Ο θάνατος της ζωγραφικής προβλήθηκε για πρώτη φορά στα μέσα του 19ου αιώνα, όταν η έλευση της φωτογραφίας φαινόταν να αφαίρει την πραγματικότητα από το χέρι του ζωγράφου. "Αν η φωτογραφία επιτρέπεται να παραμείνει στην τέχνη σε μερικές από τις λειτουργίες της", γράφει ο Γάλλος ποιητής και κριτικός τέχνης Charles Baudelaire το 1859, "σύντομα θα το αντικαταστήσει ή θα καταστρέψει εντελώς". Οι καλλιτέχνες προσπαθούν να συμμορφωθούν με τις συνέπειες της φωτογραφίας από τότε.
Οι ιμπρεσιονιστές όπως ο Monet και ο Renoir, απορρίπτοντας τη στατική, μηχανική απεικόνιση των φωτογραφιών, καθώς και τον παλιό ακαδημαϊκό πίνακα της εποχής τους, θέλησαν να ζωγραφίσουν τις δικές τους εντυπώσεις για το πώς το μάτι αντιλαμβάνεται το φως και την ατμόσφαιρα στη φύση. Μερικοί από τους συγχρόνους τους, συμπεριλαμβανομένου του Degas και του Toulouse-Lautrec, πήραν μια διαφορετική κατεύθυνση. Άρχισαν να χρησιμοποιούν φωτογραφίες για έμπνευση - περικοπή των εικόνων τους όπως η κάμερα, για παράδειγμα, και εισαγωγή στρεβλώσεων προοπτικής που βασίζονται στον φακό της κάμερας.
Στη συνέχεια, πριν από εκατό χρόνια, ο Matisse και ο Πικάσο έκαναν τους ριζοσπαστικούς πίνακες που θα καθόριζαν μια νέα εποχή της σύγχρονης τέχνης. Ο Matisse παραμόρφωσε το σχήμα με το διογκωμένο Μπλε Γυμνό του το 1907, ζωγραφίζοντας από μια φωτογραφία για να απελευθερώσει τη φαντασία του και να σπάσει τις συνήθειες που σχηματίζονται από το ζωγραφικό σχέδιο. Ο Πικάσο χρησιμοποίησε επίσης φωτογραφίες για να ζωγραφίσει το 1907 Les Demoiselles d'Avignon, με κάθε εικόνα να φαίνεται σαν μια πολλαπλή έκθεση, που φαίνεται από διαφορετικές γωνίες ταυτόχρονα - ένα αποφασιστικό βήμα για τον κυβισμό.
Καθώς ο 20ος αιώνας προχώρησε, οι ζωγράφοι όπως ο Wassily Kandinsky και ο Jackson Pollock εγκατέλειψαν την έννοια της τέχνης ως εκπροσώπηση εντελώς, παράγοντας καμβά που δεν περιείχε καθόλου αναγνωρίσιμα αντικείμενα. Στα «αφηρημένα» έργα τους, το ίδιο το χρώμα έγινε το θέμα. Μέχρι τη δεκαετία του 1960 οι εννοιολογικοί καλλιτέχνες - εμπνευσμένοι από τον Marcel Duchamp και άλλους Dadaists της δεκαετίας του 1920 - υιοθέτησαν την άποψη ότι η τέχνη πρέπει να στοχεύει στο μυαλό και όχι στο μάτι, να αποδίδει έργα ζωγραφικής στα οποία η ιδέα πίσω από το έργο ήταν πιο σημαντική από το ίδιο το έργο . Με λίγες προφανείς εξαιρέσεις, η Pop Art, Photo Realism και καλλιτέχνες όπως η David Hockney-αντιπροσωπευτική ή εικαστική τέχνη θεωρούνταν σε μεγάλο βαθμό ένα πράγμα του παρελθόντος μέχρι τα τέλη του 20ου αιώνα. Αλλά τα τελευταία χρόνια, αρκετοί σύγχρονοι ζωγράφοι έχουν αρχίσει να επιστρέφουν στις ρίζες της σύγχρονης τέχνης για να βρουν νέους τρόπους έκφρασης. Αναμιγνύουν την ανθρώπινη μορφή και άλλες αναγνωρίσιμες μορφές με στοιχεία αφαίρεσης και διφορούμενη αφήγηση με τρόπους που δεν έχουν δει ποτέ πριν.
