Ο κριτικός Adam Gopnik θα μιλήσει στο αμερικανικό μουσείο τέχνης Smithsonian την Τετάρτη 10 Οκτωβρίου. Φωτογραφία ευγενική προσφορά του μουσείου
Ο Adam Gopnik είναι συγγραφέας του προσωπικού στο The New Yorker . Εμπειρογνώμονας στη μεγάλη παράδοση του EB White, το Gopnik φέρνει ένα σκεπτόμενο, αλλά με ενθουσιασμό ερασιτέχνες, μάτι σε όλα, από το μπέιζμπολ μέχρι την τέχνη στην πολιτική. Δημοσιεύθηκε το 2000, το βιβλίο του Paris to the Moon, μεγάλωσε από το χρόνο του πέρασε γράφοντας για τα περιοδικά του New Yorker "Paris Journals". Έχει κερδίσει τρία Εθνικά Βραβεία Magazine για τα δοκίμια του και έχει γράψει πολλά βιβλία, Πύλη, άγγελοι και ηλικίες: ένα σύντομο βιβλίο για τον Δαρβίνο, το Λίνκολν και τη σύγχρονη ζωή και ο πίνακας έρχεται πρώτος: η Γαλλία, η οικογένεια και η σημασία των τροφίμων .
Ο Γκόπνικ, 56 ετών, γεννήθηκε στη Φιλαδέλφεια και μεγάλωσε στο Μόντρεαλ. Αποφοίτησε από το Πανεπιστήμιο McGill και ολοκλήρωσε το μεταπτυχιακό του πρόγραμμα στο Ινστιτούτο Καλών Τεχνών του Πανεπιστημίου της Νέας Υόρκης. Το 1990, επιμελήθηκε το εκθετήριο «High / Low» στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης.
Αυτή την Τετάρτη θα διδάσκει στο αμερικανικό μουσείο τέχνης Smithsonian ως μέρος της σειράς Διακεκριμένων διαλέξεων της αμερικανικής τέχνης Clarice Smith. Μιλήσαμε τηλεφωνικά με τον συγγραφέα από το διαμέρισμά του στη Νέα Υόρκη για την αμερικανική τέχνη, τη σταδιοδρομία γραφής και τα σχέδιά του για επιστροφή στο σχολείο.
Η διάλεξη για την ομιλία της Τετάρτης είναι με τίτλο "Τι κάνει αμερικανική αμερικανική τέχνη;" Αυτό είναι πολύ έδαφος για να καλύψουμε, μπορούμε να έχουμε μια προεπισκόπηση;
Πριν από μερικά χρόνια έδωσα μια ομιλία στο μυθιστόρημα όταν ανοίχθηκε ξανά το Μουσείο Αμερικανικής Τέχνης Smithsonian και προσπάθησα να μιλήσω λοιπόν για τις δυσκολίες να κατανοήσουμε την ιδέα της αμερικανικής τέχνης. Με άλλα λόγια, μπορείτε να πάρετε μια ισχυρή θέση. Ο μικρός αδελφός μου Blake, ο οποίος είναι ο κριτικός τέχνης για το Daily Beast του Newsweek, επιμένει ότι είναι ένας στενός και ρηχός σοβινισμός για να μιλάμε για αμερικανική τέχνη που έχει ιδιαίτερες ιδιότητες, ότι για να πούμε ότι υπάρχει κάποια ουσία που περνά από τον John James Audubon στον Winslow Homer στον Richard Σέρρα, παραπλανούμε τους εαυτούς μας. Η τέχνη είναι εγγενώς κοσμοπολίτικη και διεθνής και προσπαθεί να τη δει σε εθνικούς όρους προδίδει την ουσία της.
