Τι είναι τα μικρά, ιδιόρρυθμα μουσεία που τα καθιστούν τόσο συναρπαστικά; Ίσως είναι επειδή μπορούν να ανιχνευθούν στην αρχαιότητα, όταν οι ελληνορωμαϊκοί ναοί θα έδειχναν τόσο θαυμαστά έργα τέχνης και παγανιστικά κειμήλια - το δόρυ του Αχιλλέα, την σανίδα της Ελένης του Τροία ή τα "οστά των γιγάντων" (συνήθως απολιθωμένα μαμούθ). Οι μεσαιωνικοί καθεδρικοί ναοί έφεραν την παράδοση: κελύφη χελώνα ή "αυγά γρύπα" (στην πραγματικότητα αυτά των στρουθοκαμήλων) θα μπορούσε να τοποθετηθεί παράλληλα με τα λείψανα των αγίων. Στην αναγέννηση, οι ιταλοί πρίγκιπες άρχισαν να συγκεντρώνουν γραφεία με περιγραφές, εκλεκτικές οθόνες που θα μπορούσαν να περιλαμβάνουν οποιαδήποτε δημιουργία του ανθρώπου ή της φύσης: αιγυπτιακές μούμιες, μαργαριτάρια, κλασικά γλυπτά, έντομα, γιγάντια κοχύλια ή "κέρατα μονόκερου". Η ιταλική συλλεκτική μανία εξαπλώθηκε, έτσι ώστε στα τέλη του 18ου αιώνα, υπήρχαν χιλιάδες ιδιωτικές γκαλερί σε εύπορα σπίτια σε όλη την Ευρώπη. Στις μεγάλες περιηγήσεις τους στην ήπειρο, οι ταξιδιώτες θα μπορούσαν να ταξιδέψουν από ένα θαυμάσιο σαλόνι στην άλλη, να επιτηρούν όμορφα και μυστήρια αντικείμενα.
σχετικό περιεχόμενο
- Ο Tony Perrottet για τα "Μικρά Θαύματα"
Μέχρι τα μέσα του 1800, ιδρύματα όπως το Λούβρο, το Βρετανικό Μουσείο και το Prado της Μαδρίτης είχαν αρχίσει να αποκτούν αυτές τις ιδιωτικές συλλογές, πολλές από τις οποίες είχαν κληρονομηθεί από μέλη της οικογένειας που δεν είχαν τα οικονομικά ούτε τον ενθουσιασμό να τα διατηρήσουν. Παρόλα αυτά, παρά το οικονομικό πλεονέκτημα των μεγάλων μουσείων, τα μικρά, εσωτερικά μουσεία κράτησαν επιμελώς. Στην πραγματικότητα, η Ευρώπη εξακολουθεί να είναι γεμάτη από αυτά και προκαλούν μια αφοσίωση που οι μεγαλοπρεπείς ομολόγοι τους δεν το κάνουν.
Πολλές από αυτές τις μικρές συλλογές στεγάζονται ακόμα στα αρχικά σπίτια των ιδιοκτητών τους και αντικατοπτρίζουν την προσωπικότητά τους. Ορισμένοι από αυτούς διαθέτουν συλλογές που θα έχουν υπερηφάνεια για τα μεγαλύτερα μουσεία, αλλά οι οικιακοί χώροι επιτρέπουν μια αίσθηση οικειότητας δύσκολο να βρεθεί σε τεράστιες γκαλερί. Και παρά τις ιδιοσυγκρασίες τους, αυτά τα μουσεία σπιτιών παρέχουν συχνά μια σπάνια είσοδο στην ιστορία και την πόλη μιας πόλης. Ακολουθούν τέσσερα αγαπημένα:
Λονδίνο
Μουσείο του Sir John Soane
Ήταν ένα βρεγμένο βράδυ του Λονδίνου, όταν διέσχισα τη μεγάλη, φυλλώδη πλατεία του Lincoln's Inn Fields προς μια καλαίσθητη σειρά από σπίτια γεωργιανών αρχιτεκτονικών σπιτιών. Μετά από προσεκτικότερη επιθεώρηση, η πρόσοψη του Νο 13 ανακοίνωσε ότι αυτό δεν ήταν συνηθισμένο σπίτι: κατεστραμμένο στην ιταλική λιμνοθάλασσα ή στη βεράντα από κρεμώδη πέτρα Portland ήταν τέσσερα γοτθικά βάθρα, ενώ ένα ζευγάρι αντιγράφων αρχαίων ελληνικών καρυάτιδων τοποθετήθηκε πάνω. Αλλά αυτά τα ανθίζει απλώς υπαινίσσεται τον θαυμάσιο κόσμο που βρίσκεται μέσα στο πρώην σπίτι του Sir John Soane (1753-1837), ένας από τους πιο διακεκριμένους αρχιτέκτονες της Βρετανίας και επιμελής συλλέκτες. Ο Σοάν όχι μόνο γύρισε το σπίτι του σε ένα πλούσιο ιδιωτικό μουσείο, προσέφερε ότι τίποτα δεν θα μπορούσε να αλλάξει μετά το θάνατό του. Ως αποτέλεσμα, το μουσείο του Sir John Soane μπορεί να είναι ο πιο εκκεντρικός προορισμός σε μια πόλη που γεμίζει με εκκεντρικά αξιοθέατα. Επισκεπτόμενος αυτό, αισθάνεστε ότι ο ίδιος ο Σοάν μπορεί να βρεθεί σε οποιαδήποτε στιγμή για να συζητήσει τα κλασικά πάνω σε ένα μπράντυ. Για να διατηρηθεί η οικειότητα της εμπειρίας, επιτρέπονται μόνο 50 επισκέπτες μέσα σε μια στιγμή. Και η υπενθύμιση ενός παρελθόντος χρόνου είναι ακόμα πιο έντονη εάν επισκεφθείτε -όπως και εγώ- το πρώτο βράδυ της Τρίτης του μήνα, όταν το μουσείο φωτίζεται σχεδόν εξ ολοκλήρου από κεριά.