"Ο ενθουσιασμός γύρω από το επάγγελμά μου είναι τώρα τεράστιο", λέει ο Joachim Pissarro, επιμελητής ζωγραφικής και ζωγραφικής στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης. "Τριάντα χρόνια πριν, υπήρχε όλη αυτή η συζήτηση για το τέλος της ζωγραφικής. Σήμερα κανείς δεν ενδιαφέρεται για αυτό." Για τη νέα γενιά, λέει, «η πόλωση ανάμεσα στην αφαίρεση και την εκπροσώπηση που υπήρχε στο τελευταίο μισό του 20ού αιώνα είναι απλώς άνευ σημασίας» Αυτό που βλέπουμε τώρα είναι πολύ ενδιαφέρον και εντελώς νέο ».
Διάσπαρτα από το Μπρούκλιν στο Τρινιντάντ στη Λειψία της Γερμανίας, οι καλλιτέχνες που εκπροσωπούνται σε αυτές τις σελίδες ανανεώνουν «μια πίστη στη ζωγραφική», λέει η Laura Hoptman, ανώτερη επιμελητής στο νέο μουσείο σύγχρονης τέχνης της Νέας Υόρκης.
Peter Doig
"Όταν οι άνθρωποι άρχισαν να ενδιαφέρονται για το έργο μου στα τέλη της δεκαετίας του 1980, η ζωγραφική ήταν εντελώς εκτός της ατζέντας", λέει ο Peter Doig, ένας 49χρονος Σκωτσέζος που ζει στο Τρινιντάντ. "Αυτό που οι αίθουσες που θεωρούσαν αιχμή ήταν όλος ο εννοιολογικός ζωγράφος για τη ζωγραφική, η τέχνη που έλεγε κάτι για τον τρόπο με τον οποίο γίνεται αυτό. Εργαζόμουν σκόπιμα εναντίον του. τον κόσμο ως δυνητικό θέμα για τη ζωγραφική και αυτό πηγαίνει από το να βλέπεις κάτι στο δρόμο, να βλέπεις κάτι σε μια ταινία, σε ένα περιοδικό, όλα όντως ».
Το στούντιο Doig, σε ένα ανακαινισμένο αποστακτήριο ρούμι στην πρωτεύουσα του Τρινιδάδ, το λιμάνι της Ισπανίας, είναι γεμάτο από μεγάλες καμβάδες που απεικονίζουν τοπία ζούγκλα, λερωμένα ποτάμια και διφορούμενες φιγούρες. Όταν έφυγε από το Λονδίνο για να μετακομίσει στο Τρινιντάντ το 2003, πολλοί από τους φίλους του το ονόμασαν "κάνοντας ένα Gauguin", μετά τον γάλλο καλλιτέχνη Paul Gauguin, ο οποίος μετακόμισε στην Ταϊτή το 1891 για να γίνει ένας με τη φύση. Το στυλ του Doig συγκρίνεται μερικές φορές με το Gauguin, αλλά η προσέγγισή του στη ζωγραφική είναι αρκετά διαφορετική. Η μέθοδος του εξαρτάται από ένα είδος επεξεργασίας πληροφοριών που αρχίζει συχνά με μια φωτογραφία, λέει, επειδή η ζωγραφική από φωτογραφίες απομακρύνει τον από αυτό που είναι πραγματικό ή αληθινό. "Γιατί μια ζωγραφική πρέπει να είναι ειλικρινής;" ρωτάει.
