τη μητέρα της. Το 1956 η Diane εγκατέλειψε την επιχείρηση του ζευγαριού για να φωτογραφίσει μόνη της. Ο Allan συνέχισε να εργάζεται υπό την επωνυμία Diane & Allan Arbus, ενώ παίρνει ηθοποιούς και αρχίζει καριέρα στο θέατρο.
Αν και τα περιοδικά όπως το Life, Look και το Saturday Evening Post δημιούργησαν μια ανερχόμενη αγορά φωτογραφίας, δεν υπήρχε ιδιαίτερο ενδιαφέρον για εικόνες με αποκλειστικό σκοπό να είναι ένα έργο τέχνης παρά να τεκμηριώνεται η κοινωνική πραγματικότητα ή να πωλούνται προϊόντα. Παρ 'όλα αυτά, ο Ρόμπερτ Φρανκ, ο William Klein και άλλοι πρόσφυγες από τον κόσμο της μόδας ακολουθούσαν το δικό τους όραμα για το ποια φωτογραφία θα μπορούσε να είναι και μια αγαπημένη προσέγγιση ήταν η φωτογραφία του δρόμου, η οποία ανακάλυψε απρόσμενη ομορφιά και νόημα στους καθημερινούς ανθρώπους και στους τόπους.
Αρκετές από τις πρώτες φωτογραφίες της Diane Arbus στην τρέχουσα έκθεση δείχνουν ότι δοκιμάζει τη δική της εκδοχή φωτογραφίας δρόμου. Αλλά δεν είχε βρει το θέμα της. Ένα σημείο καμπής ήρθε όταν πήρε μια τάξη με τον Βιεννέζο γεννημένο φωτογράφο Lisette Model στο NewSchool της Νέας Υόρκης.
"Ήρθε σε με και είπε, " Δεν μπορώ να φωτογραφήσω ", " Το μοντέλο είπε αργότερα Doon Arbus. "Και είπα, " Γιατί όχι; " Και είπε, «Γιατί θέλω να φωτογραφήσω, δεν μπορώ να φωτογραφήσω». "Το μοντέλο είπε στη Diane να πάει στο σπίτι και να καταλάβει τι ήταν αυτό που πραγματικά ήθελε να φωτογραφίζει. "Και την επόμενη σύνοδο που ήρθε σε με και είπε, « θέλω να φωτογραφίσω τι είναι κακό ». Και αυτό ήταν, "είπε το μοντέλο.
"Νομίζω ότι αυτό που εννοούσε δεν ήταν ότι ήταν κακό, αλλά ότι ήταν απαγορευμένο, ότι ήταν πάντα πολύ επικίνδυνο, πάρα πολύ τρομακτικό ή πολύ άσχημο για οποιονδήποτε άλλον να κοιτάξει», έγραψε η Doon σε μια ανάμνηση που δημοσιεύθηκε σύντομα μετά της θανάτου της μητέρας. "Ήταν αποφασισμένη να αποκαλύψει τι έμαθαν άλλοι για να γυρίσουν την πλάτη τους".
Γοητευμένος από την ανάληψη κινδύνων, η Diane από καιρό αγκάλιασε τη ζωή της τέχνης του κόσμου της τέχνης της Νέας Υόρκης για τα χρήματα, την κοινωνική θέση και τη σεξουαλική ελευθερία. Τώρα ακολούθησε το ίδιο είδος συγκίνησης στις φωτογραφίες της. "Πάντα σκέφτηκα τη φωτογραφία ως ένα άτακτο πράγμα που έπρεπε να κάνω - αυτό ήταν ένα από τα αγαπημένα μου πράγματα γι 'αυτό, και όταν το έκανα για πρώτη φορά, αισθάνθηκα πολύ διεστραμμένο", θυμήθηκε αργότερα. Το μοντέλο είχε συχνά φωτογραφίες από τα πιο κοντινά μέρη της πόλης, συμπεριλαμβανομένου του Coney Island και του Μουσείου του Hubert, μια πλατφόρμα στην Times Square. Το Arbus πήγε ακόμα περισσότερο, εξερευνώντας μουσεία κεριών, αίθουσες χορού και flophouses. "Το αγαπημένο μου πράγμα, " λέει συχνά ο Arbus, λέει, "είναι να πάω εκεί που δεν είμαι ποτέ".