Όταν χτύπησα το κουδούνι, η επιβλητική ξύλινη πόρτα άνοιξε για να αποκαλύψει έναν γκρίζο μαλλιά κύριο που ίσως ήταν ο μπάτλερ του Σοάιν. Ενώ υπέγραψα το βιβλίο επισκεπτών, ένας υπάλληλος αστειεύτηκε πάνω από το παλτό μου και την ομπρέλα και τα έβγαλε για φύλαξη. Τότε μπήκα στην πομπέζικη κόκκινη αίθουσα.
«Ελπίζω να απολαύσετε το σπίτι», ψιθυρίζει ο συνοδός.
Σε κάθε τραπέζι και φουρκέτα, τα κεριά μπλέχτηκαν σε γυάλινους κυλίνδρους. Καθώς έβαζα προσεκτικά κάτω μια δίοδο, τα μάτια μου προσαρμόστηκαν στο φως και άρχισα να κάνω τις ρυθμίσεις των αντικειμένων και των επίπλων που μόλις και μετά βίας άλλαξαν σε 170 χρόνια. Το σπίτι είναι ένας περίπλοκως σχεδιασμένος λαβύρινθος γεμάτος με την τέχνη: Κλασικές προτομές, θραύσματα κιονοστοιχιών και ελληνικών ζωοφόρων, κινέζικα αγγεία και αγάλματα ελληνικών και ρωμαϊκών θεών, συμπεριλαμβανομένου ενός cast του φημισμένου Apollo Belvedere . Μόνο μια ίντσα χώρου στον τοίχο έχει σπαταληθεί, και όμως το αποτέλεσμα δεν είναι κλειστοφοβικό: οι καμάρες και οι τρούλοι ανεβαίνουν προς τα πάνω, οι κυρτοί καθρέφτες παρέχουν απίθανη θέα και μπαλκόνια χασμουρητά πάνω από τις εσωτερικές αυλές. Όπως κάθε αξιοπρεπές κατασκεύασμα περιέργειας, οι οθόνες περιλαμβάνουν επίσης τέτοιες ιδιαιτερότητες ως "μεγάλο μύκητα από τα βράχια του νησιού της Σουμάτρας" (όπως το περιγράφει ο Soane στο δικό του απόθεμα του 1835) και ένα παράξενο κλαδί τέρας. Προσθέτοντας την αίσθηση του μυστηρίου και σύμφωνα με τις επιθυμίες του Soane, δεν υπάρχουν ετικέτες σε κανένα από τα αντικείμενα, αν και ορισμένες πληροφορίες παρέχονται τώρα σε χειροκίνητες ξύλινες "νυχτερίδες" που κάθονται διακριτικά σε τραπέζια σε κάθε δωμάτιο.
"Οι άνθρωποι ανταποκρίνονται πραγματικά στις βραδιές με κεριά", λέει ο διευθυντής του μουσείου Tim Knox. Στην πραγματικότητα, οι φρουροί, όπως αποκαλούνται οι φρουροί του μουσείου, έχουν αρχίσει να σβήνουν τα φώτα κατά τη διάρκεια των ωρών της ημέρας, μου λέει, «για να βελτιώσουμε την ατμόσφαιρα της περιόδου. Το μισό φως καθιστά τους ανθρώπους να δουν πραγματικά τα εκθέματα».
Ο Soane ήταν ο κορυφαίος αρχιτέκτονας της Βρετανίας εδώ και σχεδόν πέντε δεκαετίες και οι πολυάριθμες επιτροπές του βρίσκονται σε όλο το Λονδίνο - την Πινακοθήκη Dulwich. το Βασιλικό Νοσοκομείο, Τσέλσι? Pitzhanger Manor-House. (Ακόμη και οι εικονικοί κόκκινοι τηλεφωνικοί θάλαμοι της Βρετανίας ήταν εμπνευσμένοι από το σχεδιασμό του Soane για τον τάφο της συζύγου του στους κήπους του St. Pancras.) Αλλά ήταν στο δικό του σπίτι σχεδιασμένο για να τονίσει τι ο Soane ονομάζεται "φανταστικά εφέ που αποτελούν την ποίηση της Αρχιτεκτονικής" η δημιουργικότητά του δόθηκε περισσότερο. Από το 1792 έως το 1824, ο Soane αγόρασε, κατεδάφισε και ξανακτίστηκε τρία αρχοντικά κατά μήκος της πλατείας, ξεκινώντας με το Νο. 12 και προχωρώντας στις 13 και 14. Αρχικά βρίσκονταν σπίτι στον εαυτό του, τη σύζυγό του και τους δύο γιους τους, αλλά ξεκινώντας το 1806, όταν ορίστηκε καθηγητής αρχιτεκτονικής στη Βασιλική Ακαδημία, άρχισε να τα χρησιμοποιεί για να παρουσιάσει τα αρχιτεκτονικά σχέδια και τα μοντέλα του. Με την πάροδο του χρόνου, η αυξανόμενη συλλογή αρχαιοτήτων του έγινε όλο και πιο σημαντική, και με ατέλειωτη εφευρετικότητα, επανασχεδίασε το εσωτερικό του για να αναδείξει τα τεχνουργήματα σε πλήρη ισχύ.
Τα αντικείμενα τοποθετήθηκαν έτσι ώστε κάθε στροφή να προσφέρει μια ανακάλυψη. Ένα λεπτό αντιμετωπίζετε ένα υπέροχο ρωμαϊκό μαρμάρινο άγαλμα της Νταϊάνας της Εφέσου. Το επόμενο, εισέρχεστε στην αίθουσα εικόνων, γεμάτη με πίνακες όπως η πρόοδος του Rake's Hogarth, μια σειρά από οκτώ εικόνες που καταγράφουν την παρακμή ενός ηδονιστικού νέου αριστοκράτη. Μόλις τελειώσατε να θαυμάσετε μια σειρά από σχέδια Πιρανέσιων από ρωμαϊκά ερείπια, από ό, τι ένας φρουρός ανοίγει ένα πάνελ στον τοίχο για να αποκαλύψει μια ομάδα έργων ζωγραφικής από τον Joseph Michael Gandy, εισηγητή του Soane. Ο φύλακας με γκρίζο ρυθμό, ο Peter Collins, αγκαλιάζει ένα γαρίφαλο στο ανάπαυρό του και ένα κόκκινο μαντήλι στην κορυφή τσέπη του. Έχει εργαστεί στο μουσείο για δέκα χρόνια και γνωρίζει το ακροατήριό του. Παύει για δράση πριν ανοίξει ακόμη ένα άλλο πάνελ, αποκαλύπτοντας αυτή τη φορά ένα μπαλκόνι που κοιτάζει στη μεσαιωνική συλλογή-αποκαλούμενο Par-Lour Monk-γεμάτο με γοτθικά θραύσματα και μαργαριτάρια. Σε μια κοντινή ξαπλώστρα, μια γυμνή μπρούτζινη νύμφη βρίσκεται κοντά στο μάτι πάνω από ένα μοντέλο κλίμακας του πιο εντυπωσιακού αρχιτεκτονικού επιτεύγματος της Soane, της Τράπεζας της Αγγλίας. (Η τράπεζα, στην οποία εργαζόταν για 45 χρόνια, κατεδαφίστηκε τη δεκαετία του 1920 ως ξεπερασμένη - μια κίνηση την οποία πολλοί αρχιτεκτονικοί ιστορικοί θεωρούν ως τραγωδία).
