Όλες οι τάσεις γίνονται σαφέστερες με το χρόνο. Κοιτάζοντας την τέχνη ακόμα και 15 χρόνια έξω, "μπορείτε να δείτε τα σχέδια λίγο καλύτερα", λέει η Melissa Ho, βοηθός επιμελητής στο Μουσείο Hirshhorn. "Υπάρχουν μεγαλύτερες, βαθύτερες τάσεις που έχουν να κάνουν με το πώς ζούμε στον κόσμο και πώς βιώνουμε αυτό".
Τι ακριβώς είναι η σύγχρονη τέχνη; Η ερώτηση, όπως λέει, είναι λιγότερο υπεύθυνη απ 'ό, τι ατελείωτα συζητήσιμη.
Τεχνικά, λέει ο Ho, η σύγχρονη τέχνη είναι "η πολιτιστική έκφραση της ιστορικής στιγμής του νεωτερισμού". Αλλά πώς να αποσυσκευάσει αυτή τη δήλωση αμφισβητείται. Ένας τρόπος καθορισμού της σύγχρονης τέχνης, ή οτιδήποτε πραγματικά, περιγράφει τι δεν είναι. Η παραδοσιακή ακαδημαϊκή ζωγραφική και γλυπτική κυριάρχησε στον 17ο, 18ο και 19ο αιώνα. "Ήταν για την τέλεια, απρόσκοπτη τεχνική και τη χρήση αυτής της τέλεια, απρόσκοπτη τεχνική για να εκτελέσει πολύ καλά καθιερωμένο θέμα», λέει ο Ho. Υπήρχε μια ιεραρχία των ειδών, από ιστορικούς πίνακες μέχρι πορτραίτα σε νεκρές φύσεις και τοπία, και πολύ αυστηρές έννοιες ομορφιάς. "Μέρος του θριάμβου του μοντερνισμού είναι η ανατροπή των ακαδημαϊκών αξιών", λέει.
Σε μια κάπως αντίθεση με την παραδοσιακή ακαδημαϊκή τέχνη, η σύγχρονη τέχνη είναι για προσωπική έκφραση. Παρόλο που δεν ήταν πάντοτε ιστορικά η περίπτωση, εξηγεί ο Ho, "τώρα φαίνεται σχεδόν φυσικό ότι ο τρόπος που σκέφτεστε τα έργα τέχνης είναι ως έκφραση ενός ατομικού οράματος." Ο μοντερνισμός καλύπτει μια τεράστια ποικιλία καλλιτεχνών και ειδών τέχνης. Αλλά οι τιμές πίσω από τα κομμάτια είναι τα ίδια. "Με τη σύγχρονη τέχνη, αυτή η νέα έμφαση δίνεται στην αξία της ύπαρξης πρωτότυπου και κάνοντας κάτι καινοτόμο", λέει ο Ho.
Η Edouard Manet και οι ιμπρεσιονιστές θεωρούνταν σύγχρονοι, εν μέρει, επειδή απεικονίζουν σκηνές της σύγχρονης ζωής. Η βιομηχανική επανάσταση έφερε πλήθος ανθρώπων στις πόλεις και νέες μορφές αναψυχής ξεσπούσαν στην αστική ζωή. Μέσα από τις γκαλερί του Hirshhorn, ο Ho επισημαίνει τον Thomas Hart Benton's People of Chilmark, έναν πίνακα από μια μάζα μπερδεμένων ανδρών και γυναικών, που θυμίζει ελαφρώς το διάσημο Raft of the Medusa της κλασικής Michelangelo ή Théodore Géricault, εμπνευσμένη από την πόλη της Μασαχουσέτης, όπου ο Μπεντόν έκλεισε. Το Ringside Seats, ένας πίνακας αγώνων πυγμαχίας από τον George Bellows, κρέμεται γύρω από το ξενοδοχείο, όπως και τρεις πίνακες του Edward Hopper, ένας με τίτλο Ορχήστρα Πρώτης Σειράς θεατών που περιμένουν τις κουρτίνες να σχεδιαστούν.