Παίρνουμε μια γεύση από την παμφάγα ευαισθησία της στην έκθεση προσωπικών υλικών στην έκθεση. Υπάρχουν καλά έργα βιβλία τέχνης (στο Delacroix, Picasso, Berenice Abbott, El Greco) και κείμενα τόσο βαρύ (φιλοσοφικά δοκίμια του Schopenhauer) όσο και ισχίο (το επικό ποίημα του Allen Ginsberg Howl ) μαζί με λίστες ιδεών για έργα («sance, ("Γυναίκα που βασανίστηκε από την αγωνία του ITCH") και τις αναμνήσεις περίεργων χαρακτήρων (942-λιβρών "Human Blimp"). Η αποκήρυξη μιας από τις πινακίδες της συνδυάζει τις δικές της φωτογραφίες (με τρία μάτια με τσίρκο τσίρκου και τη γυναίκα του, με ένα όμορφο κορίτσι και τη μητέρα της) με καρτ ποστάλ, στιγμιότυπα, εικονογραφημένες φωτογραφίες (μια μπουκιά, και ένα πάνελ που κόπηκε από μια κωμική προειδοποίηση "ορφανού Annie", "Τα καλύτερα πράγματα που μεταφέρονται στην υπέρβαση είναι λάθος."
Το 1959 οι Αρβούσες χωρίστηκαν και η Diane μετακόμισε σε ένα μικρό σπιτάκι στο χωριό Greenwich Village με τις δύο κόρες τους. Η νέα της κατάσταση και η αποφασιστικότητά της να είναι ανεξάρτητη δημιούργησαν πίεση στην ίδια να φέρει περισσότερα έσοδα. Ευτυχώς, ανοίγονταν νέες ευκαιρίες. Ορισμένα περιοδικά άρχισαν να δημοσιεύουν ένα πιο προσωπικό, μυθιστορηματικό εμπορικό σήμα της δημοσιογραφίας που χρειάζονταν ένα νέο, συνειδητά τέχνης είδος φωτογραφίας για να το συμπληρώσει. Το φθινόπωρο του 1959, η Diane έλαβε την πρώτη της ανάθεση περιοδικών, ένα φωτογραφικό δοκίμιο για την πόλη της Νέας Υόρκης για το Esquire που περιελάμβανε πορτραίτα ενός εκκεντρικού Skid Row, έναν καλλιτέχνη που ήταν γνωστός ως Creep της Ζούγκλας, ένας νέος σοσιαλιστής και ένα ανώνυμο πτώμα.
Οι εικόνες, ωστόσο, δεν είχαν τη χαρακτηριστική εμφάνιση με μεγάλη ευκρίνεια που συσχετίζουμε γενικά με την Arbus. Στη δεκαετία του 1950 και στις αρχές της δεκαετίας του '60 χρησιμοποίησε κάμερα 35 χιλιοστών και φυσικό φωτισμό και η δουλειά της από την εποχή εκείνη έδειξε την επιρροή του Model, του Robert Frank και άλλων επαγγελματιών της φωτογραφίας στο δρόμο. Όπως και αυτές, ευνόησε τις θολές επιφάνειες και τις κοκκώδεις υφές, πολύ μακριά από την τακτοποιημένη εμφάνιση των εμπορικών φωτογραφιών mainstream.
