Η τέχνη της φθοράς καταλαμβάνει μια μοναδική θέση στο δημιουργικό σύμπαν. Η μόδα, η τέχνη και η τέχνη, αυτή η υβριδική ταξινόμηση έχει ιστορικά επιδιώξει να ανυψώσει το φόρεμα πάνω από τον πρακτικό της ρόλο. Από τη δεκαετία του 1890, οι προ-Ραφαίλιτοι έως τη δεκαετία του 1930, οι υπερρεαλιστές μεταλλικές κατασκευές στους σημερινούς οικολογικούς σχεδιαστές, οι τεχνίτες αυτοί αναγνωρίζουν ότι τα ρούχα που φορούμε αντιπροσωπεύουν ιδέες και απόψεις.
Από αυτή την ιστορία
Τέχνη να φορέσει
Αγορά
Ερτέ: Τέχνη να φορέσει: το πλήρες κόσμημα
ΑγοράΣυχνά συνδέονται με τις πρόνοιες του Σουρεαλισμού ή της Dada, αυτοί οι καλλιτέχνες άρχισαν να πειραματίζονται με τα σχήματα, τα σχέδια και τα υλικά κοσμημάτων και ενδυμάτων. Στην πραγματικότητα, ο σουρεαλισμός ως κίνημα κέρδισε δημοφιλή εκτίμηση από τις εισβολές του στη μόδα.
Στην κορυφή αυτής της συγχώνευσης της πρωτοποριακής τέχνης και της υψηλής ραπτικής, ένας λαμπρός Ιταλός σχεδιαστής, Elsa Schiaparelli, συνεργάστηκε με τέτοιους σουρεαλιστικούς φωτισμούς όπως ο Jean Cocteau και ο Salvador Dalí. Με τον Dali, η Schiaparelli δημιούργησε ένα από τα πιο εντυπωσιακά ενδύματα: το φόρεμα αστακού, ένα κρεμ χρώματος μεταξωτό φόρεμα από μετάξι με συνθετικές τρίχες από Schiarparelli, οι οποίες στη συνέχεια διακοσμήθηκαν με ένα μεγάλο αστακό με μαϊντανό.
Επίσης, ονομάζεται κίνημα χειροτεχνίας και περιλαμβάνει τέχνη ινών, δερμάτινες χειροτεχνίες, κοσμήματα από όλα τα υλικά και οτιδήποτε μπορεί να φανταστεί κανείς για να κοσμεί τον εαυτό της, η κίνηση της τέχνης που φορούσε δεν ταυτίστηκε ως τέτοια μέχρι τη δεκαετία του 1960. Ωστόσο, πολλοί αναγνωρίζουν νεωτεριστές καλλιτέχνες και κοσμηματοπωλεία που δημιουργούν μεταξύ του 1920 και του 1950 είναι μεταξύ των πρώτων κατασκευαστών βιοτεχνίας.
Αυτή την εβδομάδα τα έργα των 50 καλλιτεχνών που πωλούν τα πάντα, από κοσμήματα, ρούχα, κασκόλ και τσάντες, προβάλλονται στο ετήσιο event του Smithsonian Institution για τη συγκέντρωση χρημάτων στο National Building Museum της Ουάσιγκτον, DC Έργα από την έκθεση Smithsonian Women's Committee επιχορηγήσεις και επιχορηγήσεις για έρευνα στο Ίδρυμα.
Τρεις καλλιτέχνες, Starr Hagenbring, Susan Sanders και Kathleen Nowak Tucci, που εργάζονται σε διάφορα φυσικά υλικά και με δεκαετίες εμπειρίας στο σχεδιασμό, θα είναι μεταξύ εκείνων που προσφέρουν αντικείμενα προς πώληση στην εκδήλωση. Η τέχνη τους εμφανίστηκε σε όλη την υδρόγειο - από ένα κάλυμμα της Vogue Italia μέχρι την πλώρη της Μάργκαρετ Θάτσερ στην τηλεοπτική εκπομπή.