Στην αναγεννησιακή τέχνη, δόθηκε υψηλό ασφάλιστρο στη μίμηση της φύσης. "Τότε, μια φορά που αυτό είχε πεταχτεί, η αφαίρεση μπορεί να ανθίσει", λέει ο Ho. Λειτουργεί όπως ο Benton's και ο Hopper's είναι ένας συνδυασμός παρατήρησης και εφευρέσεως. Οι κυβιστές, στις αρχές της δεκαετίας του 1900, άρχισαν να παίζουν με χώρο και σχήμα με τρόπο που κατέστρεψε την παραδοσιακή εικονογραφική άποψη.
Οι ιστορικοί τέχνης συχνά χρησιμοποιούν τη λέξη "αυτόνομη" για να περιγράψουν τη σύγχρονη τέχνη. "Η λαϊκή γλώσσα θα είναι« τέχνη για χάρη της τέχνης », εξηγεί ο Χο. "Δεν χρειάζεται να υπάρχει για οποιαδήποτε αξία χρησιμότητας εκτός από το δικό υπαρξιακό λόγο της ύπαρξής του." Έτσι, η εκτίμηση της σύγχρονης τέχνης είναι ένα διαφορετικό κτήνος. Αντί να ρωτάς, όπως κάποιος με μια ιστορική ζωγραφική, για την αφήγηση - Ποιος είναι ο κύριος χαρακτήρας; Και ποια είναι η δράση; - η εκτίμηση ενός πίνακα, για παράδειγμα, από τον Piet Mondrian, γίνεται περισσότερο για τη σύνθεση. "Πρόκειται για τη σύνθεση της έντασης, " λέει ο Ho, "η επίσημη ισορροπία μεταξύ χρώματος και γραμμής και όγκου από τη μία μεριά, αλλά και μόνο η ακραία καθαρότητα και αυστηρότητα αυτού".
Σύμφωνα με τον Ho, ορισμένοι λένε ότι ο μοντερνισμός φτάνει στο αποκορύφωμά του με τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό στην Αμερική κατά τη διάρκεια του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Κάθε καλλιτέχνης του κινήματος προσπάθησε να εκφράσει την ατομική του ιδιοφυΐα και στυλ, ιδιαίτερα με την αφή. "Έτσι παίρνετε τον Τζάκσον Πόλοκ με το στάχτη και το ρίχνοντας χρώμα του" λέει ο Χο. "Ο Mark Rothko παίρνει με τα πολύ φωτεινά του χρώματα." Και, σε αντίθεση με την αόρατη βούρτσα σε βαμμένες ακαδημαϊκές ζωγραφιές, τα χτυπήματα σε έργα ζωγραφικής του Willem de Kooning είναι χαλαρά και μερικές φορές χοντρές. "Μπορείτε πραγματικά να αισθανθείτε πώς έγινε αυτό" λέει ο Ho.
Λίγο μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, οι ιδέες που οδήγησαν στην τέχνη άρχισαν να αλλάζουν. Ο μεταμοντερνισμός απομακρύνεται από τη σύγχρονη εστίαση στην πρωτοτυπία και το έργο είναι σκόπιμα απρόσωπο. "Βλέπετε πολλή δουλειά που χρησιμοποιεί μηχανικά ή οιονεί μηχανικά μέσα ή επιδεικτικά μέσα", λέει ο Ho. Ο Andy Warhol, για παράδειγμα, χρησιμοποιεί μεταξοτυπία, απομακρύνοντας κατ 'ουσίαν την άμεση επαφή του και επιλέγει θέματα που ξεκινούν από την ιδέα της μαζικής παραγωγής. Ενώ σύγχρονοι καλλιτέχνες όπως ο Mark Rothko και ο Barnett Newman έκαναν επιλογές χρώματος που προορίζονταν να συνδεθούν με τον θεατή συναισθηματικά, οι μεταμοντέρνοι καλλιτέχνες όπως ο Robert Rauschenberg έφεραν την ευκαιρία στη διαδικασία. Ο Rauschenburg, λέει ο Ho, ήταν γνωστός ότι αγόραζε χρώματα σε δοχεία χωρίς σήμανση στο κατάστημα υλικού.