Στη συνέχεια, κάπου γύρω στο 1962 μετακόμισε σε μια φωτογραφική μηχανή 2 1/4, η οποία της επέτρεψε να δημιουργήσει εντονότερες εικόνες με λαμπρή λεπτομέρεια. Περιγράφοντας αυτή τη μετατόπιση χρόνια αργότερα, θυμήθηκε ότι είχε κουραστεί από κοκκώδη υφή και ήθελε "να δει τη διαφορά μεταξύ σάρκας και υλικού, πυκνότητες διαφόρων ειδών πράγματα: αέρα και νερό και λαμπερό". παίρνουν τρομερά υπερβολές στη σαφήνεια ».
Αυτή η μετατόπιση δεν ήταν απλώς θέμα μεγέθους κάμερας ή επιλογής φωτισμού (αργότερα πρόσθεσε φλας). Όλο και περισσότερο, η Arbus έκανε την έντονη σχέση της με τους ανθρώπους που φωτογράφισε το θέμα της δουλειάς της - την περιέργειά της για τις λεπτομέρειες της ζωής τους, την προθυμία τους να μοιραστούν τα μυστικά τους και τη συναρπαστική ενόχληση που ένιωσαν κατά τη διάρκεια αυτών των συναντήσεων. "Θα μπορούσε να υπνωτίσει τους ανθρώπους, ορκίζομαι", λέει ο συνάδελφος Joel Meyerowitz όπως λέει στην μη εξουσιοδοτημένη βιογραφία του Arbus από τον Patricia Bosworth το 1984. "Θα αρχίσει να μιλάει μαζί τους και θα είναι τόσο γοητευμένος μαζί της όσο ήταν μαζί τους." Αυτή η αίσθηση αμοιβαιότητας είναι ένα από τα πιο εντυπωσιακά και πρωτότυπα πράγματα για τις φωτογραφίες του Arbus, δίνοντάς τους μια διαύγεια και εστίαση που είναι τόσο πολύ ψυχολογική ως φωτογραφική.
Ένας αναγνώστης του Freud, του Nietzsche και του Τζέιμς Φρέζερ για τη θρησκεία και τη μυθολογία, The Golden Bough, Arbus είδε τους καλλιτέχνες τσίρκου, τα εκκεντρικά, τα μικρά και τα τραβεστί που φωτογράφισε τόσο συναρπαστικά πρόσωπα πραγματικής ζωής όσο και μυθικές φιγούρες. Μέσα από αυτά βρήκε τον δρόμο της για ακόμα περισσότερους ανθρώπους και μέρη, μακριά από το δικό της υπόβαθρο. «Έμαθα να ξεπεράσω την πόρτα, από έξω προς τα μέσα», έγραψε σε υποτροφία του 1965. "Ένα περιβάλλον οδηγεί σε άλλο. Θέλω να είμαι σε θέση να ακολουθήσω. "
Η νοημοσύνη και η ομορφιά της απόλαυσαν πολύτιμα στοιχεία. Και η ενθουσιασμένη εκτίμησή της για όποιον την χτύπησε ως εξαιρετική της επέτρεψε να κερδίσει την είσοδό της σε ένα μπουτόν της γυναικείας απομνημόνευσης, το δωμάτιο του ξενοδοχείου ενός νάνου και πολλά άλλα μέρη που θα είχαν κλείσει για έναν λιγότερο ανθεκτικό και λιγότερο ελκυστικό φωτογράφο. Αφού έλαβε την άδεια να τραβήξει φωτογραφίες, θα μπορούσε να περάσει ώρες, ακόμα και ημέρες γυρίζοντας τα θέματα της ξανά και ξανά.
Τα θέματα της έγιναν συχνά συνεργάτες στη διαδικασία της δημιουργίας, μερικές φορές εδώ και πολλά χρόνια. Για παράδειγμα, ο μεξικανός νάνος που φωτογραφήθηκε σε δωμάτιο ξενοδοχείου το 1960 εξακολουθούσε να εμφανίζεται στις φωτογραφίες της δέκα χρόνια αργότερα. Αρχικά φωτογράφησε τον Eddie Carmel, τον οποίο ονόμασε ο εβραϊκός γίγαντας, με τους γονείς του το 1960, δέκα χρόνια πριν καταλάβει επιτέλους το πορτρέτο που αναζητούσε.