Ο Doig έκανε αρκετούς πίνακες ζωγραφικής από μια παλιά κάρτα που αγόρασε σε ένα κατάστημα σκουπιδιών του Λονδίνου που απεικονίζει μια σκηνή ποταμού στην Ινδία. «Όταν ζωγραφίζω απ 'ευθείας από τη φύση», λέει, «πάω πάρα πολύ να προσπαθήσω να το κάνω σωστό» Χρησιμοποιώντας τη φωτογραφία ή μια καρτ ποστάλ, μου επιτρέπουν να παίρνω ό, τι θέλω και να αφήσω τα υπόλοιπα έξω. του μικροσκοπικού γκουρού στην καρτ ποστάλ και έβγαλε μια άλλη φωτογραφία γι 'αυτό και το έσφαξε, ώστε να γίνει ένα θολά μπάλωμα και ζωγράφισα από αυτό και έγινε ένα είδος γενειοφόρου άνδρα, κάτι μυστηριώδες και μαύρο. δεν ξέρω αν είναι θρησκευτική φιγούρα ή φανατικός, αλλά υπάρχει κάτι πνευματικό γι 'αυτόν ".
Δείχνει έναν καμβά μήκους 9 μοιρών από ένα σκελετό που σκαρφαλώνει σε φοίνικα, αγκαλιάζει τον κορμό και κοιτάζει έξω από ένα αφηρημένο κενό από πινελιές, στάγματα και ρωγμές. "Αυτά τα στάγματα και οι ρωγμές είναι τα είδη των όμορφων πραγμάτων στη ζωγραφική που είναι μοναδικά", λέει. "Μπορείτε να παίρνετε τις πιθανότητες και σας δίνεται, αλλά θα τους μισούσα για να γίνω μανιαρχία ή τέχνασμα." Ήταν όμως ο αριθμός που έπληξε τη SITE Santa σκηνοθέτης Laura Heon όταν η ζωγραφική παρουσιάστηκε στη Μπιενάλε του 2006 του μουσείου. «Κατά μία έννοια, είναι μια επιστροφή στον ανθρωπισμό», λέει. "Υπάρχει κάτι πολύ γενναιόδωρο για να κάνεις μια εικόνα ενός ανθρώπου."
Μια μεγάλη αναδρομή του έργου του Doig θα ανοίξει στο Tate Modern στο Λονδίνο τον Φεβρουάριο.
Dana Schutz
Στα έργα ζωγραφικής της Dana Schutz, το ψεύτικο και το πραγματικό είναι δύσκολο να ξεχωρίσουν. "Ξέρω ότι οι εικόνες μου είναι κατασκευασμένες, αλλά πιστεύω σε αυτές όταν ζωγραφίζω", λέει στο στούντιό της σε ένα παλιό βιομηχανικό κτίριο που μετατράπηκε σε συνεργασία των καλλιτεχνών στο Μπρούκλιν. Ο Schutz, 30 ετών, θέλει να δημιουργήσει στοιχεία και να τα βάλει σε διαφορετικά σενάρια σε μια σειρά από πίνακες ζωγραφικής, όπου φαίνεται να παίρνουν μια δική τους ζωή. Μια τέτοια σειρά αποτελείται από αριθμούς που ονομάζει "αυτο-τρώγοντες" - μια απογυμνωμένη μορφή ανθρώπων που επιβιώνουν με τη διατροφή τους σε μέρη του σώματός τους και στη συνέχεια ανακατασκευάζονται. Οι πίνακες, με την εκπληκτική απεικόνισή τους και αυτό που αποκαλεί "εξωστρεφή χρώματα" - ροζ και κόκκινα, ηλεκτρικά πορφύρα και πράσινα ζούγκλα - έχουν επαινεθεί ως νέος εξπρεσιονισμός και είναι εύκολο να τα ερμηνεύσει από κοινωνικής άποψης - από ανόρεξων μοντέλων σε οργισμένο καταναλωτισμό - ή ακόμα και ως αναλαμπές στην ψυχή του καλλιτέχνη. Αλλά Schutz διαφωνεί.
«Δεν είμαι Εκφραστής», διαμαρτύρεται. "Αυτά τα έργα δεν είναι για μένα που εκφράζουν το πώς νιώθω καθόλου". Οι αυτοεξυπηρετούμενοι, λέει, "είναι μια εικονογραφική λύση, μπορείτε να τις απομακρύνετε και να τις επανατοποθετήσετε ξανά. Είναι σαν να έγιναν υλικά."