Η ένωση αυτών των τριών καλλιτεχνών και της παράστασης Crafts2Wear αποτελεί συνεχές ενδιαφέρον για το συνδυασμό υψηλής και χαμηλής τέχνης και υλικών, σύμφωνα με την αποδιοργανωτική αποστολή του Περιβαλλοντικά Ευαίσθητου Κίνημα Τέχνης της δεκαετίας του 1960 και του '70.
Ο Hagenbring μετατρέπει ευρέως σκασμένα σφάλματα σε περίπλοκες, ιριδίζουσες ταπετσαρίες, μετατρέποντας το "άσχημο σε όμορφο". Ο Tucci απολαμβάνει να δημιουργήσει "κάτι εξαιρετικής αξίας από κάτι που θα κατέληγε στους χώρους υγειονομικής ταφής μας." Και ο Sanders επεξεργάζοντας την αντιπαράθεση μεταξύ των υψηλών και χαμηλά υλικά, λειτουργεί σε μια υπερ-τεχνολογική πλατφόρμα-τρισδιάστατη εκτύπωση-με φθηνά βιομηχανικά υλικά, αντιμετωπίζοντας τέχνη όπου δεν αναμένεται.
Starr Hagenbring: Η ομορφιά των σφαλμάτων
Η Hagenbring με έδρα τη Νέα Υόρκη συνεχίζει την ζωγραφισμένη παράδοση της Dali και Schiaparelli, χρησιμοποιώντας το ύφασμα ως καμβά, συνδιάζοντας χρωματιστά νήματα και εφαρμόζοντας λαμπερά και οπαλίσια χρώματα για να δημιουργήσει εντυπωσιακά tableaux. Η τέχνη της, η οποία μπορεί να δει και να αγοραστεί στο κατάστημα της Art & Eyes της Νέας Ορλεάνης, αναλαμβάνει πολλά θέματα: κλασικές και εξωτικές σκιαγραφίες, αφηρημένα σχέδια και, πιο πρόσφατα, ρεαλιστικά και αφηρημένα έντομα.
Η δημιουργικότητά της πηγάζει από την επιθυμία να ξεπεραστούν οι προσωπικές αποσπάσεις.
Ως παιδί, οι αράχνες την πανικοκωδικοποίησαν μέχρι να αμφισβητήσει τον εαυτό της να εμπλακεί βαθιά στον κόσμο τους. Βρήκε την περίπλοκη ομορφιά τους. Και η εμπειρία ώθησε μια διαχρονική γοητεία.
Περίπου 25 χρόνια πριν, ενώ επισκέφθηκε τη Βιρμανία, ο Hagenbring αντιμετώπισε έναν τοίχο σκελετού, που καλύφθηκε σχεδόν εξ ολοκλήρου με έντομα πολλαπλών τύπων και μεγεθών. Ήταν, όπως θυμάται, "μια έκθεση Smithsonian Institution με σφάλματα". Πολύ έκπληκτος για να είναι αηδιασμένος, αντίθετα εξέτασε την "οθόνη" και ανακάλυψε μια ποικιλία μεγέθους, μορφών πτέρυγας, γεωμετρικών σχεδίων, κρυφών προβολών και γενικότερης ομορφιάς. Τώρα, η πολλαπλότητα και η δύναμη αυτών των δημιουργών εμπλουτίζει μεγάλο μέρος της φορεμένης τέχνης της.