Όταν η Arbus πήγε στο Σαν Φρανσίσκο το 1967, ο φωτογράφος Edmund Shea την εισήγαγε σε μερικούς «χορούς hippie» που δούλευαν ως χορεύτριες χωρίς τόπους. Δεν ήταν έκπληκτος που Arbus ήταν σε θέση να τους πείσει να θέτουν γι 'αυτήν. "Μερικοί άνθρωποι θέλουν να το θεωρούν κυνικό. Αυτή είναι μια συνολική παρανόηση », λέει. "Ήταν πολύ συναισθηματικά ανοιχτό. Ήταν πολύ έντονη και άμεση, και άνθρωποι σχετιζόμενες με αυτό. "Η ίδια η Arbus είχε μικτά συναισθήματα για την ικανότητά της να αντλεί τα θέματα της. "Είδος με δύο πρόσωπα" είναι το πώς κάποτε περιγράφει τον εαυτό της: "Ακούω τον εαυτό μου λέγοντας, " Πόσο καταπληκτικό ". . . . Δεν εννοώ ότι θα ήθελα να έμοιαξα έτσι. Δεν εννοώ ότι εύχομαι τα παιδιά μου να φαινόταν έτσι. Δεν θέλω να πω ότι στην ιδιωτική μου ζωή θέλω να σε φιλήσω. Αλλά εννοώ αυτό είναι εκπληκτικό, αναμφισβήτητα κάτι. "
Για αρκετά χρόνια οι διακριτικές φωτογραφίες του Arbus αποδείχθηκαν δημοφιλείς στους εκδότες περιοδικών. Μετά το πρώτο φωτογραφικό δοκίμιο της Esquire, δημοσίευσε περισσότερες από 250 φωτογραφίες στο Harper's Bazaar, στο περιοδικό Sunday Times Magazine του Λονδίνου και σε περισσότερες από δώδεκα άλλα περιοδικά, και δημιούργησε εκατοντάδες επιπλέον φωτογραφίες που είχαν εκχωρηθεί αλλά δεν είχαν δημοσιευθεί. Έκανε επίσης ένα μικρό αριθμό ιδιωτικών επιτροπών, ένα από τα οποία αποτελεί τη βάση μιας μικρότερης έκθεσης Arbus που ταξιδεύει επίσης τη χώρα φέτος και μετά. Με τίτλο "Diane Arbus: Family Albums", η εκπομπή ξεκίνησε στο Μουσείο Τέχνης του Mount Holyoke College στη Μασαχουσέτη και παρουσιάζει μερικά από τα πορτρέτα των προσωπικοτήτων του Arbus, μαζί με τα πλήρη φύλλα επαφών από μια πρόσφατα ανακαλυφθείσα φωτογραφία με μια οικογένεια του Μανχάταν. Η εκδήλωση περιλαμβάνει στάσεις στο Maine, στο Όρεγκον και στο Κάνσας.