Το επίκεντρο της συλλογής βρίσκεται στο υπόγειο, όπου η ταφική τέχνη γεμίζει γύρω από τη σαρκοφάγο του αλαβάστρου της υπερηφάνειας και της χαράς του Αιγυπτιακού Φαραώ Σέτι Ι-Σοάν, που αγόρασε το 1824 για το ποσό των 2.000 λιρών (σήμερα 263.000 δολάρια) από τον Ιταλό τυχοδιώκτη Giovanni Belzoni . Το 1825, ο Soane κρατούσε μια σειρά από "σαρκοφάγα κόμματα" με κεριά για να γιορτάσει την άφιξή του. Στις κοινωνικές υπερβολές παρακολούθησαν τέτοια φωτιστικά όπως ο δούκας του Sussex, ο επίσκοπος του Λονδίνου, ο ποιητής Samuel Coleridge και ο ζωγράφος τοπίου JMW Turner. Η Barbara Hofland, ένας φιλοξενούμενος, θα γράφει ότι στην εκδήλωση οι φιγούρες εμφανίστηκαν σαν φαντάσματα από τις "βαθιές μάζες των σκιών" και τα κεριά έλαμψαν "σαν λαμπερά άλατα γύρω από μαρμάρινα κεφάλια" δημιουργώντας ένα αποτέλεσμα "όπως στο όνειρο του elysium του ποιητή".
Μεταξύ των πολλών αγαλμάτων του μουσείου, είναι εύκολο να χάσετε την προτομή του Soeane τον 1829 στον πρώτο όροφο, που βρίσκεται πάνω από τα αγαλματίδια του Μιχαήλ Άγγελο και του Ραφαήλ. Ο γιος του τοιχοποιού, ο Σωάν ανέβηκε από ταπεινή προέλευση. για τις δεξιότητές του στο σκίτσο, κέρδισε μια υποτροφία για την περιοδεία στην Ευρώπη, που του επέτρεψε να επισκεφθεί την Ιταλία και να αναπτύξει ένα πάθος για την ελληνορωμαϊκή τέχνη. Όταν πέθανε στην ώριμη ηλικία των 83 ετών, ο Soane ήταν ένα από τα πιο διακεκριμένα άτομα στη Βρετανία, ένας άνθρωπος, όπως έγραψε ο Hofland για τους επισκέπτες του κόμματος σαρκοφάγου, φαινομενικά "απαλλαγμένος από τα κοινά κακά της ζωής, αλλά ξύπνιος σε όλες τις γενναιόδωρες ευαισθησίες του . "
Αυτή η χαρούμενη εντύπωση ενισχύεται από ένα σχέδιο Gandy της οικογένειας το 1798: Ο Soane και η σύζυγός του, Elizabeth, τρώνε βουτυρωτά ρολά, ενώ οι δύο νέοι γιοι τους, ο John και ο Γιώργος, σκάνε κοντά. Φυσικά, ο Σονέ δεν ήταν πλέον ανοσοποιημένος απ 'ό, τι οι υπόλοιποι. Η αγαπημένη του φιλοδοξία ήταν να βρει μια «δυναστεία των αρχιτεκτόνων» μέσω των γιων του, αλλά ο Ιωάννης χτυπήθηκε στα 30 του με την κατανάλωση και ο Γιώργος μεγάλωσε για να είναι αρκετά η τσουγκράνα, να περάσει τεράστια χρέη και μάλιστα να δημοσιεύσει ανώνυμες επιθέσεις στην αρχιτεκτονική του πατέρα του . Τότε, ίσως ο Soane να μην ήταν ο ευκολότερος πατέρας. "Θα μπορούσε να είναι ένας άνθρωπος με μεγάλη γοητεία", λέει ο αρχειοφύλακας Susan Palmer, "αλλά ήταν επίσης πολύ οδηγημένος, πολύ ευαίσθητος και διάθεση, με ένα πραγματικό τσιπ στον ώμο του για την κακή του προέλευση".
Φοβούμενος ότι ο Γιώργος θα πουλούσε τη συλλογή του όταν πέθανε, ο Soane προέβλεπε τη διαιώνιση της θέλησής του και ήταν σε θέση να εξασφαλίσει μια πράξη του Κοινοβουλίου το 1833 για να εξασφαλίσει ότι το σπίτι του θα παραμείνει ένας χώρος, όπως έγραψε, για τους "Ερασιτέχνες και Φοιτητές Ζωγραφική, Γλυπτική και Αρχιτεκτονική. " Ως αποτέλεσμα, το μουσείο Soane τρέχει μέχρι σήμερα από το Ίδρυμα Soane, αν και στη δεκαετία του 1940 η βρετανική κυβέρνηση ανέλαβε τα έξοδα συντήρησης για να την κρατήσει ελεύθερη στο κοινό, όπως συνέβη από το θάνατο του Soane το 1837. " Ευτυχώς, ο κ. Soane δεν συνέχισε με τον νεαρό Γιώργο ", παρατηρεί ένας από τους φύλακες με γέλιο. "Είχα ξεπεράσει μια δουλειά!"