Από την άλλη πλευρά, έχετε πολύ ισχυρά επιχειρήματα ότι υπάρχουν συγκεκριμένα αμερικανικές παραδόσεις στις εικαστικές τέχνες. Ίσως θυμηθείτε ότι ο Robert Hughes στο American Visions έκανε τέτοια περίπτωση. Θέλω να ρωτήσω ξανά πώς μπορούμε να το σκεφτούμε αυτό, πώς πρέπει να το σκεφτούμε; Έχει νόημα να μιλάμε για αμερικανική τέχνη ως θέμα από μόνο του;
Η άλλη ερώτηση που θέλω να ρωτήσω και είναι αυτή που έχω προσθέσει σε αυτό το διαλογισμό από τότε που μίλησα στην Ουάσινγκτον είναι τι γίνεται με το ζήτημα της χάραξης ορίων; Ένα από τα πράγματα που είναι συγκεκριμένα για τους ανθρώπους που κοιτάζουν την αμερικανική τέχνη για μεγάλο χρονικό διάστημα είναι ότι συμπεριλαμβάνουμε ευκολότερα πράγματα όπως τα έπιπλα - σκεφτείτε τις καρέκλες των Shaker - τις διακοσμητικές τέχνες, γελοιογραφώντας την κατανόηση της αμερικανικής τέχνης. Αν κοιτάξετε τις πρώιμες συλλογές της αμερικανικής τέχνης σε μουσεία, για παράδειγμα στο Μητροπολιτικό Μουσείο εδώ στη Νέα Υόρκη, βλέπετε ότι πολύ εύκολα έσπασαν αυτές τις γραμμές ανάμεσα στη λεπτή και την διακοσμητική και την εφαρμοσμένη τέχνη με τρόπους που δεν κάνουν σε συλλογές της ευρωπαϊκής τέχνης ταυτόχρονα. Αυτό έγινε αρχικά, σαν ένα είδος χειρονομίας μείωσης. Θα μπορούσατε να κοιτάξετε την αμερικανική τέχνη ως ένα είδος μικρότερου συγγενή, ακόμα κάτι που ήταν κατώτερος και στο δρόμο της. Και έτσι θα μπορούσατε να συμπεριλάβετε και πολλά φαινομενικά εξωγενή υλικά σε μια ανθρωπολογική βάση. Εξετάσαμε τους εαυτούς μας ανθρωπολογικά. Καθώς αυτό επιμένει, εγείρει μια άλλη σειρά ερωτήσεων. Είναι αυτός ο εμπλουτισμός; Είναι πάντα νόμιμο; Είναι αυτό ένα είδος μοντέλου που πρέπει να επιτρέπεται να μολύνει κάπως τις αίθουσες της ευρωπαϊκής τέχνης; Αυτό είναι το νέο ερώτημα που θα προσπαθήσω να κάνω εκτός από τις πρόβες, γιατί δεν νομίζω ότι θα παραμείνει παγιδευμένο, το θεμελιώδες ερώτημα για το τι εννοούμε όταν μιλάμε για αμερικανική τέχνη.
Είναι δύσκολο να μην σκεφτεί κανείς την τέχνη που χωρίζεται σε αυτές τις παραδοσιακές, εθνικές γραμμές.
Αυτός είναι ο φυσικός τρόπος για να το δείτε, και νομίζω ότι αυτός είναι ο σωστός τρόπος να το δούμε. Νομίζω ότι μπορούμε να μιλήσουμε για τις συνέχειες στην αμερικανική τέχνη, καθώς μπορούμε να μιλάμε για πραγματικές συνέχειες στη γαλλική τέχνη ή, Θεό, να μας βοηθήσετε στην αγγλική τέχνη. Αλλά δεν είναι αυτονόητες, δεν είναι διαφανείς.
Trumpeter Swan, John James Audubon, 1838.