Παρόλο που η Arbus θεώρησε μεγάλο μέρος της φωτογραφίας της ως εκπρόσωπος της απλής αμοιβής, συχνά έπεισε τους συντάκτες περιοδικών να βοηθήσουν να χρηματοδοτήσουν και να αποκτήσουν πρόσβαση στα καλλιτεχνικά έργα της. Μερικές από τις πιο προσωπικές και γνωστές φωτογραφίες της - το πορτρέτο του βασιλιά και η βασίλισσα του χορού των ηλικιωμένων πολιτών το 1970 - για πρώτη φορά εμφανίστηκαν σε περιοδικά μεγάλης κυκλοφορίας. Ταυτόχρονα, ο κόσμος της καλής τέχνης άρχισε να αναγνωρίζει ότι οι εικόνες του Arbus ήταν κάτι περισσότερο από έξυπνη δημοσιογραφία περιοδικών. Το 1967, 32 από τις φωτογραφίες της επιλέχθηκαν από τη MOMA για την έκθεση "Νέα Έγγραφα". Η επίδειξη περιελάμβανε και εργασίες άλλων δύο σημαντικών νέων φωτογράφων, Lee Friedlander και Garry Winogrand, αλλά η Arbus επέστησε την μεγαλύτερη προσοχή. Το περιοδικό της Νέας Υόρκης χαρακτήρισε την δουλειά της «βίαιη, τολμηρή και αποκαλυπτική» και η Newsweek την αναγνώρισε με την «αιχμηρή γενναιόδωρη εικόνα ενός ποιητή». Ο κριτικός της New York Times Jacob Deschin έγραψε ότι το έργο της «μερικές φορές. . . σύνορα κοντά στην κακή γεύση ", και άλλοι θεατές βρήκαν τις εικόνες της εξευτελιστικές.
«Θυμάμαι να πηγαίνω στα« Νέα Έγγραφα »όταν ήμουν στο κολέγιο και βλέποντας έναν άνδρα να φτύνει το έργο της», λέει ο Phillips της SFMOMA. "Οι άνθρωποι δεν είχαν δει μια απερίγραπτη εικόνα ενός άντρα σε καμπύλες με μακριά νύχια να καπνίζουν ένα τσιγάρο, και εκείνη την εποχή φαινόταν αντιφατική. Τώρα, σε αυτή την απόσταση με την πάροδο του χρόνου, μοιάζει με κομψότητα και ευαισθησία παρά με απειλή ». Η Arbus βρήκε την προσοχή δύσκολο να αντιμετωπίσει. "Η επίδειξη ήταν υπέροχη αλλά πάρα πολλές κλήσεις και επιστολές και οι άνθρωποι σκέφτονται ότι είμαι ειδικός ή απίστευτα αγαπητός", έγραψε σε φίλο. "Πρέπει να είμαι άθλιας και ανώνυμος για να είμαι πραγματικά ευτυχισμένος", είπε σε μια συνέντευξη της Newsweek, "πάντα σκέφτηκα ότι θα περίμενα μέχρι να είμαι ενενήντα για να έχω μια παράσταση. . . Ήθελα να περιμένω μέχρι να έχω κάνει όλα. "
Εξάλλου, η αυξανόμενη φήμη της συνέπεσε με μια πτώση των αναθέσεων, εν μέρει εξαιτίας της αλλαγής της μόδας, εν μέρει επειδή οι διασημότητες μπορεί να είχαν επιφυλακτικά για να φωτογραφηθούν από μια γυναίκα που έγινε διάσημος (σύμφωνα με τα λόγια ενός κριτικού) ως "μάγος "Για να περιπλέξει τα πράγματα περαιτέρω, η Allan, στην οποία παρέμεινε κοντά, μετακόμισε στην Καλιφόρνια το 1969 για να ασχοληθεί με μια καριέρα γεμάτη δράση. Τελικά απέκτησε το έργο σε δεκάδες ταινίες και, από το 1973, διαδραμάτισε μακρόχρονο ρόλο στη δημοφιλή τηλεοπτική σειρά "M * A * S * H" ως ψυχίατρος Dr. Sidney Freedman.