Ανακατέθηκα κάτω από το μισό φως, επέστρεψα το παλτό και την ομπρέλα μου και κατευθύνθηκα προς την Ταβέρνα των Πλοίων, μια παμπ του 16ου αιώνα πίσω από τη γωνία. Καθώς έσκαψα σε μια πίτα βοσκού, θυμήθηκα τα λόγια του Benjamin Robert Haydon, ενός άλλου φιλοξενούμενου σαρκοφάγου: «Ήταν η καλύτερη διασκέδαση να φανταστεί κανείς ότι οι άνθρωποι έρχονται στη Βιβλιοθήκη μετά από περιπλάνηση κάτω, ανάμεσα σε τάφους και πρωτεύουσες και άξονες, και τα κεφάλια χωρίς ρίγος, με ένα είδος έκφρασης χαλαρής ανακούφισης στο να βρεθούν ξανά ανάμεσα στους ζωντανούς και με καφέ και κέικ ».
Παρίσι
Musée Jacquemart-André
Υπάρχουν δεκάδες μικρά μουσεία διασκορπισμένα σε όλο το Παρίσι και οι πιο αφοσιωμένοι προστάτες τους είναι οι ίδιοι οι Παρίσιοι. Μερικοί έχουν σημαντικές συλλογές, όπως το Musée Carnavalet, το οποίο ειδικεύεται στη δραματική ιστορία της πόλης και παρουσιάζει τέτοια αντικείμενα όπως μια προτομή του Marat, ένα μοντέλο της Βαστίλης και κλειδαριές των μαλλιών της Marie Antoinette. Άλλες είναι οι πρώην κατοικίες γαλλικών καλλιτεχνών και συγγραφέων - το στούντιο του Delacroix, το διαμέρισμα του Victor Hugo και το ελκυστικό down-at-the-heels Maison Balzac, του οποίου η πιο επιφανής έκθεσή του είναι ο μονόγραμμα καφενείο του συγγραφέα.
Αλλά κανένας δεν εμπνέει τέτοια πίστη όπως ο Jacquemart-André.
Αν το μουσείο του Sir John Soane απομακρύνει την εκκεντρική μεγαλοφυία του Λονδίνου, το Musée Jacquemart-André είναι το ύψος του le bon goût, καλό γούστο. Ένα ακόμη αρχοντικό, από το μουσείο του σπιτιού, φιλοξενεί τους ειδήμονες Édouard André και τη σύζυγό του, Nelie Jacquemart, ένα υπέροχα πλούσιο ζευγάρι που στη δεκαετία του 1880 και τη δεκαετία του '90 δημιούργησε τον δικό του αυτόνομο κόσμο της τέχνης και της ομορφιάς στη Boulevard Haussmann Μια μοντέρνα λεωφόρο στη Δεξιά Τράπεζα, κοντά στα Ηλύσια Πεδία - γεμάτα αριστουργήματα που οι επιμελητές του Λούβρου αναμφίβολα επιθυμούν αυτή τη μέρα.
Με την πρώτη ματιά, το μουσείο δεν μπορούσε να διαφέρει περισσότερο από το Soane's. Εκρηγνύοντας με χρώμα, αποπνέει μια πλούσια αίσθηση του χώρου. Όμως, όχι λιγότερο από τον Soane, αλλάζει τον επισκέπτη σε μια άλλη εποχή - στην περίπτωση αυτή, το Παρίσι της La Belle Époque, όταν η πόλη άνθισε ως η πρωτεύουσα της Ευρώπης με κομψότητα και την παλαιότερη χρυσή εποχή του Louis XV και του Louis XVI.
Μόλις ένα βήμα από το παλιό δρόμο του φορείου σε μια επίσημη αυλή, ο ήχος της κυκλοφορίας του Παρισιού ξεθωριάζει. Τα ανερχόμενα ευρύτατα πέτρινα σκαλοπάτια που κοσμούν τα γλυπτά λιοντάρια, το καθένα αισθάνεται ένα ξεχασμένο προνόμιο, όπως ένας επισκέπτης που έχει προσκληθεί σε μια ιδιωτική σορέζα. Στο εσωτερικό του συναντάται ένα πορτραίτο του ίδιου του πλοιάρχου, τριών τετάρτων, του Édouard André - μια εκπληκτική φιγούρα στην στολή της αυτοκρατορικής φρουράς κάτω από τον αυτοκράτορα Ναπολέοντα ΙΙΙ, γεμάτη με χρυσό μπρόκολο και κόκκινο παντελόνι. Μια περιποιημένη φυλακή οδηγεί τους επισκέπτες στην Πινακοθήκη, όπου η αποπλάνηση συνεχίζεται. Ο André είχε πάθος για τη γαλλική τέχνη του 18ου αιώνα, που τροφοδοτείται από τη νοσταλγία του για τις προ-επαναστατικές ημέρες, και ο πρώτος όροφος είναι αφιερωμένος σε αυτό. Σε καμβά με επιχρυσωμένο καμβά, οι επιβλητικές θεές επιπλέουν γυμνές στα σύννεφα και τα ροζιδωμένα παιδιά με τα πουλιά και τα γατάκια. Ένας επισκέπτης παρασύρεται από το επιχρυσωμένο Grand Salon στο ριψοκίνδυνο Μουσικό Δωμάτιο, όπου συναντήθηκαν επίσημα οι φιλοξενούμενοι για συναυλίες, στη συνέχεια στο γυάλινο χειμερινό κήπο, γεμάτο με εξωτικά φυτά και λαμπερό μάρμαρο, όπου μια υπερβολική διπλή σκάλα στρέφεται προς τα πάνω δεύτερος όροφος.