Αλλά ο Schutz λέει ότι οι πίνακές της εμπνέονται μερικές φορές από αυτό που βλέπει στο Διαδίκτυο ή που σκέφτεται εκείνη τη στιγμή. "Θέλω να ξεκινήσουν αυτά τα έργα ζωγραφικής κάπου στη δημόσια φαντασία, όπου οι άνθρωποι αισθάνονται ότι θα μπορούσαν να γνωρίζουν την ιστορία, όπως η πλαστική χειρουργική ή η παραγωγή-κατανάλωση ή οι τρόποι με τους οποίους κάνουμε εναλλακτικά ιστορικά για τον εαυτό μας", λέει. "Όλο και περισσότερο αισθάνομαι ότι το πιο ριζοσπαστικό πράγμα που μπορεί να κάνει η τέχνη είναι να δώσει σε κάποιον μια εμπειρία που αισθάνεται ότι δεν είναι εξοικειωμένη με κάποιο τρόπο".
Για τον Schutz, δεν υπάρχει σκληρή γραμμή μεταξύ της αφηρημένης και της εικονιστικής ζωγραφικής. "Δεν νομίζω ότι είναι κάτι ξεχωριστό". Σε μια νέα ζωγραφική ενός άνδρα και μιας γυναίκας οδήγησης, οι μορφές στο αυτοκίνητο μοιάζουν σχεδόν πλαστικές, σαν να λιώνουν σε ένα ζεστό τοπίο της Χαβάης. «Ο τρόπος που σκέφτομαι γι 'αυτούς», λέει, «είναι ότι στο μέλλον, αν κοιτούσατε πίσω μας, ποια χαρακτηριστικά θα παραμείνουν, με ελαφρώς παραμορφωμένο ή γενικευμένο τρόπο;
"Ίσως ανανεώνουμε το σχήμα", συνεχίζει. "Οι ζωγραφισμοί για τη ζωγραφική απλά ακούγονται τρελοί, και μόνο που μιλάνε για το χρώμα, νομίζω ότι οι καλλιτέχνες θέλουν τώρα να κάνουν νόημα και να έχουν αποτέλεσμα, είναι πολύ διαφορετικό από τον 20ό αιώνα".
Μια έκθεση του έργου του Schutz ανοίγει τον Νοέμβριο στη Συλλογή Καλών Τεχνών στο Βερολίνο της Γερμανίας.
Neo Rauch
Στη Λειψία, ο 47χρονος Γερμανός καλλιτέχνης Neo Rauch επηρεάζει μια γενιά ζωγράφων με ψυχρό πόλεμο με διφορούμενους πίνακες που συνδυάζουν ρεαλισμό με φαντασία, τους συνηθισμένους με το περίεργο. Σχεδιάζοντας τα γραφικά στυλ των κόμικς και της εμπορικής τέχνης του Ανατολικού Μπλοκ, τον Κοινωνικό Ρεαλισμό της κομμουνιστικής Ανατολικής Γερμανίας, τη δική του εικόνα των ονείρων και τα στοιχεία του αστικού τοπίου, ο Ραούχ ζωγραφίζει τα είδη των μορφών που μπορείτε να βρείτε σε αφίσες προπαγάνδας, σκηνές οι οποίες, όπως λέει, είναι "συγκεχυμένες και εύλογες" - κάποτε οικείες και περίεργες.
Ο Rauch περιγράφει τους πίνακές του ως αλληγορίες με προσωπική εικονογραφία που παραμένει ιδιωτική. Πρόσφατα είπε σε έναν συνθέτη για το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης ότι οι αποφάσεις του ως ζωγράφος μπορεί να μη θέλουν το λόγο - ακόμα και το δικό του. Αλλά αυτό που περιλαμβάνει σε μια ζωγραφική έχει τη δική του πραγματικότητα, λέει, γιατί "παρά όλη την επιθυμία για ερμηνεία, η ζωγραφική πρέπει να διατηρήσει το προνόμιο της τοποθέτησης όσων δεν μπορούν να λεκτικοποιηθούν σε μια προφανή δομή". Ο Ράουχ περιγράφει τη διαδικασία του να κάνει μια ζωγραφιά ως αγώνα για την εξισορρόπηση του τι είναι αναγνωρίσιμο με αυτό που είναι ανεξήγητο. "Για μένα, έχει πει, " η ζωγραφική σημαίνει τη συνέχιση ενός ονείρου με άλλα μέσα ".
