Ο Filippo Tommaso Marinetti ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης της σύγχρονης εποχής που σκεφτόταν την προετοιμασία και την κατανάλωση τροφίμων ως τέχνη. Το πρωτοποριακό φουτουριστικό κίνημα, που σχηματίστηκε από τον Μαρινέτι και άλλους καλλιτέχνες στο Μιλάνο το 1909, αγκάλιασε την βιομηχανική εποχή και όλα τα μηχανικά - από τα αυτοκίνητα και τα αεροπλάνα μέχρι τις μεθόδους κατασκευής και τον πολεοδομικό σχεδιασμό. Θεωρούσαν ότι το μαγείρεμα και το φαγητό, τόσο κεντρικό για την καθημερινή ζωή του καθενός, θα έπρεπε να είναι το επίκεντρο των προνομιούχων ιδεών τους.
Σχετικές αναγνώσεις
Arcimboldo
Αγοράσχετικό περιεχόμενο
- Το λουκάνικο γαλακτοκομικών προϊόντων της δεκαετίας του '70 έστρεψε τη μαργαρίνη ροζ έτσι οι άνθρωποι θα αγόραζαν το βούτυρο
Το 1932, η Μαρινέτι δημοσίευσε το βιβλίο φουτουριστών . Δεν ήταν απλά ένα σύνολο συνταγών. ήταν ένα είδος μανιφέστο. Έριξε την προετοιμασία και την κατανάλωση τροφίμων ως μέρος μιας νέας κοσμοθεωρίας, στην οποία η διασκέδαση έγινε πρωτοποριακή απόδοση. Το βιβλίο περιγράφει τα απαραίτητα στοιχεία για ένα τέλειο γεύμα. Τέτοιο δείπνο έπρεπε να χαρακτηρίζει την πρωτοτυπία, την αρμονία, τη γλυπτική μορφή, το άρωμα, τη μουσική ανάμεσα σε μαθήματα, έναν συνδυασμό πιάτων και διάφορα αρωματικά μικρά καναπεδάκια. Ο μάγειρας έπρεπε να χρησιμοποιήσει εξοπλισμό υψηλής τεχνολογίας για να προετοιμάσει το γεύμα. Η πολιτική δεν μπόρεσε να συζητηθεί και η τροφή έπρεπε να προετοιμαστεί κατά τέτοιο τρόπο ώστε να μην τρώει το ασημένιο σκεύος.
Οι διαμαρτυρίες του Μαρινέτι δεν θα μπορούσαν να προβλέψουν τον ρόλο που θα έπαιζαν τα τρόφιμα στην τέχνη σχεδόν έναν αιώνα αργότερα. Σύγχρονοι καλλιτέχνες έχουν χρησιμοποιήσει τρόφιμα για να κάνουν δηλώσεις: πολιτικές (ειδικά φεμινιστικές), οικονομικές και κοινωνικές. Έχουν ανοίξει εστιατόρια ως έργα τέχνης, διεξάγουν παραστάσεις όπου παρασκευάζονται φαγητά και σερβίρονται σε γκαλερί και επεξεργάζονται περίτεχνα γλυπτά από βρώσιμα υλικά όπως σοκολάτα και τυρί. Τρομάζοντας όσο φαινόταν να φαινόταν στον Μαρινέτι, ορισμένοι καλλιτέχνες σήμερα αγκαλιάζουν ακόμη και το φαγητό ως απόρριψη του καθενός και ό, τι είναι εμμονή στο μέλλον.
Κοιτάζοντας πίσω, τα τρόφιμα παίζουν πάντα ρόλο στην τέχνη: οι ζωγράφοι της λίθινης εποχής στη λίθινη εποχή χρησιμοποίησαν χυμούς λαχανικών και ζωικών λιπών ως δεσμευτικά συστατικά στα χρώματα τους και οι Αιγύπτιοι σκαλισμένα είδωλα καλλιεργειών και ψωμιού σε ιερογλυφικά δισκία. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης ο Giuseppe Arcimboldo, ζωγράφος για το δικαστήριο του Habsburg στη Βιέννη και αργότερα για το Βασιλικό Δικαστήριο στην Πράγα, ζωγράφισε ποιοτικά πορτρέτα με παζλ στα οποία τα χαρακτηριστικά του προσώπου αποτελούνται από φρούτα, λαχανικά και λουλούδια.