Έτσι, τι καθορίζει την αμερικανική τέχνη;
Ο τίτλος που έδωσα στην τελευταία διάλεξη αφορούσε δύο πόλους: "Ο υπερβολικά ψηλός κορνίζας και ο φωτεινικός επίμηκος θάμπωμα." Από τη μία πλευρά, έχετε τον υπερβολικά ψηλό κορμό, έχετε αυτή την αίσθηση της αφθονίας. Είναι καλύτερα παραδειγματισμένο στο έργο του Audubon. Αν σκεφτείτε τι επιχείρησε ο Audubon, ήταν κάτι εντελώς νέο. Προσπαθούσε να κάνει μια εικόνα για κάθε πτηνό και κάθε τετράποδο θηρίο στη Βόρεια Αμερική. Ήταν απόλυτα παμφάγος και δημοκρατικός, δεν υπάρχει αλληλουχία, δεν υπήρχε, "αυτά είναι τα ευγενή ζώα και τα πουλιά και αυτά είναι τα μικρότερα θηρία και πτηνά." Είναι όλα ταυτόχρονα. Αυτή η αίσθηση συμπερίληψης, ελέγχου, πλήρους απογραφής, είναι μια πολύ αμερικανική ιδέα. Προφανώς, κατευθύνεται απευθείας από την Audubon σε κάποιον όπως ο Andy Warhol, η ίδια παμφάγα, δημοκρατική, όρεξη που μοιάζει με Whitman για το σύνολο της εμπειρίας χωρίς ιεραρχία μέσα σε αυτήν. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο οι Warhol, Elvis και Marilyn είναι οι ιερές φιγούρες και όχι οι άγιοι αριθμοί που είναι ιεροί αριθμοί.
Και ενάντια σε αυτό έχετε αυτό που ονομάζω, το φωτεινό επίμηκες θόλωμα. Αυτό προέρχεται από έναν ευαγγελιστή από τη δεκαετία του 1920, ο οποίος είπε κάποτε, όταν κάποιος ρώτησε τι μοιάζει ο Θεός με εσένα, «σαν μια φωτεινή επίμηκες θόλωση». Αυτή είναι η αίσθηση ότι η υπερβατική εμπειρία, η πνευματική εμπειρία, η θρησκευτική εμπειρία είναι διαθέσιμη, . Ο WH Auden είπε κάποτε ότι είναι η βαθύτερη αμερικανική πεποίθηση ότι όταν βρείτε το σωστό τέχνασμα, θα είστε σε θέση να χτίσετε τη νέα Ιερουσαλήμ μέσα σε 30 λεπτά. Είναι αυτή η αίσθηση, ότι αυτή η υπερβατική, ισχυρή, θαυμάσια εμπειρία είναι εκεί για το ζητούμενο. Βρίσκετε το φωτεινό σε κάτι σαν το τοπίο του 19ου αιώνα και τρέχει κατευθείαν στους Mark Rothko και Barnett Newman και στους αριστούχους αφηρημένους ζωγράφους της δεκαετίας του '40 και του '50. Νομίζουν τι δείχνουν ότι δεν είναι πόνος, αλλά παράδεισος, ή κάποια εκδοχή του. Αυτή είναι μια πολύ ισχυρή παράδοση στην αμερικανική τέχνη.
Ονομάστηκε το "το καλύτερο βιβλίο για τη Γαλλία τα τελευταία χρόνια" στην αναθεώρηση βιβλίων του New York Times, το Παρίσι στη Σελήνη διευκρινίζει τις υπέροχες και κοσμικές πραγματικότητες της ζωής στο Παρίσι.