Τα έντομα έχουν εμπνεύσει τη δημιουργία αντικειμένων τέχνης για αιώνες, από τις παραδοσιακές αφρικανικές μάσκες μέχρι τους κυβιστικούς πίνακες του Πικάσο, αναγνωρίζει μια κληρονομιά της Hagenbring. Με την εστίαση στην απροσδόκητη ομορφιά τους και όχι την απομάκρυνση από τις μεγάλες και ρεαλιστικές λεπτομέρειες, η Hagenbring λέει ότι έχει ξεπεράσει τον "παράγοντα EW " πολλοί άνθρωποι συνδέονται με σφάλματα. Στόχος της είναι να προσελκύσει τους ανθρώπους να βρουν την απροσδόκητη ευχαρίστηση και να ενημερώνει για μια ευρύτερη επιθυμία να ενθαρρύνει τους ανθρώπους, όπως λέει εμφατικά: "Σταματήστε, σταματήστε, σταματήστε. Κοιτάξτε τι έχουμε γύρω μας. "
Kathleen Nowak Tucci: Οικολογική Αισθητική
Στη δεκαετία του 1960 και του 1970, το νεοδημιουργημένο Κίνημα για την Τέχνη ενέπνευσε επίσης την περιβαλλοντική συνείδηση ως μέρος της αποστολής της, δίνοντας έμφαση στις υφές και τις ιδιότητες των φυσικών, βιώσιμων υλικών. Τα μέλη της εκκολαπτόμενης κοινότητας συνενώνουν την αισθητική με τη λειτουργία, επιδιώκοντας να διαταράξουν τις παραδοσιακές ταξινομήσεις ή ιεραρχίες μέσα στις καλλιτεχνικές κοινότητες που ανυψώνουν την "ωραία" τέχνη πάνω από τις χρήσιμες τέχνες. Η έμφαση στην κλωστοϋφαντουργική εργασία - που προηγουμένως απορρίφθηκε από τη λεγεώνα των υψηλών καλλιτεχνών ως «γυναικεία εργασία» - αφορούσε το αυξανόμενο γυναικείο απελευθερωτικό κίνημα.
Το πρόσφατο έργο του Kathleen Nowak Tucci συνδέεται με τις αυξανόμενες παγκόσμιες ανησυχίες για την οικολογική καταστροφή, τα απόβλητα και τη ρύπανση και επεκτείνει το ενδιαφέρον των παραδοσιακών φορετών καλλιτεχνών για "χαμηλά" ή εξωτερικά υλικά για να απορρίψουν τους εσωτερικούς σωλήνες ποδηλάτου, χρησιμοποιήθηκαν καψάκια καφέ Nespresso. Το ανακυκλωμένο κόσμημά της ξεκίνησε με εσωτερικούς σωλήνες "απελευθερωμένους" από τους κάδους σκόνης των καταστημάτων επισκευής ποδηλάτων.
Ενώ χτυπήθηκε από την ποσότητα των ανθρώπινων απορριμμάτων που συναντά, εκτοξεύοντας τα castoffs από το ποδήλατο και τα καταστήματα μοτοσικλετών Harley-Davidson στην Pensacola της Φλώριδας, ο Tucci αρχικά προσέλκυσε να δουλεύει με καουτσούκ επειδή τα "υλικά είναι τόσο υπέροχα". οι προστατευτικές ιδιότητες του χάλυβα δημιουργούν ένα έντονο βλέμμα που θυμίζει μεσαιωνικό αλυσιδωτό ταχυδρομείο - αλλά πολύ πιο φορετό.