Όταν σκέφτομαι τρόφιμα και τέχνη, υπενθυμίζω διαισθητικά τις μεγάλες, όμορφες νεκρές φύσεις της ολλανδικής χρυσής εποχής που συναντήθηκα για πρώτη φορά σε μια τάξη ιστορίας της τέχνης της βόρειας Αναγέννησης. Σε αυτές τις λαμπρές ζωγραφιές, κάθε επιφάνεια, από τις αστραφτερές φτερωτές πέτρες σφαγίων πάπιας σε λαμπερές ασημένιες πλάκες μέχρι το δροσερό δέρμα φρούτων και μούρων, αποδίδεται προσεκτικά για να δημιουργηθεί η ψευδαίσθηση ότι η γιορτή βρίσκεται ακριβώς μπροστά από τον θεατή. Τη δεκαετία του 1600, τέτοιες ζωγραφιές επιβεβαιώνουν τον πλούτο και την πνευματική εμπλοκή των ιδιοκτητών. Τα απεικονιζόμενα τρόφιμα είχαν συμβολική σημασία που συχνά σχετίζονταν με τα βιβλικά κείμενα και τον τρόπο με τον οποίο τα αντικείμενα τοποθετήθηκαν - και τα οποία είχαν καταναλωθεί - μεταβίβαζαν ένα μήνυμα σχετικά με την φευγαλέα φύση του χρόνου ή την ανάγκη για εξόντωση.
Ως νεαρός καλλιτέχνης, σπούδασα τις χοντροκομμένες απεικονίσεις μήλων και πορτοκαλιών της Cezanne. Για τους μετα-ιμπρεσιονιστές ζωγράφους όπως το Cezanne, η παρατήρηση από τη ζωή ήταν μόνο η αρχή μιας ευρέως φανταστικής διαδικασίας. Εκτιμούν το έντονο χρώμα και τις ζωηρές πινελιές πάνω από τον υπερρεαλισμό του παρελθόντος.
Κατά τη διάρκεια της εποχής της ποπ τέχνης, το φαγητό έγινε μια κοινωνική μεταφορά. Ο Wayne Thiebaud ζωγράφισε σειρές από πίτες και κέικ σε έντονα παστέλ χρώματα που έφεραν στο νου διαφημίσεις και παιδικά παιχνίδια. Παρουσιάζονταν σαν οθόνες σε ένα δείπνο, αντί για οικεία χαρακτηριστικά της ιδιωτικής ζωής, οι ρυθμίσεις του αντικατόπτριζαν μια πλανόδια κοινωνία στην οποία τα πολυτελή επιδόρπια σήμαιναν αφθονία των Αμερικανών.
Αυτό το άρθρο είναι μια επιλογή από το Smithsonian Journeys Travel Τριμηνιαίο Άτλαντα του Eating Issue
Κάθε πολιτισμός έχει τη δική του κουζίνα και κάθε κουζίνα έχει τη μυστική ιστορία της. Αυτό το ειδικό τεύχος των Journeys παρέχει μια εις βάθος ματιά στην κουζίνα και τη γαστρονομική κουλτούρα σε όλο τον κόσμο, συμπεριλαμβανομένων σε βάθος ιστορίες και αγαπημένες συνταγές.
ΑγοράΤην ίδια εποχή, οι καλλιτέχνες άρχισαν να χρησιμοποιούν πραγματικό φαγητό ως υλικό τέχνης. Το 1970, ο σαρδονικός ελβετογερμανός καλλιτέχνης Dieter Roth, επίσης γνωστός ως Dieter Rot, έφτιαξε ένα κομμάτι με τίτλο "Staple Cheese (A Race)" - μια σφαίρα "steeplechase" - που περιλάμβανε 37 βαλίτσες γεμισμένες με τυρί και άλλα τυριά πάνω στους τοίχους με την πρόθεση να στάζουν ή να "αγωνίζονται" προς το πάτωμα. Λίγες μέρες μετά την έναρξη της έκθεσης στο Λος Άντζελες, η έκθεση έδωσε μια αφόρητη δυσοσμία. Η γκαλερί ξεπεράστηκε με σκουλήκια και μύγες και οι επιθεωρητές της δημόσιας υγείας απείλησαν να την κλείσουν. Ο καλλιτέχνης δήλωσε ότι τα έντομα ήταν στην πραγματικότητα το κοινό του.
Οι φεμινιστές καλλιτέχνες στα τέλη της δεκαετίας του 1960 και στις αρχές της δεκαετίας του 1970 θεωρούσαν την αμερικανική σχέση με τα τρόφιμα ως προς τους περιορισμούς που έθεσε στις γυναίκες. Οι φεμινίστριες υποστήριζαν ότι οι προσωπικές - συμπεριλαμβανομένων και οι πιο εγκόσμιες πτυχές της καθημερινής ζωής - ήταν πολιτικές. Το 1972, η Miriam Schapiro και η Judy Chicago νοίκιασαν μια κενή κατοικία 17 δωματίων στο Λος Άντζελες, η οποία είχε προγραμματιστεί για κατεδάφιση και την μεταμόρφωσε σε μαζική εγκατάσταση τέχνης. Η Schapiro και άλλες γυναίκες καλλιτέχνες δημιούργησαν μια εντυπωσιακή εγκατάσταση στην τραπεζαρία, μιμώντας τη διαδικασία που ακολουθούν τα κορίτσια όταν διακοσμούν τα κουκλόσπιτα. Το έργο τους, τόσο απόδοσης όσο και εγκατάστασης, καταδίκασε το διπλό πρότυπο της κοινωνίας - την ανισότητα στις προσδοκίες και τις ευκαιρίες για τους άνδρες και τις γυναίκες. Ενώ τα αγόρια εκπαιδεύτηκαν για να πετύχουν στον κόσμο, τα κορίτσια αναμενόταν να κρατούν το σπίτι για τους συζύγους τους. Αργότερα, οι φεμινιστές καλλιτέχνες όπως η Elizabeth Murray υποδεικνύουν ότι οι γυναίκες είναι επαρκώς ισχυρές για να χειριστούν τόσο τον κοσμικό όσο και τον εγχώριο σε έργα όπως η "Painting Kitchen" (1985), στην οποία ένα σφαιρίδιο κουτάλι δεσμευμένο σε μια φιγούρα που προεδρεύει μίας κουζίνας το αεροπλάνο εικόνας και να αντιμετωπίσει τον θεατή.