Και έτσι το σπίτι ξεδιπλώνεται, προσφέροντας μια εκθαμβωτική γκαλερί μετά την άλλη. Η βιβλιοθήκη, όπου οι Édouard και Nelie παρακολουθούσαν τους καταλόγους τέχνης και σχεδίαζαν τις αγορές τους, φιλοξενούν την παγκόσμια σειρά ολλανδικών έργων ζωγραφικής τους, συμπεριλαμβανομένων τριών Rembrandts και τριών Van Dycks. Τα ιαπωνικά κεραμικά και οι περσικές αρχαιότητες ζωντανεύουν το δωμάτιο καπνιστών, όπου ο Édouard θα συνταξιοδοτηθεί μετά το δείπνο με τους άνδρες σύντροφούς του για να καπνίσει πούρα και να συζητήσει τα θέματα της ημέρας, ενώ το δωμάτιο Tapestry, που χρησιμοποιείται για επαγγελματικές συναντήσεις, είναι επενδεδυμένο με σκηνές ρωσικής αγροτικής ζωής από το εργοστάσιο Beauvais Tapestry το 1767. Καθώς κάποιος ανεβαίνει στον δεύτερο όροφο, μια παιχνιδιάρικη τοιχογραφία Tiepolo στον τοίχο της σκάλας απεικονίζει την άφιξη του Henry III στη Βενετία. Το επάνω επίπεδο είναι αφιερωμένο στο "ιταλικό μουσείο" του ζευγαριού - ένα δωμάτιο αναγεννησιακής γλυπτικής, ένα δεύτερο για τη φλωρεντιανή τέχνη, συμπεριλαμβανομένων δύο ζωγραφικών έργων του Botticelli και ένα τρίτο δωμάτιο για την αγαπημένη συλλογή της Αντρέ της Βενετίας.
Το αρχοντικό, το οποίο σχεδιάστηκε για τον André από τον αρχιτέκτονα Henri Parent, ολοκληρώθηκε το 1875, όταν η Boulevard Haussmann ήταν μια από τις πιο έξυπνες διευθύνσεις του Παρισιού και ο André ήταν ένας από τους πιο κατάλληλους γκρουπ της πόλης. Κληρονόμος σε μια τεράστια τραπεζική περιουσία, είχε απογοητευθεί από τη δημόσια ζωή και αποφάσισε να αφιερώσει τον εαυτό του στη συλλογή έργων τέχνης και τη δημοσίευση ενός περιοδικού καλών τεχνών. Το 1881, όταν ήταν σχεδόν 50 ετών, παντρεύτηκε τη Nelie Jacquemart, τη γυναίκα που είχε ζωγραφίσει το πορτρέτο του εννέα χρόνια νωρίτερα. Με πολλούς τρόπους, ήταν απίθανος αγώνας για αυτή την αριστοκρατική λεωφόρο. Σχεδόν 40 η ίδια, ο Jacquemart δεν ήταν καμιά κοινωνία υψηλού επιπέδου. Ήταν μια ανεξάρτητη γυναίκα από ένα ταπεινό υπόβαθρο - προφανώς παράνομο - που είχε υποστηρίξει τον εαυτό της ως πορτραίτο καλλιτέχνη, ένα ασυνήθιστο επίτευγμα για μια γυναίκα εκείνη τη στιγμή.
Ήταν ένας γάμος βασισμένος στην κοινή γεύση. Κατά τη διάρκεια των 13 ετών μαζί, το ζευγάρι ταξίδεψε για ένα μέρος κάθε έτους, συνήθως στην Ιταλία, όπου παρακολούθησαν δημοπρασίες με τη βοήθεια εμπειρογνωμόνων από το Λούβρο, οι οποίοι είχαν κίνητρο να κερδίσουν τέχνη για τη Γαλλία. Μετά το θάνατο του Édouard το 1894, στην ηλικία των 61 ετών, η Nelie συνέχισε να ταξιδεύει στον κόσμο, πηγαίνοντας μέχρι τη Βιρμανία για τις αγορές της. Μετά το θάνατό της στις 71 το 1912, δωρίζει το σπίτι στο Institut de France (ακαδημαϊκός οργανισμός που διαχειρίζεται ιδρύματα και μουσεία) υπό την προϋπόθεση ότι η συλλογή παραμένει άθικτη, έτσι ώστε να μπορεί να δει η γαλλική κοινότητα, είπε με τη θέλησή της, "όπου ένα ζευγάρι ερασιτέχνων καλλιτεχνών έζησε μια ζωή απόλαυσης και πολυτέλειας".
Πράγματι, υπάρχει τεράστια ευχαρίστηση να ληφθεί από το να βλέπει κανείς τις ζωγραφιές και τα γλυπτά του ζευγαριού να αναμιγνύονται με τα αντικείμενα τέχνης και τα ωραία έπιπλα σε οικιακό περιβάλλον. Μετά από λίγο, όμως, ακόμη και η λεπτότερη γεύση μπορεί να είναι λίγο ανυπόφορη. Οι επισκέπτες δεν μπορούν να βοηθήσουν, αλλά να μιλήσουν με αποχρωματισμένους τόνους, ώστε να μην διαταράξουν την εξαιρετική ισορροπία.
Αλλά το αρχοντικό εκρήγνυται σε μια ζωντανή ζωή στο Dining Room - την πρώην καρδιά του αρχικού αρχοντικού - που έχει μετατραπεί σε ένα από τα πιο πολυτελή καφέ-εστιατόρια του Παρισιού. Σε αυτό το ευάερο δωμάτιο, όπου το ζευγάρι φιλοξένησε φίλους κάτω από πλούσιες ταπετσαρίες, μπορεί κανείς να απολαύσει τώρα μια σαλάτα Niçoise και ένα ποτήρι Sauvignon Blanc. Υπάρχει ένα περίεργο συναίσθημα να παρακολουθούμε εδώ και όχι μόνο από άλλους συναδέλφους: το ανώτατο όριο είναι ένα θαυμάσιο αστείο, μια άλλη τοιχογραφία Tiepolo - η οποία απεικονίζει ένα πλήθος βενετσιάνικων ευγενών που κλίνει πάνω από ένα κιγκλίδωμα, δείχνοντας και χαμογελώντας στα εστιατόρια κάτω.
Σκαρφαλωμένο στο καμάκι είναι μια προτομή του Nelie Jacquemart. Πολλοί από αυτούς δεν έμοιαζαν με το μοντέρνο σκηνικό της πόλης, αργότερα στη ζωή της, αποσύρθηκε στο χωριό της Chaalis, ένα άλλο μουσείο μεγάλου σπιτιού, 30 μίλια έξω από την πόλη - αλλά σίγουρα πήρε μια έντονη υπερηφάνεια στη συλλογή της και ένα Φαντάζεται ότι εξακολουθεί να αγκαλιάζει την ευχαρίστηση που δημιουργεί.