Μια έκθεση του έργου του Rauch βρίσκεται επί του παρόντος στο θέατρο του Μητροπολιτικού Μουσείου Τέχνης στη Νέα Υόρκη (μέχρι τις 14 Οκτωβρίου).
Barnaby Furnas
Ο Barnaby Furnas, όπως και ο απόφοιτος της σχολής καλλιτεχνικής σχολής της Columbia University, Dana Schutz, έχει δημιουργήσει το στούντιο του σε μια βιομηχανική σοφίτα που μετατράπηκε στο Μπρούκλιν. Οι πίνακές του, εμπνευσμένοι από τη γαλλική ζωγραφική ιστορίας του 19ου αιώνα, συνδυάζουν εικονιστικά στοιχεία με τεχνικές που προέρχονται από το γκράφιτι και τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό.
"Ως έφηβος που μεγάλωσε στην εσωτερική πόλη της Φιλαδέλφειας, ήμουν αρχικά συγγραφέας γκράφιτι", λέει. "Πήρα σε όλα τα προβλήματα, συνελήφθηκα, αλλά πάντα είχα ένα πόδι στην τέχνη." Τελικά, ο πατέρας ενός φίλου τον πήρε σε μερικές γκαλερί τέχνης στη Νέα Υόρκη. "Αυτός είναι πραγματικά ο μόνος τρόπος που θα ήμουν γνωστός ακόμη ότι ο κόσμος της τέχνης υπήρξε ποτέ", λέει.
Ο Furnas, 34, ζωγραφίζει τις καμβάδες του στο πάτωμα, όπως έκανε ο Jackson Pollock. Αλλά αντί να στάζει λαδομπογιά à la Pollock, δημιουργεί λακκούβες με βαφή με βάση το νερό που συσσωρεύει το ένα πάνω στο άλλο για να δημιουργήσει μορφή. Για μια σειρά σχετικά με τον εμφύλιο πόλεμο, γεμίσει μια σύριγγα με κόκκινο ακρυλικό χρώμα που έριξε πάνω από τις καμβά του για να αντιπροσωπεύσει αίμα. "Τα λάδια δεν θα στεγνώσουν ποτέ εγκαίρως για τον τρόπο που χρησιμοποιώ το χρώμα", λέει, "επίπεδη στο έδαφος, σε λακκούβες, πολλά από τα οποία πηγαίνουν πίσω στα γκράφιτι." Ένα από τα πράγματα που μου άρεσε το γκράφιτι είναι ότι σκόπιμα θα μπορούσατε να πάρετε τα καπάκια ψεκασμού από ένα αεροζόλ, για παράδειγμα ένα καθαριστικό πάγκου, για παράδειγμα, και να το βάλετε σε ένα δοχείο ψεκασμού μπογιάς και να πάρετε μια τελείως διαφορετική επίδραση από το ακροφύσιο .... Δεν έχω ποτέ ενοχλήσει με κασέτες ή βούρτσες, ακόμα κι εγώ έχω μια τεράστια συλλογή από καπάκια με σπρέι, όπως φαντάζομαι ότι μερικοί λάτρεις του πετρελαίου έχουν πινέλα.Στη δουλειά μου, υπάρχει ένα είδος σκόπιμου μείγματος του τι είναι στο κατάστημα υλικού και τι υπάρχει στο κατάστημα τέχνης.