Το 2010, η Vogue Italia παρουσίασε κοσμήματα της Tucci στην κάλυψη ενός θέματος που αναφέρει την πρόσφατη πετρελαιοκηλίδα του BP στον Κόλπο. Δεδομένου ότι κάποιος μάρτυρας των λιπαρών πισινών που λεηλάτησαν το νερό, ο Tucci ήταν ευγνώμων για να μπορέσει να υλοποιήσει ένα μήνυμα ανθεκτικότητας και την ελπίδα της ανάστασης μέσω των αποκαταστημένων διακοσμήσεών του. Λίγο αργότερα, ο Tucci είδε ένα κουτί καψακίων Nespresso καραμέλας στο γραφείο γραφίστρια και άρχισε να συμπληρώνει το ματ μαύρο των εσωτερικών σωλήνων με τους αφρώδεις αποχρώσεις του ανοδιωμένου αλουμινίου που διασώθηκαν από τα δοχεία απορριμμάτων γραφείου. Τελικά, συνειδητοποίησε ότι οι κάψουλες Nespresso κράτησαν τη δική τους και δημιούργησαν ανεξάρτητα φωτεινά κομμάτια. Τον Μάιο του 2015, ο Tucci κέρδισε το Βραβείο Design Saul Bell σε Εναλλακτικά Υλικά, μια κατηγορία που περιλαμβάνει οποιοδήποτε υλικό που δεν είναι πολύτιμο μέταλλο. Έπειτα για τον οικολογικό σχεδιαστή; Ο Tucci θα ήθελε να δει ένα ανακυκλωμένο κομμάτι δήλωσης με τα πόδια στο κόκκινο χαλί του Χόλιγουντ σε μια μεγάλη εκδήλωση (Maggie Gyllenhaal ή Tilda Swinton θα μπορούσε να το μεταφέρει αυτό υπέροχα).
Susan Sanders: Τρισδιάστατη εκτύπωση της χειροποίητης χειροτεχνίας
Στη δεκαετία του 1980, η φορετή τέχνη αντικατόπτριζε την ποπ αισθητική και τα τεχνητά υλικά δημοφιλή εκείνη τη στιγμή. Τα γραφικά στυλ και η επίπεδη επιφάνεια εργασίας ασκούν έμφαση στις επιφανειακές εικόνες. Μέσα στον 21ο αιώνα, οι δημιουργοί της τέχνης συνέχισαν να πειραματίζονται με τεχνικές και υλικά, συμπεριλαμβανομένης της πιο πρόσφατης εκτύπωσης 3D. Η Ουάσιγκτον, η ντόπια Susan Sanders, ξεκίνησε την εισβολή της στο μέσο πριν από μερικά χρόνια, αφού πέρασε χρόνια ασχολώντας την αισθητική της με πολλαπλά υλικά, όπως το ασήμι, το χρυσό, το μετάξι, οι μικροΐνες και η πέτρα. Η δουλειά της εμφανίστηκε σε γκαλερί σε όλο τον κόσμο και πωλήθηκε σε ένα ευρύ φάσμα πελατών.
Πριν από χρόνια, όταν ο Sanders σχεδίαζε μεγάλους, πλήρως αρθρωτούς καρφίτσες από πολύτιμα μέταλλα, παρήγαγε ένα ιδιαίτερα μεγάλο και εντυπωσιακό κουνούπι. Λίγο καιρό μετά την πώληση του μουσείου στο Whitney της Νέας Υόρκης, η υπουργός Εξωτερικών των ΗΠΑ Madeleine Albright εμφανίστηκε στην τηλεόραση φορώντας το. Η καρφίτσα εμφανίζεται επίσης στο βιβλίο του Read the Pins: Ιστορίες από το κοσμηματοπωλείο του διπλωμάτη και ως μέρος μιας περιοδεύουσας έκθεσης που έφτασε στο Smithsonian Institution το 2010.
Η Sanders χρησιμοποίησε τόσα πολλά διαφορετικά υλικά σε όλη τη διάρκεια της 42χρονης καριέρας της - κατά τη διάρκεια όσων εργάστηκε στην Αλεξάνδρεια, το Torpedo Factory της Βιρτζίνια - επειδή της αρέσει να ανανεώνει την καλλιτεχνική της αντίληψη περιοδικά. Έτσι, όταν είδε για πρώτη φορά το τρισδιάστατο κόσμημα πριν από μερικά χρόνια, το ενδιαφέρον της ήταν επίπονο. Μετά από ένα μάθημα λογισμικού κοινότητας-κολέγου, ένα εργαστήριο για το Σαββατοκύριακο, αμέτρητα εκπαιδευτικά βίντεο στο YouTube και ακόμα περισσότερες εικασίες και πειράματα, η Sanders άρχισε να παράγει το δικό της τρισδιάστατο τυπωμένο κόσμημα, αρχικά σε ματ μαύρο και στη συνέχεια ζωγραφισμένο στο χέρι με λαμπρές αποχρώσεις πολλές αλληλοσυνδεόμενες γωνίες της χειροποίητης χειροτεχνίας της. Η Sanders, η οποία έχει πτυχίο βιομηχανικού σχεδιασμού από την Carnegie-Mellon, λέει ότι η "γεύση της ευνοεί τις γεωμετρικές μορφές" και η αφηρημένη διαδικασία της διαμόρφωσης των σχεδίων της αισθάνεται σαν να «έρχεται σπίτι».