Μαδρίτη
Μουσείο Σορόλα
Η Μαδρίτη είναι μια πόλη με εντυπωσιακές προσόψεις των οποίων τα αληθινά αξιοθέατα βρίσκονται πίσω από κλειστές πόρτες. Κρυμμένο πέρα από έναν πέτρινο τοίχο στην πρώην περιφέρεια εργατικής τάξης του Chamberí, δέκα λεπτά με ταξί από τη φασαρία της Plaza Mayor στο κέντρο της Μαδρίτης, βρίσκεται ο ηλιόλουστος Museo Sorolla. Το πρώην στούντιο κατοικίας και τέχνης ενός από τους πιο αγαπητούς ζωγράφους της Ισπανίας, Joaquín Sorolla y Bastida, είναι ένας ευχάριστος κήπος από βρύσες και ζωντανά λουλούδια, μια έκρηξη μεσογειακού χρώματος και ζωντανή χαλάρωση .
Από το 1911 έως το 1923, αυτό το σπίτι σε στυλ Ανδαλουσίας ήταν η κατοικία ενός από τους πιο γνωστούς καλλιτέχνες του κόσμου. Γεννημένος σε μια ταπεινή οικογένεια στη Βαλένθια το 1863, η Sorolla κράτησε την απόσταση από τις πρωτοποριακές κινήσεις της Ευρώπης, αλλά κέρδισε τη διεθνή φήμη για τη λεπτή τεχνική της, προκαλώντας το παιχνίδι της ηλιοφάνειας στις σκηνές μεσογειακές παραλίες και εικόνες της ισπανικής καθημερινής ζωής.
Βάζοντας μέσα στα σαγηνευτικά όρια της ένωσης, όπου έζησε η Σορόλα με τη σύζυγό της και τρία παιδιά, είναι σαν να εισέρχεσαι σε έναν από τους φωτεινούς πίνακες του καλλιτέχνη. Με τα μαυριτανικά του λουλούδια, γαλήνιες πισίνες και ολοένα και παρών ήχο ρέοντος νερού, ο κήπος ήταν ο τόπος όπου αγαπούσε περισσότερο να ζωγραφίζει. Όταν επισκέφτηκα, η ιδιωτική Arcadia της Sorolla ήταν γεμάτη από σπουδαίους μαθητές τέχνης που πειραματίζονταν με ακουαρέλες σε σκιερές γωνίες. Τα πλακόστρωτα σκαλοπάτια οδηγούν στο σπίτι, των οποίων τα πρώτα δωμάτια προβάλλουν τα έργα του, όπως ακριβώς πριν από 80 χρόνια για τους πιθανούς αγοραστές. Οι χώροι διαβίωσης του σπιτιού περιλαμβάνουν τα αρχικά έπιπλα Art Nouveau της οικογένειας και τους λαμπτήρες Tiffany. Αλλά ο συναισθηματικός πυρήνας του σπιτιού είναι το στούντιο Sorolla, ένα μεγάλο θολωτό δωμάτιο ζωγραφισμένο με ροδοκόκκινο και παγωμένο με ηλιοφάνεια. Τα καβαλέτα της Σορόλας είναι έτοιμα, σαν να είχε μόλις αποχωρήσει για μια σιέστα. οι παλέτες, οι βούρτσες και οι ημι-χρησιμοποιούμενες βαφές είναι κοντά. Ένα μικρό τούρκικο κρεβάτι καταλαμβάνει μια γωνιά της αίθουσας και ένα βιβλίο από τραγούδια του 16ου αιώνα κάθεται σε ένα περίπτερο. Το διάσημο πορτρέτο του Πάπα Innocent X του Velázquez, το Sorolla, προεδρεύει σε όλους.
Ο Sorolla μεταφέρθηκε στο σπίτι, το οποίο είχε κατασκευάσει, το 1911, στο ψηλότερο σημείο της καριέρας του. Μέχρι τότε είχε εκθέσει τη δουλειά του από το Λονδίνο στο Σαιντ Λούις του Μισσούρι με διεθνή βραβεία, με φίλους διανοούμενους και καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένου του John Singer Sargent, ζωγράφισε το πορτρέτο του Ισπανικού βασιλιά Αλφόνσσο ΧΙΙΙ και του αμερικανικού προέδρου William Howard Taft και η προστασία του κληρονόμου Archer Huntington, είχε ανατεθεί να ζωγραφίσει μια τεράστια τοιχογραφία στην ισπανική κοινωνία της Αμερικής στη Νέα Υόρκη.
Μετά το θάνατό του στις 60 το 1923, η διεθνής φήμη της Sorolla υπέστη, επισκιάστηκε από το έργο των μετα-ιμπρεσιονιστών όπως οι Cézanne και Gauguin. Όπως και με τον φίλο του Sargent, πολλοί κριτικοί αποφάσισαν ότι η Sorolla ήταν πολύ συντηρητική και εμπορική. Αλλά στη Μαδρίτη, η καλλιτεχνική στάση της Sorolla δεν έχει ανακινηθεί ποτέ και από το άνοιγμά της από τη χήρα και το γιο της το 1931, ο Museo Sorolla, ο οποίος στεγάζει επίσης την πιο εκτενή συλλογή έργων του στον κόσμο, έχει απολαύσει ένα σταθερό ρεύμα προσκυνητών. Σήμερα, η πίστη τους δικαιώνεται. Η Sorolla επανεξετάζεται από τους κριτικούς, οι οποίοι τον τοποθετούν ως γέφυρα μεταξύ Ισπανών παλιών κυρίων όπως ο Velázquez και ο Goya και οι μετα-ιμπρεσιονιστές. Το 2006, το διάσημο μουσείο Thyssen-Bornemisza της Μαδρίτης φιλοξένησε τη "Sargent / Sorolla", μια έκθεση που παρακολούθησε την παράλληλη σταδιοδρομία του ζευγαριού.