Στο σχολείο τέχνης της Κολούμπια, ο Furnas βρήκε τον εαυτό του επαναστατικό εναντίον μιας παλαιότερης γενιάς δασκάλων οι οποίοι ήταν, «εννοιολογικοί και μεταμοντέρνοι καλλιτέχνες, σχεδόν κανένας ζωγράφος». Είδε τη ζωγραφική ως πράξη αυτο-έκφρασης που ήταν εκτός μόδας. Ήθελε επίσης το έργο του να είναι προσβάσιμο στους θεατές, χωρίς να χρειάζεται να το ερμηνεύσουν οι ακαδημαϊκοί. "Δεν ήθελα αυτοί οι άνθρωποι σε μαύρα κοστούμια να μιλάνε για το έργο μου", λέει. "Δεν ήθελα έναν μεσάζοντα". Αποφάσισε να «επιστρέψει στους σπόρους του Μοντερνισμού», λέει, στο Courbet και στο Géricault και στο Manet, στη Γαλλική ιστορική ζωγραφική τέλη του 19ου αιώνα. Ήμουν σε θέση να επανερευνήσω το είδος και να έρθω σε αυτό με διαφορετικό τρόπο. Γι 'αυτό και έγινα αυτό το είδος του νεωτεριστικού αγοραστή αποταμίευσης! "
Μια έκθεση του έργου του Furnas είναι προγραμματισμένη για την άνοιξη στη στοά Stuart Shave / Modern Art στο Λονδίνο.
Η Κάθριν Λι
Σε ένα παλιό στρατόπεδο στρατώνες που γίνονται σε στούντιο καλλιτεχνών στο College of Santa Fe, η Katherine Lee, 22, αναρωτιέται πώς η ενσύρματη γενιά της θα εξετάσει την τέχνη. «Διαβάζουμε τόσες πολλές στιγμιαίες οπτικές ενδείξεις αυτές τις μέρες», λέει, «όπως τα διαφημιστικά μηνύματα - το διαβάσετε και να το αποκτήσετε - και θέλω να είναι ένας πίνακας ενδιαφέρουσα περισσότερο από ένα διαφημιστικό διάλειμμα» Νομίζω ότι υπάρχει φόβος της αφήγησης και αυτό προέρχεται από την ιδέα του «να πάρει». Οι άνθρωποι είναι τόσο συνηθισμένοι να διαφημίζουν ότι θέλουν αυτό που βλέπουν σε μια ζωγραφική να είναι προ-σκέψης από κάποιον άλλο, αλλά η διαφήμιση κάνει μια τόσο καλή δουλειά που ίσως πρέπει να βρεις μια νέα στρατηγική ».
Ένα μυστηριώδες, σχεδόν μαύρο τοπίο με ένα κομμάτι απομακρυσμένου φωτός ακουμπάει στο στούντιο του Lee. Έχει τη διάθεση ατμόσφαιρα και το βάθος ενός τοπίου του 19ου αιώνα, αλλά ο Λι το ζωγράφισε από αρκετές φωτογραφίες χρησιμοποιώντας ένα μίγμα από γραφίτη, έλαια και κονσέρβες ψεκασμού. Το σκοτεινό φύλλωμα δείχνει μια ζούγκλα ή ένα δάσος και υπάρχει κάτι που μοιάζει με μια κόκκινη ομπρέλα στο μέσον όλων. Αλλά δεν υπάρχουν άνθρωποι. Είναι δύσκολο να γνωρίζεις τίποτα για τη σκηνή, που είναι ακριβώς αυτό που θέλει. "Αυτή η ομπρέλα στο δάσος δείχνει ότι συμβαίνει κάτι", λέει. "Μου αρέσει η ιδέα ότι όλα ενεργούν ως δυνητικό περιεχόμενο, πραγματικά δεν σκέφτομαι τι σημαίνει όταν το κάνω, γιατί ξέρω ότι πρόκειται να κάνει το δικό του νόημα".