Με την ελπίδα να φέρει κάποια εισοδήματα, η Diane ξεκίνησε σχέδια για να πουλήσει μια περιορισμένη έκδοση δέκα φωτογραφιών της, εγκλωβισμένη σε ένα σαφές πλαστικό κουτί που θα διπλασιάστηκε ως πλαίσιο, για $ 1.000 ανά σετ. Το έργο, ωστόσο, ήταν μπροστά από την εποχή του, και μόνο τέσσερα σύνολα που πωλήθηκαν κατά τη διάρκεια της ζωής του: ένα για τον καλλιτέχνη Jasper Johns, τα άλλα τρία για να στενούς φίλους. "Προσπαθούσε να συσκευάσει τη φωτογραφία ως μορφή τέχνης πριν γίνει πραγματικά αποδεκτή ως τέτοια", λέει ο Phillips. Πρόσφατα, ένα από τα σετ διέθετε 380.000 δολάρια σε πλειστηριασμό.
Αλλά αν τα χρήματα την διέφυγαν, η αναγνώριση δεν έγινε. Τα μουσεία συμπεριέλαβαν την δουλειά της σε εκπομπές και οι εκδότες ζήτησαν, μάταια, να βγάλουν με ένα βιβλίο των εικόνων της. Το 1971 επελέγη να εκπροσωπήσει τις Ηνωμένες Πολιτείες στην Μπιενάλε της Βενετίας του 1972 - τον πρώτο αμερικανικό φωτογράφο που πάντα τιμήθηκε σε αυτή την αριστοκρατική εκδήλωση τέχνης. Φαίνεται, όμως, ότι θεωρούσε τέτοια αποδείξεις επιτυχίας ως απόσπαση της προσοχής από την επιθυμία της να συνεχίσει να προσθέτει στον φωτογραφικό κατάλογό της - την αποκαλούσε συλλογή πεταλούδων της - από περίεργους και περίεργους ανθρώπους. Η πρόταση υποτροφίας A1971 (η οποία δεν έγινε αποδεκτή) περιγράφει την επιθυμία να φωτογραφηθεί η "Η Διαφορά". Αυτά που γεννήθηκαν, ατύχημα, επιλογή, πίστη, προτίμηση, αδράνεια ». Η πρόκληση, έγραψε, ήταν« να μην τα αγνοήσουμε, να μην τα βγάλουμε όλα μαζί, αλλά να τα παρακολουθήσουμε, να λάβουμε ειδοποίηση, να δώσουμε προσοχή ».
Ένα έργο που την αφορούσε ιδιαίτερα ήταν μια σειρά φωτογραφιών που ξεκίνησαν το 1969 από κατοίκους των κρατικών θεσμών για τους σοβαρά καθυστερημένους. Αναζητώντας μια νέα ματιά, προσπάθησε να χρησιμοποιήσει το φυσικό φως, σε συνδυασμό με φλας ή από μόνο του, "προσπαθώντας να καταστρέψω τις αιχμηρές φωτογραφίες μου, αλλά όχι τόσο πολύ", έγραψε στον πρώην σύζυγό της τον Αύγουστο. Έως τα τέλη του έτους έβγαζε αποτελέσματα που την ενθουσιάζουν. «Πήρα τις πιο καταπληκτικές φωτογραφίες», ανέφερε σε μια άλλη επιστολή στον Allan, καλώντας τους «λυρικά και τρυφερά και όμορφα». Αυτές οι εικόνες σηματοδότησαν μια νέα κατεύθυνση, με απαλό φωτισμό και πιο απλή σύνθεση - «σαν στιγμιότυπα αλλά καλύτερα». Diane έγραψε. Ποτέ δεν παρουσιάστηκαν κατά τη διάρκεια της ζωής της, ξεχωρίζουν μεταξύ των πιο κινούμενων, πιο ισχυρών φωτογραφιών της. Αλλά ούτε η αναγνώριση που έλαβε ούτε η ίδια η δουλειά θα μπορούσαν να αποτρέψουν τις περιόδους κατάθλιψης, που ενδεχομένως επιδεινώθηκαν από αρκετές περιόδους με ηπατίτιδα, που την μαστίζουν. Το 1968 περιγράφει τις σκοτεινές του διαθέσεις σε έναν φίλο ως "χημικό, είμαι πεπεισμένος. Η ενέργεια, ένα ιδιαίτερο είδος ενέργειας, απλώς διαρρέει και μένουν χωρίς την εμπιστοσύνη ακόμη και να διασχίσουν το δρόμο. "Το καλοκαίρι του 1971 ξανακρούστηκε από το" μπλουζ ". Αυτή τη φορά αποδείχθηκαν μοιραία. Στις 26 Ιουλίου πήρε μεγάλη ποσότητα βαρβιτουρικών και έριξε τους καρπούς της. Ένας φίλος ανακάλυψε το σώμα της στην μπανιέρα του διαμερίσματος WestVillage δύο ημέρες αργότερα.