Στο Museo Sorolla, όπως και σε όλα τα μουσεία του σπιτιού, χτυπά μια χορδή μελαγχολίας: ο καλλιτέχνης, μαθαίνουμε, ζωγράφισε ένα πορτρέτο στον αγαπημένο του κήπο το 1920, όταν στην ηλικία των 57 ετών υπέστη εγκεφαλικό επεισόδιο. Αν και έζησε για άλλα τρία χρόνια, έφτιαξε λίγη νέα δουλειά. Αλλά τέτοιοι θλιβερές διαλογισμοί δεν ταιριάζουν στο σπίτι ή στο αισθησιακό πνεύμα της σύγχρονης Μαδρίτης. Η καλύτερη λύση -όπως ο ίδιος ο Sorolla θα συμφωνούσε- είναι να κατευθυνθείτε σε μια κοντινή καφετέρια για να πιείτε ένα ποτήρι vino blanco και να κολυμπήσετε στον ισπανικό ήλιο.
Πράγα
Το Σπίτι της Μαύρης Μαντόνας: Το Μουσείο Τσέχικης Κυβιστικής
Ανεξαρτήτως από δύο παγκόσμιους πολέμους, η καρδιά της Πράγας αισθάνεται σαν μια φαντασία της Παλαιάς Ευρώπης. Gothic spiers frame Art Nouveau καφετέριες, και στο μεσαιωνικό αστρονομικό ρολόι, δίπλα στο παιδικό σπίτι του Franz Kafka στην Πλατεία της Παλιάς Πόλης, ένα άγαλμα του Θανάτου τραβά ακόμα το κουδούνι για να χτυπήσει την ώρα. Αν όμως παραβιάσετε έναν μπαρόκ δρόμο που ονομάζεται Celetna, αντιμετωπίζετε μια πολύ διαφορετική όψη της πόλης - το περίεργο και εκπληκτικό Black Madonna House, ένα από τα πρώτα κλουβιστικά κτίρια στον κόσμο και το σπίτι σήμερα στο Μουσείο Τσέχικης Κυβιστικής. Σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα της Πράγας Josef Gocar, το Σπίτι ήταν συγκλονιστικά μοντέρνο, ακόμα και επαναστατικό, όταν άνοιξε ως πολυκατάστημα το 1912 - και εξακολουθεί να φαίνεται τόσο σήμερα. Το συνολικό σχήμα είναι κατάλληλα κιτρινοειδές και προβλέψιμα αυστηρό, αλλά σε προσεκτικότερη επιθεώρηση η πρόσοψη διαλύεται από την εφευρετική χρήση γωνιών και αεροπλάνων. Μεγάλα παράθυρα κόλπων προεξέχουν σαν κρυστάλλους χαλαζία, και η γωνιακή διακόσμηση ρίχνει λεπτές σκιές. Το εσωτερικό δεν είναι λιγότερο ασυνήθιστο, με την πρώτη χρήση της πόλης από οπλισμένο σκυρόδεμα που επιτρέπει την κατασκευή γενναιόδωρων ανοιχτών χώρων. Το περίεργο όνομα του σπιτιού προέρχεται από το άγαλμα της Μαύρης Μαδιάς και του Παιδιού του 17ου αιώνα που διασώθηκε από μια προηγούμενη δομή στο χώρο και τώρα σκαρφαλωμένο σαν στέλεχος στη γωνία του κτιρίου.
Αλλά ούτε και η Μαντόνα θα μπορούσε να προστατέψει το Σώμα από τις ιδιοτροπίες της τσεχικής ιστορίας. Μετά τον Β 'Παγκόσμιο Πόλεμο και την άνοδο του Κομμουνιστικού Κόμματος στην εξουσία, το πολυκατάστημα στάλθηκε σταδιακά και χωρίστηκε σε χώρους γραφείων. Μετά την αυτοκρατορική επανάσταση του 1989, έληξε η κομμουνιστική κυριαρχία, το κτίριο είχε μια σύντομη ζωή ως πολιτιστικό κέντρο, αλλά μόλις το 2003 βρήκε τον λογικό του ρόλο στο ύφασμα της Πράγας - ως ναό ως το μεγαλείο της τσέχικης κυβιστικής.
Οι περισσότεροι από εμάς σκέφτονται τον κυβισμό ως ένα εσωτεριστικό πρωτοποριακό κίνημα που προωθήθηκε από τους παρισινούς καλλιτέχνες Pablo Picasso, Georges Braque και άλλους κατά τα χρόνια πριν από τον Α 'Παγκόσμιο Πόλεμο. Αλλά το κίνημα σάρωσε όλη την Ευρώπη και αγκάλιασε και στις πρωτεύουσες της Ρωσίας και της Ανατολικής Ευρώπης, πουθενά πιο επιθετικά από ό, τι στην Πράγα, όπου ο Κούμπς κατακτήθηκε, αν και μόνο για μια πυρακτώδη στιγμή, ως ένα πιθανό κλειδί για το μέλλον.
"Στο Παρίσι, ο κυβισμός επηρέασε μόνο τη ζωγραφική και τη γλυπτική", λέει ο Tomas Vlcek, διευθυντής της Συλλογής Σύγχρονης και Σύγχρονης Τέχνης στην Εθνική Πινακοθήκη της χώρας, ο οποίος επιβλέπει το Μουσείο Τσέχικης Κυβιστικής. "Μόνο στην Πράγα ο κυβισμός ήταν προσαρμοσμένος σε όλους τους άλλους κλάδους της εικαστικής τέχνης - έπιπλα, κεραμικά, αρχιτεκτονική, γραφιστική, φωτογραφία. Έτσι, ο κυβισμός στην Πράγα ήταν ένα μεγάλο πείραμα, μια αναζήτηση για ένα συνολικό σύγχρονο στυλ που θα μπορούσε να είναι ξεχωριστά Τσέχος."