Το 1974, το Σικάγο μπήκε ξανά στο θέμα της τραπεζαρίας, όταν ξεκίνησε το "The Dinner Party", ένα εννοιολογικό tour of force που στεγαζόταν τώρα στο Κέντρο Ελευθεροτυπίας της Elizabeth A. Sackler για την Φιμιχική Τέχνη στο Μουσείο Μπρούκλιν. Με μια ομάδα ταλαντούχων τεχνιτών, κατά τη διάρκεια αρκετών ετών, το Σικάγο δημιούργησε ένα τριάριθμο τραπέζι δείπνου μήκους 48 ποδιών με ρυθμίσεις για 39 πολιτιστικά αξιοσημείωτες γυναίκες, μερικές πραγματικές και κάποιες μυθικές από την προϊστορία μέχρι το σύγχρονο γυναικείο κίνημα. Κάθε ρύθμιση περιλαμβάνει μια χειροποίητη χαρτοπετσέτα, μια κεραμική πλάκα, ένα κύπελλο και έναν δρομέα, όλα με εικονογραφία προσαρμοσμένη για τη συγκεκριμένη γυναίκα. Καθώς η χρονική γραμμή συγκλίνει στο παρόν, οι πλάκες γίνονται όλο και πιο τρισδιάστατες, συμβολίζοντας την αυξανόμενη ελευθερία και την πολιτική εξουσία των γυναικών.
Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1990, πολλοί καλλιτέχνες έγιναν προσαρμοσμένοι στην προσωπική αλλοτρίωση που θα προέκυπτε από την εισαγωγή του οικιακού υπολογιστή και άλλων δραστηριοτήτων που βασίζονται στην οθόνη. Για να αποκαταστήσουν την ανερχόμενη ανωμαλία, ορισμένοι εγκαινίασαν την πειθαρχία της «σχεσιακής αισθητικής» - γνωστής λιγότερο αδιαφανής ως «κοινωνική γλυπτική» - σύμφωνα με την οποία η ανθρώπινη αλληλεπίδραση, συμπεριλαμβανομένης της κατανάλωσης μαζί, σχεδιάστηκε ως μορφή τέχνης από μόνη της. Ένας από τους σημαντικότερους επαγγελματίες ήταν ο Rirkrit Tiravanija, ο οποίος άρχισε να μαγειρεύει και να σερβίρει φαγητό στους θεατές στις γκαλερί, αφήνοντας τα γλάστρες, τα τηγάνια και τα βρώμικα πιάτα στη γκαλερί για τη διάρκεια των εκθέσεων του.
Σήμερα, οι αρχαίοι καλλιτέχνες μαθαίνουν ακόμα να ζωγραφίζουν νεκρές φύσεις φρούτων και λαχανικών. Πολλοί αργότερα απομακρυνθούν από τη ζωγραφική για να ακολουθήσουν νεότερα, πιο πειραματικά μέσα, αλλά οι καλλιτέχνες με επίκεντρο τον φαγητό συχνά συνεχίζουν να πιστεύουν στη δύναμη της χρωστικής στον καμβά. Οι ζωγράφοι της Νέας Υόρκης Gina Beavers, Walter Robinson και Jennifer Coates είναι καλά παραδείγματα. Οι κάστορες χτενίζουν το Διαδίκτυο για φωτογραφίες φαγητού, οι οποίες στη συνέχεια συνδυάζονται σε κολάζ πολλαπλών εικόνων και πίνακες ζωγραφικής σε μεγάλους καμβάδες. Ο Ρόμπινσον είναι προ-κατειλημμένος με ουίσκι, cheeseburgers και άλλα αντικείμενα λαχτάρα. Ο Coates επικεντρώνεται σε ανεπιθύμητα τρόφιμα, δημιουργώντας έργα ζωγραφικής στα οποία το s'mores, το mac 'n' τυρί και η πίτσα αναλαμβάνουν αφηρημένες φόρμες. Συνολικά, υπάρχει μια υγιής ένταση ανάμεσα στην παράδοση και το εικονοκλάστη στη σύγχρονη τέχνη των τροφίμων. Περίπου 85 χρόνια μετά τη δημοσίευσή του, το βιβλίο μαγειρικής του Marinetti φαίνεται ακόμα μπροστά από την καμπύλη, αν και ίσως όχι πολύ μπροστά.
