Ξεχάστε τα θεαματικά χρώματα των φύλλων και τις ψυχρότερες θερμοκρασίες: είναι η έναρξη της «εβδομάδας μόδας» τον Σεπτέμβριο που ανακοινώνει την εποχή της πτώσης. Όπως και οι νέες εποχές στη μουσική, το θέατρο, το χορό και την τέχνη, η Fashion Week σηματοδοτεί μια νέα αρχή. Τι είναι καινούργιο και υπέροχο; Πώς θα εφεύρουμε αυτή τη φορά; Μεγάλη και μετριοπαθείς; Φανταχτερός αλλά κομψός; Αναποφάσιστος?
Εκτός από το να είναι ένα αγαπημένο άθλημα για ρούχα κυνηγόσκυλα, η μόδα είναι ένα καυτό θέμα στον κόσμο του πολιτισμού αυτές τις μέρες. Το έργο Runway έχει λεγεώνες οπαδών. Ωστόσο , η μόδα αναδεικνύεται επίσης ως ένα ηχηρό θέμα στον κόσμο του μουσείου. Τέτοιες εκθέσεις υψηλών ορατότητας, όπως η "Aware: Art Fashion Identity" στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών του Λονδίνου το 2010, και η έκθεση κοστουμιών του 2010 "Αμερικανές Γυναίκες: Δημιουργώντας Εθνική Ταυτότητα", καθώς και το 2011, "Alexander McQueen: Savage Beauty "έχουν τοποθετήσει το κέντρο της μόδας σε σύγχρονες εξερευνήσεις ταυτότητας.
Η πρώτη εβδομάδα της μόδας κυκλοφόρησε το 1943, το πνευματικό παιδί της διαφήμισης Eleanor Lambert. Η συνειδητή Lambert, των οποίων οι πελάτες περιλάμβαναν τον Jackson Pollock και τον Isamu Noguchi, βοήθησαν να βρεθεί το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης. Αλλά το μεγαλύτερο της πάθος ήταν η μόδα. Το 1940 δημιούργησε τη "Διεθνή Καλύτερη Διακοσμημένη Λίστα" (την οποία θα κρατούσε για δεκαετίες), και εν μέσω του Β Παγκοσμίου Πολέμου αποφάσισε ότι ήταν καιρός να αποτρέψει το Παρίσι και να δηλώσει την υπεροχή της μόδας στην Αμερική, στη Νέα Υόρκη.
Diana Vreeland από τον Richard Ely Crayon, μελάνι και γκουάς στο χαρτί 1989 (Εθνική Πινακοθήκη, Smithsonian Institution © Richard Ely) Την ίδια στιγμή, η Diana Vreeland αναδύθηκε ως δύναμη της φύσης στο παζάρι του Χάρπερ. Ο εκδότης Carmel Snow τον προσέλαβε το 1936 και σύντομα έκανε ένα όνομα για τον εαυτό της με τη στήλη της "Γιατί δεν το κάνεις;". Αυτές οι εκδρομές ήταν άκρως εκκεντρικές, με τον Vreeland να θέτει με χαρά ερωτήσεις όπως: "Γιατί δεν ... ξεπλύνετε ξανθά μαλλιά του παιδιού σε νεκρή σαμπάνια, όπως κάνουν στη Γαλλία ;. . (και) στριφογυρίζεις τα χείλη της γύρω από τα αυτιά της σαν μακαρόνια; "
Κατά τη διάρκεια του πολέμου, ο Vreeland έγινε ένας μεγάλος υποστηρικτής Αμερικανών σχεδιαστών. Γράφοντας για το λανσάρισμα της εβδομάδας μόδας το 1943, εξέφρασε την ακεραιότητα και το ταλέντο των αμερικανών σχεδιαστών. Αντί της παρισινής μόδας, υποστήριξε ότι το κυρίαρχο στυλ είχε γίνει αμερικανικό, με συναρπαστικούς νέους σχεδιαστές για το αμερικανικό στυλ και τον Αμερικανό τρόπος ζωής."
Το απαράδεκτο μάτι της Vreeland έδωσε προσοχή σε όλα όσα περιβάλλουν την δική της, λογοτεχνική, καλλιτεχνική. Για εκείνη, η στάση και η χειρονομία ήταν καθοριστικής σημασίας: "Πρέπει να έχετε στυλ. . . .Ειναι ΤΡΟΠΟΣ ΖΩΗΣ. Χωρίς αυτό, δεν είσαι κανείς. "Έβαλε τη σφραγίδα της σε κάθε μέρος του περιοδικού, επιλέγοντας τα ρούχα, επιβλέποντας τη φωτογραφία και δουλεύοντας με τα μοντέλα. "Ξέρω τι θα φορέσουν πριν το φορέσουν, τι θα φάνε πριν το τρώνε, (και) ξέρω πού πηγαίνουν πριν είναι ακόμα εκεί!"