Η Coterie των Τσέχων Κουβιστών, κυρίως ο Gocar, ο Otto Gutfreund και ο Bohumil Kubista, πρωτοεμφανίστηκαν το 1911, ιδρύοντας ένα περιοδικό με την ονομασία « Καλλιτεχνικό Μηνιαίο» και διοργανώνοντας τις δικές του εκθέσεις στα χρόνια πριν από τον Α 'Παγκόσμιο Πόλεμο. Ήταν μια εποχή έντονης αισιοδοξίας και ενέργειας Πράγα. Αυτή η μικρή μητρόπολη της Ανατολικής Ευρώπης, μία από τις πλουσιότερες στην Αυστροουγγρική Αυτοκρατορία, εφάρμοσε τις ζωντανές τσέχικες, γερμανικές και εβραϊκές παραδόσεις για μια δημιουργική έκρηξη. Οι εκπατρισμένοι καλλιτέχνες επέστρεφαν από το Παρίσι και τη Βιέννη για να μοιραστούν ριζικές νέες ιδέες στα σαλόνια. Ο Κάφκα περιγράφει τις πρώτες εφιάλτικες ιστορίες του. Ο Albert Einstein διδάσκει στην πόλη ως καθηγητής. "Ήταν κάτι σαν τον παράδεισο", λέει ο Vlcek, αναζητώντας θορυβώδες.
Σήμερα, το Μουσείο Τσέχικης Κυβιστικής είναι ένα ιερό της ακμής του κινήματος (1910-19), με το ίδιο το κτίριο να είναι το κύριο εκθέμα. Η είσοδος είναι μια γωνιακή μελέτη στον σφυρήλατο σίδηρο. Μέσα, ανεβαίνει αμέσως μια σκάλα κυβιστικής σχεδίασης. Σε αντίθεση με τις σκάλες στο γυμνό Κατώφλι μιας σκάλας του Marcel Duchamp, τα σκαλοπάτια είναι ευτυχώς ομαλά, αλλά το μεταλλικό κιγκλίδωμα είναι μια πολύπλοκη αλληλεπίδραση γεωμετρικών μορφών. Υπάρχουν τρείς ορόφους των εκθεμάτων του Κούβιστου, γεμάτα με μοναδικά έργα τέχνης στην Πράγα. Κομψό καναπέδες, τραπέζια ντυσίματος και ξαπλώστρες μοιράζονται δραματικά λοξές γραμμές. Υπάρχουν αφηρημένα γλυπτά και πίνακες ζωγραφικής, τολμηρά, ζιγκ-ζαγκ γραφικά, και κοκκινοποιημένα αγγεία, καθρέφτες και κύπελλα φρούτων.
Αν και αυτό δεν μπορεί να είναι αυστηρά ένα μουσείο σπίτι, έχει μια εγχώρια αίσθηση. Τα πολλά ασπρόμαυρα πορτρέτα των ασαφειών καλλιτεχνών στα καπέλα μπόουλινγκ και τα παπιγιόν αποκαλύπτουν μια ακμάζουσα, μποέμικη χροιά των χαρακτήρων: ένας καναπές, μαθαίνουμε, ήταν "σχεδιασμένος για τον ηθοποιό Otto Boleska", ένα άλλο για τον "καθηγητή π. Zaviska. " Αυτό που ακούγεται σαν παρωδία Woody Allen της πολιτισμικής αυτο-απορρόφησης συλλαμβάνει την ιδιοσυγκρασιακή φύση της ίδιας της Πράγας, μιας πόλης που υπερηφανεύεται για την πιο θλιβερή ιστορία της. Και όπως όλα τα μικρά μουσεία που έρχονται σε επαφή με την προέλευσή τους, μοναδικά χαρακτηριστικά έχουν φέρει τα φαντάσματα πολύ πίσω στη ζωή. Οι επισκέπτες μπορούν πλέον να συνταξιοδοτηθούν στο αρχικό κουβανέζικο εστιατόριο, το Grand Café Orient, το οποίο σχεδιάστηκε από τον Gocar το 1912. Αυτό το εκλεπτυσμένο τέχνασμα των καλλιτεχνών έκλεισε τη δεκαετία του 1920 και εκσπλαχνίστηκε κατά την κομμουνιστική εποχή, αλλά σχολαστικοί ερευνητές χρησιμοποίησαν τα λίγα επιζόντα σχέδια φωτογραφίες για να το αναδημιουργήσετε. Τώρα, μετά από μια παύση οκτώ δεκαετιών, μια νέα γενιά μποέμιων μπορεί να εγκατασταθεί κάτω από κουβους πολυελαίους σε κυβιστικές καρέκλες (όχι τόσο άβολα όσο ακούγονται) για να διαμαρτυρηθούν για την πολιτική σε μια πίντα μη παστεριωμένου Pilsener. Τέλος, στο μουσείο, το μουσειακό κατάστημα έχει αναδημιουργήσει μια σειρά κυβιστικών φλιτζανιών καφέ, αγγείων και τσαγιού από τα αρχικά σχέδια του αρχιτέκτονα και του καλλιτέχνη Pavel Janak και προσφέρει αναπαραγωγές κουβιστικών επίπλων από τον Gocar και άλλους.
Μετά από ένα απογευματινό βυθισμένο σε όλες αυτές τις οπτικές γωνίες, άρχισα να παρατηρώ τα λεπτές κυβιστικές διαδρομές στην αρχιτεκτονική κεραμοπαγίδα των δρόμων της Πράγας - στην πόρτα ενός πρώην έδρας των εργατικών συνδικάτων, για παράδειγμα, και σε ένα κομψό τόξο που πλαισιώνει ένα μπαρόκ γλυπτό δίπλα σε μια εκκλησία . Εμπνευσμένος, αποφάσισα να εντοπίσω ένα κουβουνιστικό λαμπτήρα που είχα ακούσει, το οποίο σχεδιάστηκε το 1913 από έναν Emil Kralicek. Χρειάστηκε λίγη πάλη με τσεχικά ονόματα δρόμων, αλλά τελικά το βρήκα σε ένα πίσω σοκάκι στη Νέα Πόλη: μοιάζει με μια στοίβα κρυστάλλων που τοποθετούνται στο τέλος.
Θα μπορούσα να φανταστώ ότι ο Sir John Soane - που μεταφέρθηκε στη σύγχρονη Πράγα - πατούσε μπροστά του με ανούσιο θαυμασμό.
Το τελευταίο βιβλίο του Tony Perrottet, τα «Privates» του Napoleon, μια συλλογή εκκεντρικών ιστοριών από την ιστορία, είναι έξω από αυτό το μήνα από τη HarperCollins.