Όταν ζωγραφίζει ανθρώπινες μορφές, όπως σε μια εικόνα πετρελαίου και γραφίτη ενός ρομαντικού ζευγαριού αποκαλεί Untitled Love, ο Lee θέλει το χρώμα να ενδιαφέρει έναν θεατή όσο και την εικόνα. "Δεν είναι ακριβώς εικονιστική ζωγραφική", λέει, "επειδή δεν είναι πραγματικά γι 'αυτούς τους ανθρώπους." Όταν ξεκίνησα τη ζωγραφική, ήταν πραγματικά περίπου η φιγούρα, αλλά πολύ σύντομα φαινόταν πάρα πολύ επίπεδη. το μεγαλύτερο μέρος της ζωγραφικής, και έπειτα ήταν πολύ καλύτερα, πήρα ένα πινέλο και απλά βίωσα τα πάντα με βίαιο τρόπο, αφαιρώντας τα πάντα σε τέτοιο βαθμό, η ζωγραφική γίνεται ανοιχτή, κερδίζει πολύ πιθανό περιεχόμενο σε αντίθεση με την ρητή εξήγηση. "
Τα έργα ζωγραφικής της Katherine Lee θα προβληθούν σε διατριβή που παρουσιάστηκε στην Πινακοθήκη Καλών Τεχνών του College of Santa Fe το Μάιο.
Elizabeth Neel
Η Elizabeth Neel, 32 ετών, πρόσφατη πτυχιούχος της Σχολής Καλών Τεχνών του Πανεπιστημίου Columbia, είναι ζωγράφος, το έργο του οποίου προσθέτει τον νέο ενθουσιασμό για τη σύγχρονη ζωγραφική που συνδυάζει την αφαίρεση και την αναπαράσταση. Στο στούντιο του Μπρούκλιν, τα καμβά καλύπτονται με μεγάλες αφηρημένες βούρτσες που θυμίζουν το de Kooning, αλλά ενσωματώνουν το είδος των μορφών που ένας ζωγράφος όπως ο Μάτισε μπορεί να φανταζόταν. Η Neel λέει ότι η ευαισθησία της διαμορφώνεται από την πλημμύρα εικόνων γύρω της, από τη διαφήμιση και την τηλεόραση έως τις ταινίες, τα βίντεο και το Διαδίκτυο. «Είμαστε καταναλωτές εικόνων σχεδόν από τη μέρα που γεννιόμαστε», λέει και σκέφτεται ότι η τέχνη πρέπει τώρα να ασχοληθεί με αυτό το περιβάλλον.
Εγγονή της εικαστικής ζωγράφου του 20ου αιώνα, Αλίκη Νιελ, η Ελισάβετ συχνά περιηγείται στο Internet για εικόνες πριν ξεκινήσει μια ζωγραφική. Δεν προβάλλει φωτογραφίες σε καμβά, αλλά κάνει σκίτσα των εικόνων που θέλει να χρησιμοποιήσει. Μερικές φορές, λέει, οι αμιγώς τυπικές πτυχές της δημιουργίας μιας ζωγραφικής - η κλίμακα των πινελιές της, για παράδειγμα - μπορεί να αλλάξουν το ενδιαφέρον της για την εικόνα και να την στείλουν πίσω στο Διαδίκτυο για νέες εικόνες και ιδέες. "Νομίζω ότι η ζωγραφική μπορεί να έχει μια υπέροχη δυαδικότητα, μπορεί να είναι για τον εαυτό της και μπορεί να είναι για τον κόσμο", λέει, "και είναι ένα καλό πέρασμα σε μια ζωγραφική όταν αυτό συμβεί".
Ο Βρετανός συλλέκτης Charles Saatchi αγόρασε αρκετούς πίνακες του Neel και συμπεριλαμβάνει μερικούς από αυτούς στη συνεχιζόμενη σειρά εκθέσεων του, «The Triumph of Painting», στη γκαλερί του Λονδίνου. Η Neel θα παρουσιάσει σόλο στο έργο Deitch Projects της Νέας Υόρκης την άνοιξη του 2008. Η δουλειά της μπορεί να προβληθεί στο δικτυακό τόπο της Deitch Projects.
Ο συγγραφέας και ζωγράφος Paul Trachtman ζει στο Νέο Μεξικό. Το άρθρο του σχετικά με τους Dadaists έτρεξε στο Smithsonian τον Μάιο του 2006 .