«Ο μεταμοντερνισμός συνδέεται με την αποδόμηση της ιδέας, « είμαι η καλλιτεχνική ιδιοφυΐα, και χρειάζεστε », λέει ο Ho. Καλλιτέχνες όπως ο Sol LeWitt και ο Lawrence Weiner, με έργα στο Hirshhorn, απομακρύνονται ακόμη περισσότερο. Το κομμάτι του Weiner με τίτλο "ΜΟΧΑΛΙΣΜΕΝΗ ΜΠΛΕ ΚΑΛΥΨΗ ΣΤΗ ΘΑΛΑΣΣΑ, Cat. Αριθ. 146, "για παράδειγμα, εμφανίζεται στο μουσείο σε μεγάλα, μπλε, γράμματα χωρίς χαρτιά. Αλλά ο Weiner ήταν ανοιχτός στις επτά λέξεις που αναπαράγονται σε οποιοδήποτε χρώμα, μέγεθος ή γραμματοσειρά. "Θα μπορούσαμε να πάρουμε ένα δείκτη και να το γράψουμε στον τοίχο" λέει ο Ho. Με άλλα λόγια, ο Weiner θεώρησε τον ρόλο του καλλιτέχνη ως περισσότερο για τη σύλληψη παρά για την παραγωγή. Ομοίως, μερικά από τα σχέδια του LeWitt από τα τέλη της δεκαετίας του '60 είναι βασικά σχέδια με οδηγίες. Παρέχει οδηγίες, αλλά ο καθένας θεωρητικά μπορεί να τις εκτελέσει. "Σε αυτή τη μεταπολεμική γενιά, υπάρχει αυτή η τάση, με κάποιο τρόπο, για την εκδημοκρατισμό της τέχνης", λέει ο Ho. "Όπως το σχέδιο του Sol LeWitt, αυτή είναι η άποψη ότι ο καθένας μπορεί να κάνει τέχνη."
Ετικέτες όπως "σύγχρονο" και "μεταμοντέρνο", και προσπαθούν να εντοπίσουν τις ημερομηνίες έναρξης και λήξης για κάθε περίοδο, μερικές φορές οι ιστορικοί τέχνης και οι επιμελητές τέχνης. «Έχω ακούσει όλες τις θεωρίες», λέει ο Ho. "Νομίζω ότι η αλήθεια είναι ότι η νεωτερικότητα δεν συνέβη σε συγκεκριμένη ημερομηνία. Ήταν αυτή η σταδιακή μεταμόρφωση που συνέβη μέσα σε μερικές εκατοντάδες χρόνια. "Φυσικά, οι δύο φορές που για πρακτικούς λόγους, ημερομηνίες που πρέπει να καθοριστούν είναι όταν διδάσκουν μαθήματα ιστορίας τέχνης και οργανώνουν μουσεία. Στην εμπειρία του Ho, η σύγχρονη τέχνη αρχίζει συνήθως γύρω στη δεκαετία του 1860, ενώ η μεταμοντέρνα περίοδος ριζώνει στα τέλη της δεκαετίας του 1950.
Ο όρος «σύγχρονος» δεν συνδέεται με μια ιστορική περίοδο, όπως είναι και οι σύγχρονες και μεταμοντέρνες, αλλά απλά περιγράφει την τέχνη «της στιγμής μας». Σε αυτό το σημείο όμως, το έργο που χρονολογείται γύρω στο 1970 θεωρείται συχνά σύγχρονο. Το αναπόφευκτο πρόβλημα με αυτό είναι ότι καθιστά ένα συνεχώς επεκτεινόμενο σώμα σύγχρονων εργασιών για το οποίο οι καθηγητές και οι επιμελητές είναι υπεύθυνοι. "Απλά πρέπει να προσέξετε πώς αυτά τα πράγματα πηγαίνουν", συμβουλεύει ο Ho. "Νομίζω ότι πρόκειται να επαναπροσδιοριστούν."