Διάβασα ότι είπατε ότι η εργασία σας είναι για μια λαχτάρα της νεωτερικότητας σε έναν μεταμοντέρνο κόσμο. Αναρωτιόμουν πώς το έργο σας ταιριάζει σε αυτή την τροχιά της αμερικανικής τέχνης;
Το είπα αυτό? Αυτό είναι λίγο γεμάτο από μόνο του, έτσι δεν είναι; Νομίζω ότι είναι αλήθεια, ζητώ συγγνώμη αν φαίνεται πομπώδης. Αυτό που εννοούσα εγώ, όταν το είπα και είμαι βέβαιος ότι το έκανα, είναι ότι η τέχνη και ο πολιτισμός που αγαπώ και αγαπώ είναι αυτός της νεωτερικότητας. Είναι ο αισιόδοξος, προνοητικός και κατά κάποιο τρόπο ειρωνικός τρόπος, αλλά σε κάποιο βαθύ αισθητικό κόσμο του Παρισιού και των Κούβων του 1910 ή Pollock και οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές το 1947. Δεν είναι ότι αυτοί οι κόσμοι δεν είχαν βαθιές ατέλειες και αίσθηση τραγωδία, αλλά πίστευαν σε ένα μέλλον για την τέχνη. Πίστευαν στη δυνατότητα των ευδιάκριτων επικοινωνιών. Πίστευαν στη δυνατότητα δημιουργικότητας. Ζούμε σε μια μεταμοντέρνα εποχή στην οποία τα ίδια τα πράγματα - η σαφήνεια και η δημιουργικότητα - όλα ρίχνονται σε ουσιώδη αμφιβολία. Με αυτή την έννοια, αυτό εννοούσα στη λαχτάρα για τον μοντερνισμό σε μεταμοντέρνα εποχή.
Όσον αφορά τη δουλειά μου, νομίζω ότι ένα από τα μεγάλα προνόμια που έχω γράψει για τον New Yorker, αλλά είναι επίσης κατά κάποιο τρόπο μια επέκταση του είδους ευαισθησίας που έχω να κάνω, είναι ότι μου αρέσει να κάνω πολλά διάφορα είδη πραγμάτων. Μισώ αυτή την αίσθηση εξειδίκευσης. Έχω μια όρεξη για πολλά διαφορετικά είδη εμπειρίας. Μία από τις απολαύσεις του να είσαι δοκίμιος σε αντίθεση με έναν ειδικό ή έναν ακαδημαϊκό είναι ότι παίρνεις να γράψεις για πολλά διαφορετικά είδη πράγματα. Δεν είναι τυχαίο λοιπόν ότι ο New Yorker ως θεσμός είναι μοναδικό στην Αμερική. Δεν υπάρχει γαλλόφωνος New Yorker, δεν υπάρχει κανένας Βρετανός New Yorker επειδή βασίζεται στην ιδέα ότι μπορείτε να γράψετε με εξουσία χωρίς να έχετε εμπειρία σε πολλά διαφορετικά πράγματα. Αυτή η ιδέα του ερασιτέχνη ενθουσιώδη είναι αυτή που είναι πολύ μέρος ενός ορισμένου είδους παμφάγου αμερικανικής παράδοσης.
Πώς μελέτησε την ιστορία της τέχνης σας βοήθησε να εξετάσετε όλα αυτά τα θέματα;
Απλώς επιστρέψαμε σε ένα συναισθηματικό ταξίδι πριν από μία εβδομάδα στο Μόντρεαλ στο Πανεπιστήμιο McGill, όπου έκανα το προπτυχιακό μου έργο στην ιστορία της τέχνης και ήταν κάτι σαν σκοντάφτισμα για μένα, επειδή δεν έχουν άλλο τμήμα ιστορίας τέχνης. Είναι τώρα κάτι σαν επικοινωνία και οπτική ιστορία ή κάτι πολύ μεταμοντέρνο και ενημερωμένο. Νομίζω ότι εξακολουθούν να διδάσκουν την ιστορία της τέχνης, αλλά την διδάσκουν μέσα σε αυτό το πολύ ευρύτερο, ανθρωπολογικό πλαίσιο. Το θέμα είναι ότι είχα αυτόν τον υπέροχο μέντορα καθηγητή ψυχολογίας, από τον οποίο ξεκίνησα. Ήμουν σκισμένος για το αν ήθελα να πάω στην ιστορία της τέχνης ή να μείνω στην ψυχολογία και ήμουν αγωνία γι 'αυτό με την αυτοπεποίθηση που έχεις στις 22. Μου έκανε να ηρεμήσει και είπε, ακούστε, αυτό δεν είναι μια σημαντική απόφαση. Μια σημαντική απόφαση είναι αν θα πάτε στην ιστορία της τέχνης, στην ψυχολογία ή στην οδοντιατρική. Αυτή είναι μια σημαντική απόφαση επειδή θα κάνει τη ζωή σας πολύ διαφορετική, αλλά οι αποφάσεις που φαίνονται πραγματικά σκληρές δεν είναι πολύ σκληρές, επειδή σημαίνει ότι έχετε κάτι να πει κανείς και στις δύο πλευρές. Πιθανότατα δεν θα ήμουν πολύ διαφορετικός αν πήρα τη στροφή προς την ψυχολογία αντί για την ιστορία της τέχνης.