Ο φωτογράφος Richard Avedon, ο οποίος συνεργάστηκε μαζί της για περίπου 40 χρόνια, δήλωσε: "Η Ντιάνα έζησε για φαντασία που κυβερνούσε με πειθαρχία και δημιούργησε ένα εντελώς νέο επάγγελμα. Έφτιαξε τον επεξεργαστή της μόδας. Πριν από αυτήν, ήταν κυρίες της κοινωνίας που έβαλαν καπέλα σε άλλες κυρίες της κοινωνίας. "Με το Vreeland, το επίκεντρο μετατοπίστηκε από την κοινωνική τάξη στην προσωπικότητα:" οι εξωφρενικές προσωπικότητες, "ενθουσιάζει, " είναι τα πιο πριτσίνια πράγματα στην παγκόσμια συζήτηση, , την ατμόσφαιρα που δημιουργούν γύρω τους. "
Στα 26 έτη της στο Harz's Bazaar (1936-62) και στη σχεδόν δεκαετία της Vogue (1962-71), η Vreeland μεταβίβασε την οραματιστική της αίσθηση στυλ με αξιοσημείωτες φωτογραφίες. Στο Bazaar συνεργάστηκε ιδιαίτερα με την Louise Dahl-Wolfe σε τέτοιους ιστορικούς βλαστούς όπως η ιστορία μόδας του θέρετρου του 1942 που πυροβολήθηκε στο σπίτι της αρχιτέκτονα Frank Lloyd Wright στην Αριζόνα "Ship Rock" - στην οποία η ίδια η Vreeland εμφανίστηκε ως μοντέλο - και το κάλυμμα του Μαρτίου 1943 εισήγαγε μια τότε άγνωστη Lauren Bacall, η οποία συνεπώς χτυπήθηκε μακριά στο Χόλιγουντ για να συνεργαστεί με τον Humphrey Bogart στο να έχει και δεν έχει.
Η Vreeland, η οποία μιλούσε πάντοτε σε υπερθετικά στοιχεία, δημιούργησε μια ξεχωριστή εμφάνιση που ώθησε τους αναγνώστες της να είναι τολμηροί, γενναίοι και ευφάνταστους: «η μόδα πρέπει να είναι η πιο μεθυστική απελευθέρωση από την παναρατικότητα του κόσμου», δήλωσε κάποτε. "Αν δεν είναι εκεί στη μόδα, φανταστείτε !"
Όταν έφυγε από τη Vogue το 1971, μιλούσε: «Ήμουν μόνο 70 ετών. Τι έπρεπε να κάνω, να συνταξιοδοτηθώ;» Ο διευθυντής του Μητροπολιτικού Μουσείου Τέχνης Tom Hoving την κάλεσε να γίνει Ειδικός Σύμβουλος στο Ινστιτούτο Κοστούμια της Met και άρχισε γρήγορα δημιουργώντας ένα 3-D φανταστικό κόσμο που δεν περιοριζόταν από την εξάπλωση του περιοδικού. Φώτα, σκηνικά, μουσική και σύνολα σκηνής ξεκίνησαν για να δημιουργήσουν εκθέσεις που γιορτάζουν θέματα που κυμαίνονται από τα Ballets Russes έως Balenciaga. Οι εμφανίσεις της ήταν εξαιρετικά δημοφιλείς πηγές έμπνευσης για το σύγχρονο κοινό και αναζωογόνησαν το Ινστιτούτο Κοστούμιου. Πριν από το θάνατό της το 1989, ο Vreeland διοργάνωσε 14 εκθέσεις και προώθησε επιτυχώς την αποδοχή της "μόδας ως υψηλής τέχνης" - την ιδέα ότι τα ενδύματα ήταν τόσο αριστουργικά, όπως παραδοσιακά έργα τέχνης όπως η ζωγραφική και η γλυπτική.
Στο βιβλίο της Allure του 1980 , ο Vreeland τολμούσε να ζει με πάθος και φαντασία. Η δημιουργικότητα ενός ατόμου έπρεπε να είναι σε συνεχή κίνηση, υποστήριξε, επειδή "Το μάτι πρέπει να ταξιδέψει". Ζήτησα από την Ricki Peltzman, ιδιοκτήτρια του Upstairs της Ουάσιγκτον στην 7η μπουτίκ και έναν αναγνωρισμένο επιμελητή μόδας, να αξιολογήσει τη διαρκή επίδραση της Vreeland στη μόδα. "Η μόδα είναι στυλ. Είναι προσωπικό. Κάθε μέρα δείχνουμε στον κόσμο πώς αισθανόμαστε χωρίς να χρειάζεται να πούμε μια λέξη. Και κανείς δεν το είπε καλύτερα από τη Diana Vreeland. "
Ο καλλιτεχνικός ιστορικός της Εθνικής Πινακοθήκης Amy Henderson έγραψε πρόσφατα για τον Walter Cronkite και τους Ολυμπιακούς αθλητές.