Ο θάνατος του Arbus και η παράσταση του 1972 που την ακολούθησε την έκανε γνωστή με τρόπο που ποτέ δεν ήταν ενώ ήταν ζωντανός. Αλλά μερικοί κριτικοί βρήκαν στα αποδείξεις της αυτοκτονίας ότι οι εικόνες της αντανακλούσαν την παθολογία περισσότερο από την τέχνη. Πράγματι, το δράμα της ζωής της μερικές φορές απείλησε να εκλείψει τη φήμη του έργου της. Όσο και αν είναι η τέχνη και η ζωή της, ίσως να έχουν συγχωνευθεί, ο αντίκτυπος των φωτογραφιών του Arbus και η ικανότητά τους να συγχωνεύσουν το μυθικό με την έντονα προσωπική είναι ισχυρότερη από ποτέ.
Δίνοντας στο κοινό την ευκαιρία να συναντήσει έναν πρωτοφανή αριθμό φωτογραφιών της, η έκθεση "Αποκαλύψεις" καταδεικνύει ότι ήταν καλλιτέχνης πρώτης τάξης και πρωτοπόρος στη διάσπαση των τειχών που χωρίζουν τη φωτογραφία από τη ζωγραφική και το υπόλοιπο της λεγόμενης καλές τέχνες.
Η εκπομπή αναρωτιέται επίσης εάν η ανησυχητική οικειότητα που εξακολουθεί να θεωρείται ως αδυναμία δεν είναι, αντίθετα, πηγή καλλιτεχνικής δύναμης στις εικόνες του Arbus. Στο βιβλιογραφικό της δελτίο, ο Phillips επισημαίνει την υψηλή αξία που ο καλλιτεχνικός κόσμος της δεκαετίας του 1960 έβαζε σε μια δουλειά που ήταν «δυναμική, ακόμη και αλαζονική και ύποπτη για το περιεχόμενο», ειδικά για το περιεχόμενο που έπεφτε με συγκίνηση ή αφήγηση. Με αυτό το πρότυπο, η δουλειά του Arbus μπορούσε εύκολα να απορριφθεί ως πολύ προσωπική, πολύ νευρωτική. Ωστόσο, στον 21ο αιώνα, με την προσωπική ταυτότητα και τα αφηγηματικά κεντρικά ζητήματα για τους καλλιτέχνες, η Arbus έχει αναδειχθεί ως ένας τολμηρός καινοτόμος.
"Δεν έχω ποτέ μετακινηθεί από κανέναν άλλο καλλιτέχνη, όπως έχω κάνει με τον Arbus", λέει ο Rosenheim του MetropolitanMuseum. "Οι εικόνες της έχουν αυτή τη δύναμη που είναι η ακριβής συσχέτιση της στενής σχέσης που έπρεπε να είχε με τα θέματα της. Παρέχουν για πάντα τον τρόπο με τον οποίο κοιτάζετε τον κόσμο. "Είτε φωτογραφίζουμε ένα τατουάζ, μια βασίλισσα ή ένα μωρό, όσο περισσότερο κοιτάζουμε τις εικόνες της, τόσο περισσότερο αισθανόμαστε ότι κοιτάζουν πίσω μας.