Νομίζω ότι η συνήθεια της αναζήτησης και της πρακτικής της περιγραφής (η οποία, νομίζω, δυστυχώς απογοητεύεται στην ιστορία της τέχνης όπως εφαρμόζεται τώρα, αλλά όσο αφορά μου, είναι στον πυρήνα της και είναι ό, τι η μεγάλη τέχνη οι ιστορικοί) Νομίζω ότι είναι ένα εξαιρετικά χρήσιμο θεμέλιο για όποιον θέλει να είναι συγγραφέας. Στην πραγματικότητα, θα πήγαινα μακρύτερα και στην πραγματικότητα μάλιστα θα έλεγα ότι είναι ένα καλύτερο θεμέλιο από το δημιουργικό γράψιμο, για να αντιμετωπίσει κάτι τόσο περίπλοκο και πολύπλευρο και μη λεκτικό σαν ένα σπουδαίο έργο τέχνης και να προσπαθήσει να βρει μια γλώσσα της μετάφρασης, της υποκίνησης, του πλαισίου και της ιστορικής τοποθέτησης γι 'αυτήν, είναι από ορισμένες απόψεις η δυσκολότερη πρόκληση που μπορεί να έχει οποιοσδήποτε συγγραφέας.
Συμφωνώ απολύτως, και αφού το μελέτησα, ήμουν ενθαρρυνμένος να ακούσω ότι είχατε ιστορικό ιστορίας τέχνης, αν και ξέρω ότι δεν ολοκληρώσατε το διδακτορικό. στο Πανεπιστήμιο της Νέας Υόρκης.
Εγώ δεν είμαι, είμαι ABD (All-But-Dissertation) Υποθέτω ότι το έτος ... έκανα το orals μου το 1984, έτσι μπορείτε να το καταλάβετε, αλλά είναι σχεδόν 30 χρόνια τώρα. Θα το κάνω κάποια μέρα. Είμαι ο μόνος, πέντε αδελφών και αδελφών, χωρίς διδακτορικό. Κάποια μέρα θα επιστρέψω και θα το βρω. Όταν μελετούσα την ιστορία της τέχνης πίσω στη δεκαετία του '70 και του '80, εξακολουθούσε να είναι πάρα πολύ παλιομοδίτικη πειθαρχημένη. Κάνατε ως επί το πλείστον έρευνα αρχείων και οι περισσότεροι από τους καθηγητές έκαναν εικονογραφία, απλώς να λύσουν το γρίφο για το τι σημαίνει το μικρό σκυλί στη δεξιά γωνία της εικόνας. Τώρα, φυσικά, έχει επανελληθεί πλήρως και εκσυγχρονιστεί και νομίζω ότι σας κάνει να μακρύσετε για την παλιά αρχειακή, εικονογραφική παράδοση που φαινόταν τρομερά απολιθωμένη όταν ήμουν μέρος της.
Δεν γράφω πλέον τακτικά για τις εικαστικές τέχνες, αν και προσπαθώ να γράφω συχνά γι 'αυτούς όταν κάτι με πείθει. Αλλά εξακολουθώ να αισθάνομαι, αν μου επιτρέπετε μια ημι-συναισθηματική στιγμή, ότι δεν υπάρχει βιασύνη τόσο ενθουσιασμένη όσο να περπατάτε σε ένα σπουδαίο μουσείο και να γνωρίζετε ότι βρίσκεστε κοντά σε όμορφα πράγματα.