Τα τρισδιάστατα σχέδια της δημιουργούνται όλα σε ένα κομμάτι, αλλά συχνά έχουν πολλά κινούμενα μέρη: αόρατες αρθρώσεις, μεντεσέδες και περίεργα κλουβιά. Το ελαφρύ πλαστικό νάιλον που χρησιμοποιείται στη διαδικασία εκτύπωσης καθιστά δυνατή για τους Sanders να δημιουργούν μεγαλύτερα κομμάτια που είναι ακόμα πολύ φορετά και οικονομικά προσιτά. Το συγκριτικά χαμηλό κόστος της διαδικασίας της επιτρέπει να φτάσει σε ένα ευρύτερο ακροατήριο αγορών, μια ωραία αλλαγή από την εργασία με πολύτιμα μέταλλα.
Και οι τρεις γυναίκες συμφωνούν ότι οι πελάτες που φορούν τα προϊόντα τους πρέπει να είναι αυτοκατοχή, πρέπει να είναι πρόθυμοι να δουν. Το φόρεμα, είτε πρόκειται για σακάκια είτε για ένα εξαιρετικά εικονογραφημένο στρώμα που καλύπτεται από σκαθάρι, είναι επιθετικό. Αυτό που φορούμε είναι η συναρπαστική σχέση ανάμεσα στον εαυτό μας και την αντίληψη του κοινού. Οι φετινοί καλλιτέχνες στο Craft2Wear προσφέρουν μυριάδες τρόπους να γεφυρώσουν το χάσμα με το χιούμορ, τη φαντασία και την ατομικότητα.
Η εκπομπή Craft2Wear του Smithsonian 2015 θα πραγματοποιηθεί στις 1-3 Οκτωβρίου στο National Building Museum στην Ουάσινγκτον. Η εκπομπή ανοίγει την Πέμπτη 1 Οκτωβρίου με το Party Advance & Fashion Show από τις 5:30 έως τις 21:00. Τα εισιτήρια είναι 75 $ και πρέπει να αγοραστεί εκ των προτέρων. Η καθημερινή είσοδος για την Παρασκευή 10 π.μ. έως 8 μ.μ. και το Σάββατο 10 π.μ. έως 5 μ.μ. είναι 10 δολάρια (μετρητά μόνο), πληρωτέα στην πόρτα. Στις 2 Οκτωβρίου, από τις 5:30 έως τις 8 το απόγευμα, το Artful Happy Hour (5:30 με 8 μ.μ.) θα δώσει στους αγοραστές την ευκαιρία να φτιάξουν τις γνώσεις των καλλιτεχνών και να γιορτάσουν τη μακρόχρονη υποστήριξη της επιστημονικής και καλλιτεχνικής επιτροπής γυναικών Smithsonian . Τα εισιτήρια για ένα ζευγάρι σκουλαρίκια από μαύρο μαργαριτάρι μαρμαρυγία δωρήθηκαν από τον καλλιτέχνη Keith Lewis και μια τσάντα παγωνιού ματιών δωρεά από καλλιτέχνες βιοτεχνίας Bozenna και Lukasz Bogucki μπορούν να αγοραστούν για $ 5 το καθένα ή πέντε για $ 20 κάθε μέρα της παράστασης.
